jueves, 20 de diciembre de 2012

Protografías - Oscar Muñoz en el Malba


Cortinas de baño

Narcisos


Línea del destino
Interiores Mujer en la ventana

(Buenos Aires)


Se inauguró ayer en el Malba la exposición Protografías de Oscar Muñoz (Popayán, Colombia, 1951). Con la presencia del artista se realizó una visita guiada para la prensa donde Muñoz comentó el proceso creativo de cada obra.
Organizada por el Museo de Arte del Banco de la República (MABR) en Bogotá, con la curaduría de José Roca y María Wills -curadora adjunta del MABR-, la exposición reúne 70 obras, entre dibujos, esculturas, instalaciones, fotografías y videos, que repasan las épocas más representativas de su producción. Se trata de la primera exposición individual de un artista colombiano en Malba. Pensada a partir de la idea de protografía (revés de la fotografía, momento anterior o posterior al instante en que la imagen es fijada para siempre), la exposición se organiza en torno a diferentes temas: la imagen en flujo y la imagen inestable, la imagen como impronta y como reflejo, y los soportes como lugar donde la imagen se configura y se deshace. Todo esto articulado en el contexto de la ciudad de Cali, que ha jugado un papel central en el trabajo de Muñoz como ambiente vital, atmósfera y motivo de representación.
Su obra desafía la caracterización mediática, moviéndose libremente entre la fotografía, el grabado, el dibujo, la instalación, el video y la escultura, borrando las fronteras entre estas prácticas a través del uso de procesos innovadores. “El uso de elementos fundamentales —como agua, aire y fuego— en varias de sus obras hace referencia a los procesos, los ciclos y las manifestaciones trascendentales de la vida, la existencia y la muerte”, explican los curadores. Protografías se presentó primero en la biblioteca Luis Ángel Arango del Museo de Arte del Banco de la República de diciembre a marzo de 2012 y de abril a junio en el Museo de Arte de Antioquía, Medellín. La exposición culmina en Malba en febrero de 2013 y continúa su itinerancia en el Museo de Arte de Lima (MALI) de marzo a junio de 2013.

De una entrevista a Oscar Muñoz por María Wills:

"...Estaba leyendo un estudio sobre Wittgenstein, quien decía que la imagen mnemónica no es una fotografía, no es estática ni plana; por otro lado me pregunto si el recuerdo de una imagen fotográfica será necesariamente el de una imagen congelada. A mí, más que recuerdos estáticos, me llegan vivencias. Las cosas que me llegan de la infancia tienen que ver mucho con momentos en los que me relaciono con los materiales...".
"... Hay un interés por la materia, por las superficies; y en este tiene mucho qué ver la vida del juego, de la infancia, del niño que está agachado como un hombre primitivo, con una curiosidad por comprender el mundo a partir de las superficies, los sabores y los olores. Pienso que cada ser humano tiene en su memoria algo así como un baúl al que puede recurrir a buscar los recuerdos refundidos de esas experiencias primeras..."


La muestra empieza con la instalación Ambulatorio (1994-1995) donde la ciudad de Cali aparece en el imaginario de Muñoz, según explica el curador de la muestra José Roca, se trata de  "...una aerofotografía de la ciudad ampliada a escala monumental y organizada en una trama regular. Cada fragmento de la foto está adherido a la parte inferior de un vidrio de seguridad, el cual se quiebra en fragmentos cuando el espectador (involucrado con todo el peso de su subjetividad) camina sobre la obra. Cada paso añade más quiebres a la pieza, estableciendo otra trama aleatoria de líneas sobre la imagen de una ciudad en la cual, como en todas las metrópolis modernas latinoamericanas, coexisten la planeación racional y la informalidad..."."...En Ambulatorio, la fotografía es el soporte de una obra cuya experiencia solo es posible en la medida en que la imagen sea obliterada, y la pieza solo se configura con la desaparición, así sea parcial, de la integridad de la imagen. La obra no es solamente visual: el sonido del vidrio que cruje bajo el peso del visitante también forma parte de ella, sometiendo el cuerpo a una experiencia de vértigo y vacío, a la memoria corporal de peligro y, en el contexto museológico, al tabú social de no tocar o caminar sobre una obra de arte....".
Otra de las instalaciones es A través del cristal (2009), "...en donde se evoca la ciudad de Cali de manera sutil, el recurso protográfico es otro: alejar la imagen fotografiada del plano visual al resaltar el contexto cultural en el cual la imagen es producida y consumida. Reflexionando sobre los usos sociales de la fotografía, Muñoz retrata fotos familiares que encontró en varios hogares de Cali con la ayuda de una cámara de video, aparato que, en su frialdad técnica, registra lo que la dupla ojo/mente tiende a descartar o bloquear: el reflejo en el vidrio que protege los retratos. En estos videos de imagen aparentemente fija, exhibidos en pequeñas pantallas planas montadas en marcos iguales a los que tenían las fotos originales, los retratos se convierten en soporte de la información contextual del sitio en el cual estaban originalmente situados: contienen espacio en el reflejo y tiempo en el audio que registra conversaciones, sonidos, murmullos. Los retratos adquieren una nueva vida, pues su identidad no se sitúa enteramente en la imagen representada en la fotografía, sino que incluye el espacio social al que pertenecen: el sentido de las fotos en A través del cristal es construido en un plano virtual situado en el intersticio entre ellas y el ojo del observador...".
Otra instalación que sorprende al inicio de la muestra es El puente (2004): "...La obra tiene dos versiones: una acción/video en el espacio público de Cali, y una proyección de video del mismo nombre acompañada de una mesa con contactos fotográficos, llamada Archivo por contacto (2004-2008). En Cali, como en muchas ciudades colombianas, existió la tradición de fotógrafos ambulantes —llamados localmente fotocineros— que trabajaban en el espacio público, usualmente plazas o parques, tomando imágenes de los transeúntes. En general estas imágenes eran inconsultas; si la persona
fotografiada quería la foto, tomaba un volante con los datos del fotógrafo, días después podía recoger su imagen, pagando el valor correspondiente. Esta profesión, muy popular hasta los años setenta, comenzó a desaparecer con el desarrollo de la fotografía instantánea, y su estocada de muerte la dio la fotografía digital, ubicua y barata. La mayoría de esas tomas no eran recogidas por los sujetos fotografiados; disparos esperanzados al vacío social, las fotos de los fotocineros son el reverso popular del estudio fotográfico de las clases adineradas: fotografías de personas anónimas hechas por fotógrafos anónimos: una gran fotografía del cuerpo social. Muñoz compra un enorme archivo de fotocineros y se dedica pacientemente a organizar este material homogéneo y diverso, encontrando relaciones entre los sujetos fotografiados, identificando algunos personajes recurrentes en varias de las fotografías, etcétera. Una selección de estas imágenes fue proyectada en el Puente Ortiz en Cali, sitio en el cual la mayoría de las fotos había sido tomada. El resultado es un retrato colectivo de la ciudad en un momento de su historia, un retrato afectivo. Las imágenes fueron proyectadas sobre la superficie del río Cali, y parecían pasar por debajo del puente, en contra de la corriente. El río lavaba las imágenes, como en un proceso fotográfico, pero no lograba fijarlas sino que solo permanecían en la memoria de los que presenciaron el acto. Las fotografías parecían hacer el tránsito entre presencia y disolución, en referencia clara al río como metáfora de la impasibilidad del tiempo frente al devenir de la historia. Al seleccionar varias imágenes que muestran el paso de un personaje dado —plano general, primer plano, plano cortado o contraplano (tomado por otro fotógrafo situado a espaldas del personaje)—, Muñoz logra disolver el tiempo de la imagen, situándolo en un antesdespués simultáneo, nunca totalmente definido...". "...El agua como soporte ya había sido utilizada para minar la estabilidad de la imagen en trabajos anteriores, como Cortinas de baño (1985-1989) y Narcisos, cuyas primeras versiones se realizan a principios de los noventa, y que puede ser considerado uno de los más paradigmáticos de la producción de Muñoz. En Cortinas de baño, Muñoz experimenta por primera vez con un soporte no convencional, en este caso una cortina plástica común y corriente, para construir una imagen a partir de una fotografía transferida a un tamiz serigráfico. En el proceso de impresión, realizado con aerógrafo a través de la seda de serigrafía previamente preparada, la imagen era recibida por una superficie inestable que impedía la fijación total del
pigmento, pues el artista rociaba agua sobre la cortina en el momento de dibujar. Cortinas de baño es el primer trabajo que Muñoz instala en el espacio, ampliando la experiencia de una relación obra espectador (primordialmente visual como en los trabajos bidimensionales de su primera etapa) a una más compleja relación
entre la obra, el espectador y el espacio que los contiene a ambos. Al igual que en A través del cristal, realizada muchos años después, Muñoz logra establecer una distancia entre la imagen fotográfica del sujeto representado y el soporte que la acoge. En ese espacio indefinible se sitúa la experiencia de la obra.
La reconsideración del soporte fue una preocupación central del trabajo de Muñoz durante los años noventa, y una forma de romper con una aproximación más convencional a la creación artística. Narcisos fue una serie clave en esta búsqueda por desmaterializar el soporte de la imagen fotográfica.
Muñoz desarrolla una técnica inédita y probablemente sin parangón alguno en la historia del arte anterior o posterior: imprime sobre agua. Como se recordará, las primeras imágenes fotográficas nacían en el agua, en el baño químico que fijaba las sales de plata en diferentes gradaciones de intensidad provocadas por la acción de la luz. El soporte fue una necesidad incidental: se requería de alguna superficie que pudiera recibir la imagen, y si bien el soporte más usado debido a sus características físicas y a su bajo costo terminó siendo el papel, muchos otros materiales fueron utilizados, como el vidrio, el latón o la porcelana...".
En sus primeras obras, Muñoz realizaba dibujos de gran formato en los cuales hacía visible el ambiente triste y sórdido de los inquilinatos de Cali, en piezas de profunda carga psicológica, como sus series Inquilinatos (1976-78) e Interiores (1976-1981). Estos primeros trabajos están marcados por la efervescencia cultural y social del ambiente en esa época. A mediados de los años ochenta, Oscar Muñoz se aleja de técnicas tradicionales como el dibujo sobre papel o el grabado en metal e inicia una experimentación con procesos novedosos y soportes inusitados. Pero es en los primeros años de la década de los años noventa cuando en su trabajo se presenta un replanteamiento radical del ejercicio del dibujo y el grabado, los usos de la fotografía, la relación de la obra con el espacio en que se instala y el rol del espectador y del paso del tiempo en la conformación de la imagen. A la hora de hablar sobre su producción, Muñoz reconoce que no hay un único eje en su obra, sino varias preocupaciones que van y regresan. Por ejemplo, en sus últimos trabajos, Impresiones débiles (2011), hace serigrafías con polvo de carbón de imágenes de prensa, que se parecen a los Tiznados (1990-91), donde la materia del polvo del carbón era protagónica. “Me interesa el instante y los procesos que se dan para que una imagen pueda consolidarse, o no, en la memoria”, afirma Muñoz.

Oscar Muñoz (Colombia, 1951). Nació en Popayán, Colombia. Se graduó en 1971 en la Escuela de Bellas Artes de Cali, ciudad en la cual existía un movimiento cultural intenso y multidisciplinario que incluía a escritores, fotógrafos, cineastas y artistas plásticos, como Carlos Mayolo, Luis Ospina, Fernell Franco o Andrés Caicedo. Este fue el contexto y éstos los interlocutores de Muñoz en su período formativo. A lo largo de casi cuarenta años de producción, Oscar Muñoz ha desarrollado una de las obras más sutiles y coherentes del arte colombiano de los últimos tiempos. Utilizando diversas técnicas y experimentando sobre diferentes soportes, este artista ha elaborado una profunda reflexión plástica sobre la naturaleza de las imágenes.
Su obra integra importantes colecciones públicas y privadas como las del Museum of Fine Arts, Houston; The Daros Collection, Zurich, Suiza; The Museum of Contemporary Art, Los Ángeles; The CU Art Museum, University of Colorado en Boulder; y Tate Modern en Londres. En 2006 abre en la ciudad de Calí Lugar a Dudas, un espacio independiente sin ánimo de lucro que promueve y difunde  la creación artística contemporánea a través de un proceso articulado de investigación, producción y confrontación abierta.
En 2007, Muñoz fue invitado a participar en la 52 Bienal Internacional de Venecia curada por Robert Storr. En la última década ha realizado muestras individuales y colectivas en varios museos e instituciones internacionales, entre los que se destacan O.K. Offenes Kulturhaus, Linz Austria; Pori Art Museum, Pori Finlandia; The Korea Foundation, Seúl Corea; Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC), Badajoz, España; Prefix Institute of Contemporary Art, Toronto Canadá; Institute of International Visual Arts (INIVA), Londres, Inglaterra; Museo Tamayo de Arte Contemporáneo, México DF, Philagrafika: Philadelphia Museum of Art, Filadelfia; Círculo de Bellas Artes, Madrid, España; Hiroshima City Museum of Contemporary Art, Hiroshima Japón; Daros Exhibitions, Zurich Suiza; Mori Art Museum, Tokio, Japón; y el PICA Museum, Perth Australia. Oscar Muñoz vive y trabaja en Cali, Colombia.



Actividad relacionada con la exposición



Visitas guiadas

Miércoles, viernes y domingos a las 17:00

Avda. Figueroa Alcorta 3415 - C.A.B.A.

www.malba.org.ar


viernes, 14 de diciembre de 2012

Taller para chicos al aire libre - Intervención de árboles de Navidad


(Buenos Aires)

Mañana sábado se realizará en Buenos Aires Design, en el barrio de Recoleta, un taller para chicos al aire libre.
El Centro Comercial Buenos Aires Design  junto a Global Art invita a 14 artistas a intervenir arbolitos navideños. La actividad se llevará a cabo el sábado 15 de diciembre en las Terrazas de Buenos Aires Design.
Los artistas estarán pintando en vivo de 16.00 a 18.00hs. Cada artista firmará su intervención durante el vernissage que se realizará a las 19hs. Una vez intervenidos los árboles estarán a la venta a valores accesibles para que el público pueda comprarlos. 
Los artistas participantes son:

• Andrea Arcuri

• Bony Bullrich

• Cristina Simes

• Daniel Genovesi

• Dario Parvis

• Geraldine Cunto

• Ginette Reynal

• Ignacio Alperin

• Maby Rod

• Mapi de Aubeyzon

• María Laura Baylac

• Mirian Diaz Carrizo

• Mirta Benavente

• Paula Barbini

En los últimos años, Buenos Aires Design se ha convertido en un referente de la cultura y el arte en la Ciudad de Buenos Aires, a través de los eventos realizados donde se presentaron artistas como Eduardo Pla, Marta Minujin y Peter Macfarlane, entre otros. Afianzando nuestro vínculo con el arte y la responsabilidad social despedimos el año con esta acción.

Los eventos artísticos son coordinados por Global Art, empresa de marketing cultural a cargo de Grace Grisolía y Verónica Quintana.


www.globalartgroup.com





martes, 11 de diciembre de 2012

Muestra "Reciclantes" de Daniel Corvino y remate de fotos a beneficio


(Buenos Aires)


Se inauguró anoche en la Galería Rubbers la exposición de fotografías intervenidas “Reciclantes” del artista Daniel Corvino en homenaje al profesor Norberto Griffa de la Universidad Nacional de Tres de Febrero. También se proyectó el video "Reciclantes" con la presencia del artista. El jueves 13 de diciembre a las 19 horas se realizará en la galería el remate de fotos a beneficio de la Guardería “Che pibe” y el Merendero “Casita de Colores” de la Cooperativa “El amanecer de los Cartoneros”. La muestra da cuenta de la inquietud del artista, atreviéndose esta vez con nuevos medios, aunque no prescindiendo de lo pictórico, sino mixturando este con la fotografía y el video. Aquí, la captura del referente, a través de ambos dispositivos, no se torna meramente referencial, sino que lo representado se instala en un punto que pone al resguardo la magia que toda obra de arte debe conservar.
El tema de las fotografías es social, aborda el trabajo de los cartoneros y el reciclado y como en el caso del pintor argentino Antonio Berni, que trabajaba con materiales de desecho en sus algunas de sus obras - collages y assemblages - , Corvino compone las inquietantes  fotografías con imágenes de esos materiales. En “Reciclantes”, Corvino se apropia de recursos que pertenecen a la imagen electrónica y cuya implementación, en términos expresivos, marca su estética: reencuadres, utilización del time lapsed, incrustaciones, alteraciones en la temporalidad, superposiciones que abren el diálogo de lo pictórico con la imagen técnica. El crítico de arte Jorge Zuzulich dijo al referirse a Reciclantes, “podríamos decir que aquí lo urbano es protagónico. Protagonismo que se configura como fragmento en el modo de ver de Corvino: hay muchas ciudades en una ciudad”. Acerca de Daniel CorvinoDaniel Corvino es un pintor argentino nacido en Buenos Aires en el año 1950. Estudió en los talleres de Santiago Mirabella, Luis Mastro, Marino Santa María y Luis Felipe Noé.Sus obras se exponen en los Museos de La Pampa, Sívori, Damaso Arce de Olavaria y en colecciones privadas de Brasil, Miami, Nueva York, México y Francia. La muestra podrá ser visitada de lunes a viernes de 11.00 a 20.00 horas en la Galería Rubbers, ubicada en Av. Alvear 1595, C.A.B.A.

domingo, 18 de noviembre de 2012

Muestra de Eduardo Pla en el Hilton Buenos Aires




Eduardo Pla y una de sus obras

(Buenos Aires)


El 1º de noviembre inauguró la muestra de Eduardo Pla en el Hotel Hilton Buenos Aires. En el vernissage hubo artistas, invitados, periodistas, y críticos. El artista firmó dos murales que se exhiben en el lobby del hotel y que forman parte de la muestra. Eduardo Pla es un artista polifacético, presentó en la muestra una selección de sus creaciones más destacadas que serán exhibidas hasta el 15 de marzo en el Lobby del hotel.
La muestra está compuesta por tres móviles de 16 metros de altura donde se ubican 20 exclusivas obras de diferentes formatos suspendidas desde el techo de 740m2 de vidrio hasta el centro del Lobby. Las mismas reflejan los efectos cambiantes de la luz y el color. Además, se puede apreciar la gran escultura de cristal “Reflejos y Transparencias”, de 2 metros de altura, la cual formó parte del Open Lido 2007 en Venecia, La Bienal de Arte y el Festival Internacional de Cine. Con el cristal como material predilecto y la luz como soporte simbólico, la escultura evoca la permanencia de la poesía en un mundo sediento de apacibilidad.

“El Lobby de Hilton Buenos Aires se ha transformado en un espacio artístico de gran trascendencia en la ciudad y así lo demuestran las obras de Helmut Ditsch, Milo Lockett, Norberto Moncarz, Marta Minujín y, en esta oportunidad, Eduardo Pla, que han puesto toda creatividad, diseño y talento para sorprender a nuestros huéspedes y visitantes” destacó Tilo Joos, Gerente General de Hilton Buenos Aires.

Acerca de Eduardo Pla

Eduardo Pla nació en Buenos Aires en 1952. Residió durante más de 20 años en Europa y Estados Unidos, lo que le dio la oportunidad de nutrirse y proyectar su obra en el centro mismo del postmodernismo. Precursor en el abordaje de los sistemas electrónico-digitales como forma de expresión artística, su sólida formación incluye estudios de arquitectura, comunicación audiovisual, diseño y urbanismo. Se vale de una sólida formación internacional en arquitectura, videographics, animación, diseño 3D, realidad virtual, comunicación y dirección teatral y cinematográfica, para consolidarse como un artista polifacético.

La muestra está coordinada por Global Art.
Para información sobre las obras


Global Art

Grace Grisolía & Verónica Quintana

info@globalartgroup.com

www.globalartgroup.com


viernes, 2 de noviembre de 2012

Fantasía y realidad en el Museo - Ilustraciones de Dolores Avendaño



(Buenos Aires)

Entre el 6 de diciembre y el 24 de febrero de 2013 se podrá ver la muestra:


Fantasía y realidad en el Museo

Ilustraciones de Dolores Avendaño



El Museo Nacional de Arte Decorativo  presenta trabajos originales realizados por la destacada ilustradora argentina Dolores Avendaño, quien ha tenido a su cargo dibujar las portadas de las ediciones en español de Harry Potter de J.K. Rowling, escritora británica de enorme suceso por sus siete libros sobre la vida del joven aprendiz de mago y sus amigos en el Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería.
Dolores Avendaño además de esta exitosa saga también ha ilustrado el cuento La Liebre Dorada de Silvina Ocampo; Cats and Robbers de Jan Wahl; Los magos de Oriente de Eduardo Gudiño Kieffer , On Halloween Night de Ferida Wolf y Dolores Kozielski. ; también ha ilustrado docenas de libros para las más importantes editoriales estadounidenses y diseñado posters y packaging para varias empresas argentinas.
Muchas de las obras exhibidas están realizadas con la técnica de sfumature con colores de acrílico diluido que asemejan acuarelas entre las que se destacan una serie de seis ilustraciones especialmente creadas para esta muestra. Una pareja de niños visita el Museo y tienen que encontrar “escondidos “en estas ilustraciones objetos o partes de ellos de nuestro patrimonio artístico y que están destinadas a incentivar la imaginación de los niños y de los adultos que nos visiten.
Entre el mundo de las calabazas de Halloween , el arca de Noé repleta de sus queridos animales reales o fantásticos y la representación de la Naturaleza, todo nos lleva a un mundo de sensaciones placenteras que esperamos todos compartan.

Horario: Martes a domingos 14 a 19 hs.

Entrada $ 10.-

Menores de 12 años gratis

Martes entrada libre



Museo Nacional de Arte Decorativo

Av. del Libertador 1902

C1425 AAS CABA

Tel. 4801 - 8248; 4806 - 8306

www.mnad.org










viernes, 12 de octubre de 2012

Boltanski Buenos Aires - Migrantes

Aníbal Jozami, Christian Boltanski y Diana Wechler






(Buenos Aires)

El artista francés Christian Boltanski estuvo hoy en la inauguración de Migrantes, una instalación en el Museo Hotel de Inmigrantes, en Puerto Madero. Además de Migrantes, en otros 3 lugares se pueden
ver instalaciones y proyect specifics del artista francés: Boltanski obras en la sede de la Untref en Caseros, Boltanski Buenos Aires/Fliying Books/Homenaje a Borges en el Centro Nacional de Música    ex- Biblioteca Nacional y Les Archives du Coeur en Tecnópolis inaugurada anteriormente. La curaduría de la muestra estuvo a cargo de Diana Wechler, directora del Instituto de Investigaciones en Arte y Cultura Dr. Norberto Griffa de la Untref y de la Maestría en Curaduría de Artes Visuales y es una producción de la Untref y el Muntref, en la que intervinieron las áreas de Artes electrónicas, Ingeniería de Sonido, Gestión de arte del Centro de producción audiovisual y el Instituto de Diversidad Cultural de la Universidad.

Migrantes

Al entrar en el lugar de la instalación, lo primero que se percibe es algo así como una neblina, una bruma que provoca un efecto especial ¿la bruma del puerto de Buenos Aires cuando llegaban los inmigrantes en los barcos? Luego se suben las escaleras y en enormes espacios se puede recorrer la instalación.
Se escuchan voces en distintos idiomas que pronuncian nombres, lugares, ocupación, edad, fecha de llegada al país y sitio de partida. Son los datos encontrados en archivos de los inmigrantes que fueron llegando. Luego, en diversos pabellones, hay por ejemplo varias sillas con abrigos en  los respaldos. En una pared se advierte un abrigo con los brazos abiertos a la manera de una cruz, rodeado de  lamparitas. En otro de los pabellones hay una cantidad de camas de metal, cubiertas de plásticos. En otro lugar, como una larga mesa, hay flores cubiertas por un plástico. Las imágenes remiten a espacios vacíos y a personas que ya no están. La atmósfera se torna fantasmagórica, irreal. Induce a la contemplación y a la reflexión. Boltanski trabaja con la memoria emotiva.

Antes de inaugurar Migrantes, Boltanski conversó con periodistas de varios medios, entre
ellos la revista Archivos del Sur.

- Pregunta: ¿Cuál es su mirada acerca de la inmigración en esta instalación?

Boltanski:- Es una reflexión no tanto sobre la inmigración sino sobre la gente, las personas que pasaron por aquí. Este es un lugar lleno de fantasmas, la idea era evocar los recuerdos de los abuelos, de la gente que pasó por este lugar, que está lleno de ficheros, con los datos de los abuelos inmigrantes

- Pregunta: Acerca de su libro La vida posible de un artista, quisiera saber cuánto hay de verdad y cuánto de fantasía en lo que cuenta ahí

Boltanski: Todo lo que digo en ese libro es verdad, absolutamente.

- Pregunta: ¿Cuál es la función del artista en la actualidad?

Boltanski: La función del artista en la actualidad es hacer preguntas y generar emociones.

Boltanski es amable, conversa con los periodistas, se deja fotografiar, y él mismo va grabando con una pequeña cámara videos mientras recorre la instalación, entre la bruma provocada como efecto. Un nutrido grupo de periodistas lo sigue antes de que Migrantes quede oficialmente inaugurada.

Boltanski Buenos Aires / Migrantes /


MUSEO HOTEL de INMIGRANTES

Av. Antártida Argentina 1201 (Entrada: Escuela de Ciencias del Mar-Apostadero naval) C.A.B.A

Martes a domingos de 12 a 20hs.



Boltanski Buenos Aires / Obras /

Valentín Gómez 4838 Caseros

Lunes a domingos de 11 a 20hs.



Boltanski Buenos Aires / Flying books / Homenaje a Borges

Centro Nacional de la Música, ex BIBLIOTECA NACIONAL

México 564 C.A.B.A

Martes a domingos de 10 a 13hs. y de 16 a 20hs.


agradecimiento: al traductor Alejo Magariños
(c) Araceli Otamendi- Archivos del Sur









viernes, 21 de septiembre de 2012

Museo Casa de Yrurtia



(Buenos Aires)

El domingo 23 de septiembre a las 17,30 se inauguran 4 muestras en el Museo Casa de Yrurtia.

SUN & STONE - Muestra en Madero Mystic



(Buenos Aires)


El lunes 24 de septiembre a las 19 se realizará  el cocktail inaugural de la muestra SUN & STONE en el barco Madero Mystic, presentando a cuatro artistas plásticos: Gustavo Campos, Victoria y Sol Campos, y Pedro Romero Malevini.

La muestra, enmarcada en la prestigiosa Semana del Arte, presentará fotografías y pinturas con el Sol como tema principal. La propuesta cautiva aún más al público ya que el artista Gustavo Campos comparte varias piezas realizadas conjuntamente con artistas célebres como; Carlos Paez Vilaró, Lucas Piacenttini, Soledad Demaría, Pablo Toncheff, León Blanco, Germán Tolosa, Renzo Laico, Carolina Diharce, Mery Cosentino y Agustín Perera.
Gustavo Campos es un artista plástico radicado en Berazategui, Provincia de Buenos Aires. El artista autodidacta y también escritor, acompaña sus pinturas con letras, desarrollando simbióticamente estas dos virtudes que posee. Campos presenta en esta muestra su serie de soles, entre otras pinturas, junto a fotografías de sus hijas, Victoria y Sol Campos. Gustavo se formó en el taller de Carlos Páez Vilaró, y trabajó junto a otros grandes artistas como Milo Lockett y Claudio Baldrich. Durante 2012 expuso en ArtSale y en ArtGodoy, fue invitado a participar en la realización del mural de la Plaza Vicente López, Recoleta y en Open Arts.
Pedro Romero Malevini nació en 1979 San Antonio de Padua, y hoy reside en Mar del Plata, ambas ciudades de Provincia de Buenos Aires. El joven artista participó en las Bienales de Venecia, Florencia, New York y Turquía. Pedro comparte su pasión por el arte con el surf, y esto suele notarse en varias de sus obras. En el año 2011, fue invitado a exponer en el Museo de Arte de São Paulo. Malevini se destaca por su audacia a la hora de crear, utilizando diversas técnicas, desde fotografía hasta acuarelas, desarrollando también instalaciones y trabajando con madera.



La muestra, organizada por Global Art, empresa de marketing cultural, estará abierta hasta el 28 de septiembre, de 10 a 22 hs todos los días.



La entrada es libre y gratuita.

miércoles, 29 de agosto de 2012

Relanzamiento de la Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat- muestra de Raúl Soldi


Joseph Mallord William Turner

Juliet and her Nurse (Julieta y su aya), 1836

Raúl Soldi

Primavera, 1961


Raúl Soldi

Joven leyendo, s. f.


Antonio Berni

Domingo en la chacra o El almuerzo, 1945-1971



Emilio Centurión

El sillón rojo, 1945


Andy Warhol

Retrato de la señora Amalia Lacroze de Fortabat, 1980


Joseph Mallord William Turner

Juliet and her Nurse (Julieta y su aya), 1836







Museo Colección Amalia Lacroze de Fortabat





(Buenos Aires)



Con una conferencia de prensa y posterior visita guiada se relanzó hoy la Colección Amalia Lacroze de Fortabat ubicada en el museo del mismo nombre que funciona en el barrio porteño de Puerto Madero. También se presentó la muestra temporaria del artista argentino Raúl Soldi que abre una nueva etapa en el funcionamiento del
museo.
Amalia Lacroze de Fortabat, coleccionista y mecenas, murió este año en el mes de febrero. La actitud de mecenazgo hacia el arte nacional ejercida por la fundadora del museo, en vida, se continúa hoy en una serie de muestras que repasan la historia del arte argentino.
Estuvieron presentes además los dos hijos de Raúl Soldi, el marchand y coleccionista Ignacio Gutiérrez Zaldívar, el curador invitado Ángel Navarro.
José María Ugarte, administrador general de la Colección Fortabat explicó que el criterio de la coleccionista Amalia Lacroze de Fortabat fue exponer en el museo, las mejores obras de la pintura argentina que ella tenía en su casa.
La filosofía, explicó Ugarte es que esta colección fue, es y será siempre una colección privada y que hay diferencias entre una colección privada y un museo público. La familia de la señora de Fortabat, explicó, va a
continuar con el criterio de la coleccionista. Respecto a los cambios realizados en la presentación de la  colección, el curador invitado Ángel Navarro intervino para la reformulación de la muestra permanente. Es una colección cerrada, dijo. Hay una serie de piezas con las cuales tenía que jugar. Cuando se inauguró el museo en el año 2008, la colección presentaba 240 piezas. Hoy se redifinió de una nueva manera en un nuevo guión concebido por el curador y consultor invitado Ángel Navarro y el curador Germán Barraza. Esta relectura considera agrupaciones por tendencias y temas ordenados en un recorrido cronológico que intenta ser más accesible a los visitantes. Es una nueva y primera lectura, de otras posibles, que aporta una nueva mirada al extenso acervo de la Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat.
El Grupo de París, la Nueva Figuración, el arte contemporáneo, en su doble dimensión local e internacional, dominarán la exhibición reformulada por los curadores, de acuerdo con lo dispuesto por el Consejo de la Fundación Fortabat.
Preservando la impronta original definida por la Sra. Amalia Lacroze de Fortabat, las obras más significativas de la Colección mantendrán su ubicación en las salas del primer y segundo subsuelo Las obras presentadas en forma amplia y despojadas de paneles, permitirán un goce adicional de la perspectiva propuesta por la singular arquitectura del edificio que alberga la Colección. En tanto, otras pinturas rotarán de lugar, particularmente las creadas sobre papel para evitar riesgos de conservación.
Como importante novedad en la nueva presentación cabe destacar cinco esculturas de artistas argentinos que actualmente gozan de reconocimiento internacional. Son Sirene, de Alicia Penalba; El Dragón, de Pablo Curatella Manes; Hombre y Mujer, ambas de Libero Badii, Espacialidad del círculo, de Ennio Iommi, y Júbilo, de Gyula Kosice. Ellas se integran así a la sección internacional de la Colección Fortabat que incluye artistas importantes como el surrealista Salvador Dalí y uno de los más importantes representantes del Pop Art, Andy Warhol. Esta sección se ve coronada por obras de Pieter II y Jan I Brueghel, un artista del círculo de Maarten van Heemskerk y Joseph Mallord William Turner.
Los escultores argentinos mencionados se integran también al conjunto de obras de relevantes artistas locales presentes en el conjunto, como Lino Spilimbergo, Antonio Berni, Antonio Seguí, Carlos Morel, Juan Manuel Blanes, Juan Carlos Castagnino y Ernesto Deira. La primera de la muestras temporarias, dedicada a Raúl Soldi, artista autor de varias obras que forman parte del patrimonio creado por la señora Amalia Lacroze de Fortabat.
El curador Ángel Navarro explicó que además de obras de arte argentino la colección Fortabat tiene obras de Turner y Brueghel, dos artistas difíciles de encontrar en museos de América Latina. Con respecto al arte argentino se mantiene un hilo cronológico y se retiraron algunas piezas como los papeles con el fin de preservarlos.

En cuanto a la muestra temporaria de Raúl Soldi, figuran obras de la Fundación Raúl Soldi, de la colección Fortabat y de Ignacio Gutiérrez Zaldívar.



Exposición “Raúl Soldi”



En su primera muestra temporaria, la Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat presenta: “Raúl Soldi”, un conjunto de 70 obras que proceden principalmente del acervo de la Colección Fortabat y de la Fundación Soldi de Glew. La exhibición fue inaugurada este 29 de agosto en el primer y segundo piso del edificio ubicado en Puerto Madero.
Además de la obras de Soldi, una novedad de esta exposición la constituye la reproducción de su atelier, con objetos y elementos queridos por el artista. Raúl Soldi pintó además de cuadros la cúpula del Teatro Colón y la capilla Santa Ana de Glew, en la Provincia de Buenos Aires. Los hijos de Soldi explicaron durante la visita guiada que nunca Soldi cobró un peso cuando trabajó en una obra pública.
La elección de Soldi por el Museo Colección Fortabat responde a la especial relación de amistad y afecto que el artista mantuvo con la señora Amalia Lacroze de Fortabat.
Raúl Soldi solía decir que “el arte debe producir emoción y que la emoción es perdurable a través del tiempo; se aloja en la memoria, sin sobresaltos y para siempre” Y es por ello que prefería la emoción al asombro ya que, agregaba, “éste tiene una vida efímera”.
Según Soldi, dos palabras definen la pintura: el cómo y el qué. “Lo que importa es cómo se pinta y no qué se pinta. Cuando un cuadro trasciende, no necesita ser explicado. Por trivial que sea el tema, se torna importante. Lo hace importante la pintura misma”.
Su punto de vista sobre las artes plásticas dejaba tema para la discusión. “En las artes plásticas asistimos a una especie de carrera de novedades. Pareciera que las vanguardias se devorasen unas a otras, y que uno deseara superar al otro con una originalidad rebuscada... Y es que equivocadamente, el arte quiere imitar a la técnica y a la ciencia. La ciencia progresa, el arte evoluciona”.

Soldi vivía el acto creativo como un proceso de ensimismamiento: “Es tan grande la amargura cuando nada se logra, y tan grande la alegría cuando se hace un pequeño hallazgo, que uno se olvida de cómo lo hizo”, afirmaba.

La selección de pinturas prevista para esta exposición abarca distintos períodos de la vida artística de Soldi, destacándose, especialmente, el conjunto de las relacionadas con la música, las figuras femeninas y un extraordinario grupo dedicado a vistas de ciudad y al paisaje de Glew, sede de la Fundación Soldi.



Visitas y horarios





La exposición permanecerá abierta hasta el 14 de noviembre próximo. Puede visitarse de martes a domingos entre las 12 y las 20 hs. Las visitas guiadas serán a las 17hs. La oferta de servicios al visitante comprenden el catálogo, un folleto desplegable, audioguías con contenidos exclusivos, conferencias y el merchandising.

La entrada general es de $ 35; docentes, jubilados y estudiantes pagan $20.

www.coleccionfortabat.org.ar




martes, 21 de agosto de 2012

Silencio Lineal - Leopoldo Torres Agüero



(Buenos Aires)

Desde el próximo Viernes 24 y hasta el 15 de octubre, en el Palacio Duhau Hyatt Park Buenos Aires, se podrá visitar la muestra de pinturas "Silencio Lineal" del maestro Leopoldo Torres Agüero. Con curaduría de la Fundación Torres Agüero Rozanes, la exposición reúne una minuciosa selección retrospectiva geométrica del artista, y lucirán entre las 18 obras sus premios Morel y Palanza, destacándose en un espacio privilegiado del Paseo de las Artes el famoso tríptico "El Templo" (300x300) última obra del Maestro. Acompañan la exposición, 7 esculturas de su esposa la Sra Monique Rozanes, quién se encontrará presente el viernes 24 de 17 a 20. La muestra incluye la serie "Cabezas", y dos "Gigantes Samurais" (2.5 mts de altura). La entrada es libre y gratuita y el ingreso es por Avenida Alvear 1661. Buenos Aires.








martes, 14 de agosto de 2012

Muestra "Nenas" en Gachi Prieto Gallery

Foto (c) Ivana Salfity





(Buenos Aires)

En el marco del FESTIVAL DE LA LUZ Gachi Prieto Gallery presenta la muestra nenas, con fotografías de cuatro fotógrafas argentinas contemporáneas: Ivana Salfity, Karina Acosta, Laura Ortego and Lena Szankay.  curada por Daniela Gutierrez.  Estas artistas exploran el territorio de la añoranza y la inocencia, el juego y la fragilidad con imágenes que en su serenidad y belleza agitan fantasmas y ponen la adultez en cuestión.
La inauguración será el 16 de agosto a las 19.

GACHI PRIETO GALLERYContemporary Latin American
www.gachiprietogallery.com

Tel. (54 ) (11) 4774 6961Uriarte 1976 - Palermo
Buenos Aires
Argentina
Martes a Viernes de 13 a 20
Sábado 12 a 18



16 de agosto a las 19 - inauguración

martes, 7 de agosto de 2012

Muestra de Marta Minujín en Hilton Buenos Aires


Marta Minujín
(Buenos Aires)

Mañana miércoles 8 de agosto a las 19 se inaugura una muestra de la artista plástica Marta Minujín en el hotel Hilton Buenos Aires, en el barrio de Puerto Madero.
A beneficio de la Fundación Ninawa Daher, la muestra permanecerá abierta al público durante dos meses en el icónico lobby del hotel.
Marta Minujín está considerada una de las pioneras en la incursión de la acción en las artes plásticas. La muestra que ya puede verse en el hotel, durante los meses de agosto y septiembre, tiene lugar en su emblemático lobby. Parte de lo recaudado será donado a la Fundación Ninawa Daher.
La exposición está compuesta por 12 obras de 120 x 240 cm que le aportan todo su colorido a los balcones de Hilton Buenos Aires. En la misma se puede apreciar la serie titulada “Freaking on Fluo”, y también la reconocida escultura en bronce “Venus Fragmentándose”, las cuales pueden verse con entrada libre y gratuita en el característico lobby del hotel.
“En los últimos años, Hilton Buenos Aires se ha convertido en un referente de la cultura y el arte en la Ciudad de Buenos Aires, recibiendo las obras de grandes artistas como Helmut Ditsch, Milo Lockett y Norberto Moncarz, entre otros” destacó Tilo Joos, Gerente General de Hilton Buenos Aires. “Estamos muy orgullosos de acompañar, en esta oportunidad, a Marta Minujín, afianzando nuestro vínculo con el arte y la responsabilidad social”.
Bajo su consideración de que "todo es arte", Minujín se convirtió en el paradigma de su generación. Su arte se destacó en Buenos Aires, París, Nueva York y en cualquier lugar del mundo donde expuso sus obras.
La muestra de Marta Minujín en Hilton Buenos Aires es coordinada por Global Art.




Acerca de la Fundación Ninawa Daher – Por una Vida Digna


La fundación fue creada en memoria de la periodista Ninawa Daher como un homenaje al deseo, la idoneidad y la pasión solidaria que movió su vida profesional como periodista y como ser humano.
Son objetivos de la Fundación Nínawa Daher - Por una Vida Digna todos aquellos que hacen a promover el bien común, fomentar la calidad de vida de las personas y de la comunidad en general y difundir su legado generando ejemplo en los jóvenes en el respeto por los valores, por la familia y por la integridad moral, física y espiritual de las personas.



Para información sobre las obras

Global Art

Grace Grisolía & Verónica Quintana

www.globalartgroup.com


viernes, 3 de agosto de 2012

ARTSALE en Puerto Madero hasta el 5 de agosto










(Buenos Aires)

ARTSALE es una feria de arte que se realiza en un barco, en Puerto Madero, Buenos Aires.









ARTSALE 2012







Llega a nuestro país por segundo año consecutivo ARTSALE, feria de arte a PRECIOS ACCESIBLES!

ARTSALE se realizará los días 2, 3, 4 y 5 de agosto de 13 a 21hs en el barco Madero Mystic, en Puerto Madero.

La feria cuenta con una superficie de 1500 m2 donde se expone la obra de más de 100 reconocidos artistas nacionales e internacionales, que viajarán especialmente para que el público los pueda conocer en persona.


Durante ARTSALE, se realizarán acciones artísticas en vivo, auspiciadas por marcas que apoyan la cultura.
La curaduría de la muestra está a cargo del Arq. Federico Platener.
Uno de los principales objetivos de la muestra es incentivar al publico a ser propietarios de una obra de arte, con ese propósito los más de 100 artistas convocados exhibirán una obra cada uno, cuyo valor no superará a los MIL PESOS argentinos, y además habrán obras en trastienda a precios promocionales. De esta forma y gracias al aporte de los artistas, esperamos contribuir a fomentar la cultura , educando para que el arte esté presente en cada hogar.

Un paseo artístico donde el público podrá interactuar con los artistas y los chicos disfrutar del Espacio Kids, plástica a cargo de Marya Wariychuk, escultura con Paula Morgan y fotografía a cargo de Rox Boyer, quien les dará a los chicos las técnicas básicas y tips necesarios para sacar una buena foto.
Además podremos apreciar una instalación de más de 10 cocodrilos intervenidos por artistas cordobeses que enmarcarán el Barco y serán una atracción más para disfrutar.



La entrada es libre y sin costo.

El día jueves 2 de agosto se lanzó  la Feria a las 13 con un PRE SALE y una agenda de disertaciones con personalidades del mundo del arte; Fernando Farina, Marcela Costa Peuser, Delfina Helguera y Javier Caínzos, culminando con la conferencia de prensa que se realizó a las 19, seguida de varias acciones de marketing directo entre los artistas invitados y los sponsors. Telecom by Eduardo Pla, Selenza by Sole De María, Eco Soluciones by Charly Gualuppo, Madero Mystic by Jorge Cal y Marta Diez.
El viernes 3, Sábado 4 y Domingo 5 de agosto se realizan visitas guiadas sin costo durante todo el día a cargo de la Clínica de Coleccionismo de ART SALE.

El viernes 3 de 16 a 18hs, Paola Vergottini realiza un taller especial para los más pequeños, titulado “Arte para Todos”, donde nos acompañarán chicos becados por la Fundación Ninawa Daher.
El sábado 4 de agosto de 16 a 18hs, la actividad para los chicos estará a cargo de Maria Baylac: “Jugando con el Corazón”. Y a las 19hs Geraldine Cunto presentará su propia colección de ropa, “Ghosts of Trouble” en un Photo Shooting imperdible.

El domingo 5 de agosto, los artistas estarán pintando en vivo, y el taller ART KIDS de 16 a 18hs será comandado por la artista uruguaya Paula Barbini, y tendrá como título: “Pintando un Sueño como Dalí”.


También nos acompañará AP! Audiovisuales performances, proyecto llevado a cabo por Gabriela Espina y Cecilia Pugin, presentando un adelanto del Festival Urbano que se realizará en Noviembre en el Centro Cultural Recoleta: música en vivo, proyecciones de cortometrajes de artistas locales e internacionales y números de danza.




Artistas que participan en ARTSALE

ARTSALE es una feria federal e internacional, donde participan artistas de casi todas las provincias de nuestro país como; Buenos Aires, Córdoba, Río Negro, Salta, Chaco, Mendoza, Neuquén, y también llegan artistas del exterior desde; Rusia, República del Líbano, Colombia, Uruguay, Chile y otros países.



Los artistas que participan son; Eduardo Pla, Marta Diez, Sofía Sarkany, Sole Demaria, Charly Galuppo, Ricky Crespo, Gynette Reynal, Federico Raiman, Felipe Noble Herrera, Jorge Cal, Paula Barbini, Adrian Melussi, Agus Mazzocco, Alfredo Ramírez, Alicia Besada, Amparo Panasiti, Analía Castrillo, Ángeles Minola, Angélica Rochon, Anush Brena, Bea Mornau, Bechara Baroudi, Belen Espir, Biby Markus, Caro Holste, Carolina Himmel, Carolina Iturrospe, Cecilia Macedo, Claudio Baldrich, Cony La Greca, Dariak Fahler Semsey, Darío Parvis, Debora Trachter, Diana Molinari, Diego Gutierrez, Elsa Perez, Enrique Hollmann, Fabiana Rossi, Fiona González Devoto, Flor Fabiano, Flor Martelli, Florencia Echevarria, Gallo, Geraldine Cunto, German Toloza, Gloria Fossati, Gustavo Campos, Gustavo Mauro, Iaku, Ignacio Alperin, Isabel Duarte, Isabel Ocampo, Jime Butti, Jimena Salvatierra, Jorge Pablo Pallarols, Josie Watson, Juan Carlos Ferrero, Juan Danna, Juan Manuel Piccat, Julia Ramos, Laila Polisecki, Laura Asaro, Laura Nucenovich, Liliana Miguel Sanz, Liliana Pantanali, Liliana Roux, Lucía Peluffo, Lucila Marot, Maby Rod, Magdalena Castilla Sastre, Magda Paladino, Malala Bullrich, Malala Tiscornia, Mapi De Aubeyson, Marcela Levy, Marcela Pereyra, Marcelo Villagra, María Alicia Guzman Cendak, María Baylac, María Billorou, María Carolina Pallarols, María Elena Bazán, María Jose Coussirat, María Laura Baylac, Mariana Morales, Marisa Zorgno, Marta Diez, Matone Boné, Mayra Wariychuk, Mercedes Urtubey, Micaela Nuñez, Mon Caset, Mónica Albisu, Nenó Lopez, Nes Budano, Nicolás Monti, Norma Perel, Orio Dal Porto, Orly Rosenkratz, Paola Saenz, Paola Vergottini, Pato Indij, Patricia Racco, Paula Morgan, Pepo Reboratti, Pil, Renata Würschmidt, Rocío Alvarellos, Ro Cicuttini, Rox Boyer, Silvia Basso, Silvia Ventura, Sofía Bullrich, Susana Ibsen, Susana Rocha, Vale Fano, Vanina Carla Parizia, Viviana Dziewa y Yuri Gogol.



















Para más información:



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facebook: Art Sale



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ORGANIZA







Global Art



Verónica Quintana & Grace Grisolía



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miércoles, 18 de julio de 2012

Fase I: Les Archives du Coeur, Studio D’Enregistrement,Artista: Christian Boltanski




(Buenos Aires)

Christian Boltanski estuvo en Buenos Aires el año pasado presentando su libro La vida posible de un artista, editado por De la Flor y además brindó una conferencia y fue entrevistado en forma pública por Diana Wechsler, profesora de la Universidad Nacional de Tres de Febrero y curadora de la muestra Fase 1 Les Archives du Coeur que se está presentando en el marco de Tecnópolis. La revista Archivos del Sur estuvo presente durante la conferencia y publicó también una nota y además la reseña del libro.
 En el marco de la reapertura de Tecnópolis, comenzó el proyecto BOLTANSKI, Buenos Aires que lleva adelante el Muntref, Museo de Arte de la Universidad Nacional de Tres de Febrero. La primera intervención es el emplazamiento de Les Archives du Coeur, Studio D’Enregistrement, en el espacio de Tecnópolis, a partir del 8 de julio de 2012 y a lo largo de los tres meses de duración de esta exhibición.

El artista francés contemporáneo Christian Boltanski comenzó su labor a los 14 años. Hijo de madre cristiana y padre judío, la huella del holocausto forma parte de su memoria y ha formado parte de su obra centrada en temas ligados a la identidad y la singular tensión entre vida y muerte, tanto a partir de lo autobiográfico como de la suma de pequeñas historias individuales. Memoria y archivo son dos de las coordenadas que atraviesan su trabajo. Las huellas más efímeras de la vida, sus señales más triviales como la consignación de un dato dentro de un directorio telefónico, o las fotografías familiares que se replican por cientos en cada una de las historias anónimas que pueblan el mundo son algunos de los materiales de su trabajo en el que se presentan como testimonios de vida señalando a cada una con su singularidad y a la vez su proximidad con la de tantos otros. Entre 1969 y 1971 comenzó a reconstruir su infancia a partir de fotografías. A comienzos de la década de los años 80, Boltanski avanza de lo autobiográfico a las historias colectivas y empieza a utilizar fotografías de personas anónimas. Extensos repertorios de fotografías, montajes teatrales, y todo tipo de instalación que pueda llegar al público desde la exposición de la dimensión singular y anónima a la vez de la existencia humana han sido los soportes de su propuesta artística. El rector de la Universidad y director del Museo, Aníbal Jozami, dijo que en “reconocimiento a que la memoria es una de las cuestiones sobre las que es necesario seguir trabajando desde diferentes perspectivas y horizontes, la UNTREF se ha propuesto producir y desarrollar la presentación a través de distinto tipo de exhibiciones de este artista internacional” Cabinas de grabación para los Archivos del Corazón Actualmente, sumó un proyecto que tiene continuidad en tiempo y espacio y está destinado a crecer permanentemente: se trata de los Achives du coeur, un reservorio mundial de latidos de corazón de personas de diferentes latitudes, edades, condiciones sociales y culturales que almacena en un archivo construido ad hoc en una isla del Japón. Allí agrega año a año un sinnúmero de registros procedentes de la instalación en distintas exposiciones de su Studio d’enregistrement. Hasta el momento, Francia y Japón han sido sitios para esta instalación. Ahora Buenos Aires, más concretamente Tecnópolis, será la nueva sede de esta acción. Dada la gran afluencia de público de Tecnópolis, el artista planeó para este espacio un Studio que incluye una sala de espera y dos boxes con dos máquinas destinadas a grabar los latidos que voluntariamente los donantes quieran ceder para integrarlos luego a los Archives du coeur reunidos en Japón. Para Buenos Aires, Boltanski ha planteado además que a cambio de la donación de sus latidos, cada donante recibirá un CD con la imagen de identidad de obra y sus latidos allí grabados. “El concepto que reside en este proyecto de Boltanski es el de almacenar los latidos como huella primera, indiciaria y final de la existencia de cada individuo señalando en la suma, tanto la singularidad de lo humano como su semejanza, destacando con esto la condición humana en su sentido vital básico, más allá de las distancias culturales o sociales. Nuevamente, el binomio memoria-archivo se ponen en juego asumiendo Boltanski el desafío de construir una memoria de la humanidad a través de la suma de los latidos de cada uno de los seres que la constituyen”, explica Diana Wechsler curadora de la muestra y Directora de la Maestría en Curaduría y en Artes Visuales de la UNTREF. La segunda fase de BOLTANSKI, Buenos Aires tendrá lugar a partir de octubre.

miércoles, 4 de julio de 2012

Muestra Meraviglie dalle Marche en el Museo Nacional de Arte Decorativo





(Buenos Aires)


Con la curaduría del Arq. Ángel Navarro profesor de la Universidad de Buenos Aires y organizada por Artifex Argentina con la gestión de Artifex Italia se presentó este mediodía mediante una conferencia
de prensa la muestra Meraviglie dalle Marche en el Museo Nacional de Arte Decorativo. El patrocinio de la muestra es de Hope Funds.
En la conferencia de prensa estuvieron además del curador, el director del museo Arq. Alberto Bellucci, el Presidente de Artifex Italia Giovanni Morello, el Ministro Consejero de la Embajada de Italia en representación del embajador, el Presidente della Regione Marche Gian Mario Spacca y María Pimentel de Lanusse representante local de Artifex.
Se trata de una extraordinaria exposición que abarca un un significativo recorrido por la iconografía religiosa italiana, desde las tablas del Gótico tardío – de fines del siglo XIV - siglo XV de los pintores Olivuccio da Ciccarello, y Paolo Veneziano hasta el Neoclasicismo monumental de Adolfo de Carolis de fines del siglo XIX y principios del siglo XX.
Entre este espacio de tiempo - Renacimiento temprano del Quattrocento y el Barroco tardío del Settecento- se encuentran una serie de pintores de primera magnitud: Carlo Crivelli, Rafael, Tiziano , Lorenzo Lotto además de obras de otros pintores igualmente destacables como el Guercino, Luca Giordano, Maratta que ilustran imágenes de la vida de Cristo , de la vida de la Virgen y de los Santos que evidencian la intensidad del pensamiento religioso de la época y del admirable oficio de estos pintores que así lo expresaron.
El costo del transporte de las obras y de los seguros fue estimado en seiscientos mil euros.

La Región de Las Marcas

Las obras de esta muestra provienen de la Región de Las Marcas, única región de Italia que contiene la forma plural en su designación, y presenta una gran dispersión territorial en sus obras artísticas. Se podría decir, sin exagerar, que no existe ni un pequeño rincón ni una gran ciudad que no conserve alguna obra de arte extraordinaria; la red de museos cívicos y eclesiásticos se extiende por todas las vertientes de sus colinas; hay más museos diocesanos que diócesis, puesto que las ciudades, antiguas sedes episcopales, no han querido desprenderse de un patrimonio artísticoy cultural que constituye su tejido conectivo y vital; la Galería Nacional de las Marcas, en Urbino, conserva obras maestras dignas de la historia de un ducado que, en el renacimiento, fue un importante centro cultural y político.

Características de las obras

Las obras que inician el conjunto pertenecen a la última producción del arte gótico y obras del renacimiento. Las del primer grupo tienen que ver con su última fase del arte medieval, el gótico internacional, movimiento que en la Región de las Marcas tuvo importantes manifestaciones en obras de artistas locales como Lorenzo Salimbeni y Olivuccio da Ciccarello, nacidos en San Severino Marche y Camerino, respectivamente.

La exposición sigue un itinerario cronológico.

Las obras exhibidas provienen de:



Pinacoteca Civica ”Francesco Podesti” y del Museo Diocesano de Ancona



Pinacoteca Civica de Ascoli Piceno



Iglesia de Santa Lucía de Montefiore dell Aso



Pinacoteca Cívica de Macerata



Pinacoteca Civica de Jesi



Pinacoteca Cívica de Fabriano



Pinacoteca Civica de San Severino Marche

Museo-Tesoro de la Santa Casa de Loreto



Museo Diocesano y la Galería Nacional de la Marche de Urbino



Complejo de Museos S. María extra muros de Sant´Angelo in Vado



Museo Cívico de Pesaro



Pinacoteca Civica de Fano



Pio Sodalizio dei Piceni de Roma -ex Asociación di Marchigiani residentes en Roma-

Para Ángel Navarro, curador de la exposición, que permanecerá abierta en el Museo Nacional de Arte Decorativo entre el 7de julio y el 30 de septiembre, “los museos e instituciones marchigianos, distribuidas en diferentes ciudades y centros, atesoran obras de arte capaces de brindar un panorama del desarrollo de la historia del arte, a la cual la propia región realizó aportes relevantes con las creaciones de notables marchigianos como Rafael Sanzio, Federico Barocci, Andrea Lilli y Carlo Maratta”.
“A ellas, dice Navarro, hay que agregar obras de artistas procedentes de otros sitios que se instalaron en Le Marche como Carlo Crivelli o Lorenzo Lotto que vivieron en la región hasta el fin de sus días”.
Es la primera vez que pinturas de Rafael, Tiziano, Sebastiano del Piombo, Federico Barocci, Paolo Veneziano, Taddeo y Federico Zuccari, Guercino y Rubens, entre otros genios que dejaron su huella en Italia, llegan a la Argentina, lo que constituye un hito cultural de excepción.
El público podrá disfrutar de obras y pintores de extraordinaria relevancia estética y espiritual que se extienden entre el período tardogótico del siglo XIV hasta el neoclasicismo del finales del siglo XIX e inicios del siglo XX.
Entre ambos momentos, como secuencias de las magníficas floraciones que se sucedieron entre el temprano renacimiento del Quattrocento y el tardo-barroco del Settecento, se alinean una serie de pintores de primera magnitud, junto con otros artistas de trayectoria menos rutilante pero con obras tan notables que bien pueden competir con las de aquéllos.
Para el presidente de ARTIFEX Italia, Giovanni Morello, “la razón determinante que permitió idear esta exposición fue la clausura temporal de la Pinacoteca Comunal Francesco Podesti de la capital Ancona, lo que obligaba al almacenamiento de su pinacoteca para garantizar su seguridad. Así se pensó que un público mucho más amplio pudiera admirar una selección significativa de esas pinturas junto con algunas obras maestras de museos y pinacotecas municipales, museos diocesanos, del Museo Tesoro de la Santa Casa de Loreto
y de la Galería Nacional de las Marcas”.

Según el curador el conjunto que llega a la Argentina “integrado por una selección de obras de las posesiones de la Pinacoteca Comunal de Ancona y otras creaciones de valiosos artistas --que debieron cumplir con comisiones ordenadas por iglesias, congregaciones o mecenas privados--, son el mejor testimonio del interés local por el arte de un público que ha sabido observar, aceptar y ponerse a tono con los desarrollos más importantes que sucedían en este campo”.

La directora general de ARTIFEX Argentina, María Pimentel de Lanusse, señala que “es muy importante realizar este tipo de actividad con exposiciones internacionales de artistas universales, algo que en los últimos años no ha tenido lugar en Argentina. Literalmente podemos decir que colocamos delante de los argentinos ejemplos del arte universal”.



Exhibiciones anteriores

La exposición “Meraviglie dalle Marche. Seiscientos años de pintura italiana” ha sido exhibida en el Brazo de Carlomagno en el Vaticano, cuya historia enriquece el acervo que será expuesto durante tres meses en nuestro país.
En 1656 el Papa Alejandro VII Chigi decidió ampliar la Plaza de San Pedro. La Congregación de la Fábrica convocó para la obra arquitectónica al famoso Gian Lorenzo Bernini, quien había organizado el interior de la Basílica.
El proyecto debía acoger a los fieles de la cristiandad, tal como lo vemos hoy.
Por lo que Bernini tenía que tomar en consideración numerosos factores: las grandes dimensiones de la fachada y de la cúpula, las particulares exigencias litúrgicas del ceremonial pontificio, la relación urbanística.
Así nació la humana forma ovalada del brazo que contemplaba el espacio de contención de los fieles y el encuadre del gigantesco cuerpo basilical. Bernini optó por dos ambientes cerrados con una estructura decorativa externa hecha de pilastres duplicados que sobresalen entre las ventanas rectangulares, continuando con el diseño.
El brazo meridional es hoy utilizado como sede de muestras y es comúnmente llamado Brazo de Carlo Magno, cuya concesión tiene Artifex Italia. Al insertarse en la parte terminal del amplio pórtico basilical hay una gran estatua ecuestre del emperador cristiano Carlo Magno, coronado en San Pedro la noche de Navidad del año 800.
A ella corresponde sobre el lado opuesto la estatua de Constantino, primer emperador cristiano y fundador de la Basílica de San Pedro.


Museo Nacional de Arte Decorativo

Av. del Libertador 1902
C.A.B.A.
http://www.mnad.org/












































lunes, 2 de julio de 2012

ART GODOY Feria de arte



(Buenos Aires)
El martes 3 de julio a las 20 hs inaugura con un cocktail ART GODOY, feria de arte en donde participan más de 40 artistas contemporáneos, presentando diversas disciplinas como; pintura, collage, escultura, fotografía, muebles intervenidos y más.


Se destacarán obras de reconocidos artistas como; Eduardo Pla, Milo Lockett, Claudio Baldrich, Ginette Reynal y Daniel Genovesi. La nómina continúa con artistas premiados y de trayectoria nacional e internacional como; Marta Vidal, Hilda Catz, Adriana Arceluz, Patricia Martínez, Inés Patrón Costas, Caro Himmel, Malala Bullrich, Sergio Levin, Paola Girimonti, Matías Olivera Avellanda, Magdalena Castilla Sastre, Laura Grauman, Marizú Terza, Ignacio Alperín, Ale Besano, Patricia Indij, Debora Jabif, Matías Romano, Judy Potap, Mariano Tello, Enrique Hollmann y Gustavo Campos. A este importante listado, se suma una interesante propuesta de artistas jóvenes y emergentes; Sole Demaría, Cony La Greca, Fiona González Devoto, Pepo Reboratti, Paula Morgan, Victoria Nava, Mariana Brochard, Marilu Santa Coloma, Jazmín Donaldson, Noelia López, Lulú Peluffo, Daniela Chinkies, Gaby Perez, Andrés Pradere, Alejandra Martin, Pablo Frezza y Nicolás Monti.

La propuesta es muy original en su formato al ofrecer la posibilidad al público que visite la muestra de quedarse a comer en el Restaurant Godoy, que se encuentra en el salón contiguo a la exposición, y luego disfrutar y bailar al ritmo de los sonidos del DJ residente.

L a muestra fue declarada de Interés Cultural por la Municipalidad de San Isidro.



Coordinación General:



Verónica Quintana y Grace Grisolía

info@globalartgroup.com




Muestra: Motos de carrera en el Museo Nacional de Arte Decorativo




(Buenos Aires)

El 4 de julio se inaugura la muestra

Motos de Carrera

Los años del vértigo: 1970 -1980
Colección Scalise

en el Museo Nacional de Arte Decorativo
En esta muestra se exhiben motos de la Colección Scalise, familia emblemática dentro del motociclismo quien ha impulsado y desarrollado este deporte en la Argentina, organizando campeonatos nacionales y regionales, además de desempeñarse en el área empresarial con la producción de motos de marcas nacionales e internacionales.
Presidente histórico del CAMOD - Confederación Argentina de Motociclismo Deportivo - y Directivo de la FIM - Federación Internacional de Motociclismo - expandió las fronteras argentinas trayendo el Moto GP Internacional, a la vez que apadrinó a reconocidos pilotos argentinos en el mundo como Hugo Vigneti, Rene Zanatta, Walter Catania, Néstor Amoroso, Sebastián Porto, Matías Ríos y Tati Mercado.
Hablar de motos no exime hablar de pasión. No sólo por las piezas en sí, sino también por todo el mundo que las rodea: sus pilotos, sus mecánicos, sus ingenieros. Cada una de las motos exhibidas, además de haber sido concebidas casi de manera artesanal tienen un éxito en su haber y un sinnúmero de anécdotas, recuerdos, alegrías y tristezas que constituyen su historia. Cada una fue un símbolo de su momento y ha marcado un hito importante en la historia del motociclismo mundial.


El público visitante podrá recorrer esta muestra y adentrarse en el mundo del motociclismo que esta interesante colección le acerca.

Hasta el 2 de septiembre de 2012.

Horario: Martes a domingos 14 a 19 hs.
Entrada $ 5

Estudiantes con acreditación – Jubilados con carnet / recibo $ 3.-
Menores de 12 años gratis
Martes entrada libre





















Museo Nacional de Arte Decorativo

Av. del Libertador 1902
C1425 AAS CABA
Tel 4801-8248; 4806-8306





http://www.mnad.org/





jueves, 21 de junio de 2012

Noé, visiones/re-visiones en el MUNTREF












(Buenos Aires)

Inauguró hoy una gran muestra retrospectiva del artista argentino Luis Felipe Noé (Buenos Aires, 1933). Formado en el taller de Horacio Butler, vivió en París y Nueva York, Entre 1961 y 1965 formó parte del grupo conocido como Nueva Figuración Argentina integrado también por Ernesto Deira, Rómulo Macció y Jorge de la Vega. Fueron invitados a participar del Premio Internacional Guggenheim en 1964 y se les rindió homenaje en la sección histórica de la Bienal de San Pablo en 1985. Ha recibido entre otros premios, el Premio Nacional Di Tella (1963), becas del gobierno de Francia (1961) y de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation (1965 y 1966).
Ha realizado desde 1959 cerca de cien exposiciones individuales.
Luis Felipe Noé abandonó durante un tiempo la pintura y eligió el libro panfletario como expresión directa de su protesta, como por ejemplo Una sociedad colonial avanzada, editado en 1972. (1).
En 1995 y en 1996 realizó dos muestras retrospectivas en el Museo Nacional de Bellas Artes, México DF, respectivamente, y en el 2010 en el Museo de Arte de Río de Janeiro , Brasil. Representó a la Argentina en la 53º Exposición Internacional de Arte de Venecia (2009).
Por su trayectoria le han otorgado el Gran Premio de Honor del Fondo Nacional de las Artes (1997), el Konex de Brillanate a las Artes Visuales (2009), y el Premio Homenaje del Banco Central de la República Argentina (2009). La Legislatura de la Ciudad Autónoma de la Ciudad de Buenos Aires lo declaró Ciudadano Ilustre (2006). Ha publicado varios libros; el primero, Antiestética (1965) y el último, Noescritos sobre eso que se llama arte (2007).

(1) Fermín Fevre, La crisis de las vanguardias, Centro Editor de América Latina

Palabras del Rector de la Untref Aníbal Jozami:

"A lo largo de varias décadas, Luis Felipe Noé ha sido un protagonista destacado del arte y de la escena sociopolítica argentina por su meritoria, activa y comprometida trayectoria. Fue uno de los artífices de la nueva figuración en los años sesenta, pero ese fue solo el comienzo. Ha sido una presencia constante desde entonces ya que su creatividad fue y es incesante. Su envío en representación de nuestro país a la Bienal de Venecia así lo demostró.


Cuando decidimos plantearle la idea de una retrospectiva, volvimos a comprobar su resistencia a los encasillamientos tradicionales y es así que la muestra que hoy presentamos resulta de un diálogo entre un equipo curatorial integrado por Eduardo Stupía, Cecilia Ivanchevich, Diana Wechsler y el propio artista. Esto nos aleja del convencionalismo y nos permite presentar una muestra que revela una trayectoria y, fundamentalmente, las vivencias, el presente y el futuro al que se encamina nuestro artista.

El resultado de la experiencia es esta exposición y el libro que honran a nuestra universidad y a nuestro museo por la calidad de las obras aquí reunidas, la originalidad del planteo curatorial y el gran interés que considero que la muestra tendrá para la comunidad artística y para quienes son en parte nuestros destinatarios privilegiados, el público del conurbano bonaerense, con quien venimos transitando ya diez años de construcción de este espacio de arte y cultura para todos".

ANÍBAL Y. JOZAMI / RECTOR UNTREF















"Toda muestra dedicada a un solo artista tiene –por presencia u omisión- algo del orden de lo biográfico. Con frecuencia, la mediación del curador y el presupuesto de ordenamiento cronológico como instrumento narrativo capaz de dar sentido a un recorrido artístico, suelen reforzar esta posición. Pero no es éste el caso.

Aquí lo biográfico se torna (auto) biográfico ya que la figura del artista-autor-actor se sobreimprime con la del curador quien, en diálogo con Eduardo Stupía, Cecilia Ivanchevich y conmigo, fue estableciendo este proyecto expositivo destinado a presentar una reunión peculiar de obras, que es posible definir en la reivindicación (histórica) de un presente continuo.

No se trata de una mirada retrospectiva, ni tampoco de una selección a modo de compendio o miscelánea. La clave es el montaje. Cada pieza se sitúa con la otra, transgrediendo el orden del tiempo y resituándose entre las ideas, produciendo así un nuevo espacio de pensamiento, a partir de un nuevo diálogo entre fragmentos escogidos.

Noé sigue develando sus visiones. Trabaja también, como en esta muestra, con la posibilidad de la re-visión, con las que se construyen e iluminan nuevas redes de significaciones: he aquí el carácter singular de esta selección una, entre otras posibles.

Este ensayo curatorial destinado a exponer la obra de un artista de vastísima trayectoria, reniega de los formatos convencionales de las retrospectivas o antológicas. Elige en cambio, establecer un recorrido a partir de obras de los últimos diez años para montarlas en diálogo con algunas otras, de distintos momentos anteriores, invitando a cada espectador a encontrar en la observación de este conjunto, las huellas del poderoso pensamiento plástico de Noé".

DIANA B. WECHSLER

"La decisión curatorial bajo la cual se despliega esta muestra es menos una ocurrencia de los responsables que la inexorable consecuencia de la actitud del artista, que se lleva por delante, a fuerza de prepotencia de trabajo y lucidez mental, todo intento de someterlo a las tranquilizantes normativas, al canto de sirenas del dogma epocal. En ese sentido, la decisión de mostrar selectivamente piezas de su producción de la última década, prologadas por la presencia de relevantes cuadros anteriores, tiene que ver no con el tiempo, sino con el establecimiento de un espacio. No se trata de proponer los ordenados segmentos de la periodicidad temporal como una manera de revelar la presunta progresión de una obra, sino de delimitar un territorio, una geografía de mutaciones, rupturas, idas y vueltas, flujos y reflujos, resonancias y disonancias. La topografía del país Noé es, como en las ruinas circulares de Borges, al mismo tiempo el mundo y el mapa del mundo; cada cuadro es el accidente geográfico –rico en estratos geológicos, en cimas y abismos, en remansos y catástrofes– de una tierra apenas explorada, y simultáneamente, su cartografía y su representación".

EDUARDO STUPÍA



La muestra se puede ver de lunes a domingos y feriados de 11 a 20 en el MUNTREF con entrada gratuita.

viernes 18,30, sábados 15,30 y 17hs.: visitas participativas

Valentín Gómez 4838 - Caseros, Pcia. de Buenos Aires, (frente a estación).

4759-3528/3578/0040

museo@untref.edu.ar
imágenes:

(de arriba hacia abajo):

Luis Felipe Noé: Ladra el ladrón ladrado, Eh Winckelmann ¿dónde están los dioses griegos?, Esto no tiene nombre, Crimen en la noche suburbana, La naturaleza y los mitos, Wittgestein, este es el caso, El estricto orden de las cosas

fotografía: Luis Felipe Noé