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viernes, 27 de abril de 2018

Tres libros sobre Benito Quinquela Martín se presentaron en el Museo de Bellas Artes de la Boca

el director del museo Víctor Fernández y Pablo Rey de la Asociación
Civil Rumbo Sur 
los tres libros sobre Benito Quinquela Martín: El hijo dilecto,
El carbonero pintor y Soñar La Boca

terraza de esculturas del museo 
la cocina de la casa de Quinquela Martín 





dúo musical en las terrazas del museo








una de las salas del Museo Quinquela
pintura de Benito Quinquela Martín 

























La Boca vista desde las terrazas del Museo Quinquela 

(Buenos Aires)

El sábado 21 de abril se presentaron en las terrazas del Museo de Bellas Artes de la Boca Benito
Quinquela Martín tres libros sobre el artista.: El hijo dilecto, El carbonero pintor, y Soñar La Boca
editados por la Asociación Civil Rumbo Sur.
La presentación de los libros estuvo a cargo del  director del museo Víctor Fernández y Pablo Rey, de esa asociación.
También hubo un número musical, tangos interpretados por el dúo Álvarez- Bruno.
La figura de Benito Quinquela Martín está indisolublemente ligada al barrio de La  Boca, de dónde a pesar del reconocimiento internacional y el éxito con sus obras, no quiso salir y continuó viviendo hasta su muerte.
Ahí, frente al Riachuelo se emplaza el Museo de Bellas Artes de la Boca, donde además, en el mismo edificio funciona una escuela y también se conserva la casa del artista.
"...Me parece que estoy metido en mis cuadros y amarrado a los muelles de La Boca, como los barcos que tantas veces descargué antes de trasladarlos a mis telas pintadas, a mis decoraciones murales, a mis cerámicas y grabados. Más amarrado aún que los barcos, que vienen y se van, a veces para no volver. Yo en cambio, volví siempre al  punto de partida. Y cada vez que partí llevé conmigo la imagen de mi barrio, que fuí mostrando y dejando en las ciudades del mundo. Fuí así como un viajero que viajara con su barrio a cuestas" dijo Quinquela Martín.
Un carbonero, un pintor, que se hizo uno con La Boca para siempre.
El carbonero pintor ofrece un pequeño racconto de su increíble vida artística, que explica desde sus inicios el inclaudicable compromiso con sus orígenes, con un barrio obrero que tenía el arte como parte de su ideario social.
En el libro 2 El hijo dilecto se recorre la vida de Quinquela: "...ideales políticos, causas religiosas y el arte entremezclado en la vida cotidiana fueron el caldo de cultivo de una historia única: la de un hijo dilecto.
La parábola del niño abandonado, la del que descubre su talento entre bolsas de carbón.
Un joven que no fue ajeno a las tensiones sociales de su época, que participa, se compromete. El arte lo descubre y lo reconoce, primero en su tierra, luego en el mundo. Pero él vuelve. Siempre vuelve a su barrio, al encuentro con los suyos. Y cuando llega la bonanza económica ayuda a sus padres y amigos, a propios y extraños. Para La Boca un derroche solidario, para él una vida austera. Tan increíble y reconocido fue su arte, como su capacidad de reunir y congregar. Un imán para las causas nobles de su barrio, en clave de encuentro, de fiesta.
Quinquela vivió con sofisticada simpleza. Su vida ilumina."
Soñar La Boca, el tercero de los libros, enfoca el trabajo social del pintor: "...Quinquela conocía
las necesidades del barrio donde nació y se crió, tenía claro por lo que trabajaba y para quién lo
hacía. Y todo lo hizo desde una piecita en la Escuela-Museo. Para los vecinos ya era frecuente ver
en el barrio a intendentes, ministros y presidentes. Quinquela Martín supo encauzar el juego
político en provecho de la Vuelta de Rocha.
Su legado vive en los vecinos de La Boca. Es memoria, es presente. Color, fiesta, rebeldía,
encuentro, esfuerzo y picardía. Quinquela nos invita a Soñar La Boca cada día".

El Museo de Bellas Artes de La Boca

"Planteado entonces como una institución comprometida con procesos educativos inscriptos
en un sentido de pertenencia, y enarbolando para ello las consignas artísticas de lo "tradicional
figurativo", el Museo de Bellas Artes de La Boca constituyó una de las apuestas más ambiciosas
de un artista que atravesó buena parte del siglo XX  promoviendo una concepción del arte como
factor decisivo en los cotidianos procesos de construcción de identidad".




jueves, 21 de septiembre de 2017

Flores de Tierra del Fuego - Macrofotografía - Perla Bollo



(Buenos Aires)

Cuando visité este año el Museo Marítimo y del Presidio de Ushuaia, encontré en la librería este hermoso libro de fotografías de flores de Tierra del Fuego de Perla Bollo.
Desde que llegué a la ciudad, me deslumbraron los jardines y las flores, muchas de ellas lupinos.

referencia histórica en el Jardín Histórico foto (c) Araceli Otamendi 

También al visitar el Museo del Fin del Mundo me encontré con el Jardín Histórico, precioso lugar lleno de plantas y flores.








jardín histórico foto (c) Araceli Otamendi 


jardín histórico foto (c) Araceli Otamendi 



En el libro de Perla Bollo se encuentran admirables fotografías de acaena magellánica "abrojo", achillea millefolium "milenrama flores blancas", "milenramla flores blancas" adesmia sp, anagalllis alternifolia "pimpinela", anemone multifida, arjona patagónica, armeria marítima, chloraea magellanica "Orquídea de Magallanes" - la flor que ilustra la tapa del libro -, codonorchis lessonii "palomita", cynara cardunculus "cardo", donatia fascicularis, drimys winterii "canelo", drosera uniflora, embothrium coccineum "notro", epilobium australe, erigeron myosotis, euphrasia subexeria, fragaria chiloensis "flor de la frutilla", gaultheria pumilia "chaura", gavilea australis "orquídea verde",
gavilea lutea "orquídea amarilla", gentianella magellanica, gentianella sp, geranium sessiliflorum "core-core", geum magellanicum, glandularia pulchella, hipochaeris glabra, hipochaeris incana, leucanthemun vulgare "margarita", leucheria hahnii, leucheria sp, luzuriaga marginatta, mactricaria discoidea "manzanilla", maitenus boaria, myosotis lamottiana, nassauvia magellanica "flor del chocolate", nothofagus antarctica "ñire", nothofagus pumilia "lenga", perezia magellanica "edelweiss fueguina", perezia pedicularidifolia, perezia pilifera, phacelia secunda, phaiophleps biflora "campanita", pratia repens "oreja de ratón", prunella vulgaris, ranunculus repens "boton de oro", senecio smithii, senecio sp, sisyrinchium patagonicum, stellaria holostea, stellaria media, taraxacum officialis "diente de león", trifolium badium "trébol amarillo", trifolium repens "trébol blanco", verónica serpyllifolia, vicia magellanica, vicia sativa, viola maculata "violeta amarilla".
Todas las fotografías han sido tomadas en Tierra del Fuego.
En el texto "La macrofotografía es mi visión" de Perla Bollo, dice:

Flores de Tierra del Fuego 
Pequeña belleza oculta

"El clima extremo de Tierra del Fuego esconde la maravilla de la belleza latente que acecha en todas partes. Sobre las costas azotadas por el viento, en el silencio y en la penumbra de los bosques o en límite de vegetación en la montaña, podemos encontrar una gran variedad de flores que adornan la isla en los meses de primavera y verano. Flores que esperan pacientes el momento exacto para surgir y cumplir su función, en la que cada una de sus partes se convierte en un conjunto de sutiles formas, que integradas, resultan la expresión de la naturaleza con un fin claro y preciso. Reproducirse. Nada es porque sí. Todo tiene su sentido en el mágico mundo natural. Mi mirada es peregrina, busca recalar en los detalles obsesivamente. La macrofotografía me acerca, me pemite observar y sentir, a través de la aproximación, al pequeño detalle de un gran mundo de texturas y de formas que llegan mediante imágenes asombrosas".

domingo, 13 de octubre de 2013

Sameer Makarius: Buenos Aires, mi ciudad - fotografías en el MUNTREF



(Buenos Aires)
Río de la Plata
Avenida Santa Fe (Buenos Aires)

Avenida General Paz

Obelisco

Parque Rivadavia



(Buenos Aires)

El jueves 10 de octubre se inauguró en el MUNTREF una muestra de fotografías de Sameer Makarius conjuntamente con el lanzamiento del libro Buenos Aires, mi ciudad, que la editorial Eudeba editó en 1963 y que fue reeditado ahora por la Universidad Nacional de Tres de Febrero.
En el libro, las fotografías de Sameer Makarius ponen de manifiesto una ciudad que hoy se nos escapa y muestra, a través de su mirada atenta y sensible, lugares, escenas, gente y vida cotidiana de aquella época, según palabras de Aníbal Jozami, Rector de la Untref y director del MUNTREF.
"La historia de una ciudad es también la historia de su gente, de las maneras de habitarla y a la vez de constituirse como ciudadanos. Tramos de esta historia, o más bien, instantes de ella, están registrados por la inteligente mirada de Sameer Makarius, quien pudo identificar ángu- los, gestos, luces y sombras de nuestra ciudad de Buenos Aires. La editorial Eudeba fue receptiva de su tra- bajo y en 1963 editó el libro Buenos Aires, mi ciudad que llegó a vender más de 67.000 ejem- plares. En el libro, las fotografías de Sameer Makarius ponen de manifiesto una ciudad que hoy se nos escapa y muestra, a través de su mirada atenta y sensible, lugares, escenas, gente y vida cotidiana de aquella época. A 50 años de su primera edición, el encuentro virtuoso entre Diana Wechsler y su hijo, Karim Makarius, acercó a nuestra Universidad este rico proyecto y la oportunidad de poder contar con su valiosa colaboración para poder, con este libro, reponer en la mirada contemporánea aspectos fugitivos de nuestra identidad. Eduntref, la editorial de la Universidad Nacional de Tres de Febrero, presenta la reedición de un libro pionero de la fotografía en la Argentina: Buenos Aires, mi ciudad y también de Buenos Aires y su gente, publicado en 1960. La riqueza de las imágenes de ambos libros se nos impuso de tal manera que desde Muntref decidimos exhibir, acompañando esta presentación, una selección de ellas".
ANÍBAL JOZAMI RECTOR UNTREF / DIRECTOR MUNTREF


Avenida Santa Fe 

“Dentro de la historia nacional, donde tantas calles han sido escenario de hechos gloriosos o dieron ambiente a una época, Santa Fe pasó inadvertida. Era campo abierto, sobre el linde de la ciudad; luego se transformó en camino y se pobló de quintas. Con el tiempo, el camino se hizo calle, y las quintas, caserones señoriales: por su ruta se llegaba a los portones de Palermo, y a través de ellos se iniciaban viajes hacia los pueblos suburbanos que año tras año iban integrándose a la populosa urbe”.

Rubí M. Rubens

Avenida General Paz

“Buenos Aires tiene por lindes: un río, ‘el más ancho del mundo’; un arroyo, seguramente uno de los menos ‘fragantes’ del universo; y, finalmente, una avenida de 100 metros de ancho y veintitrés kilómetros y medio de extensión. (…) Es la única ‘frontera’ terrestre de las que rodean la Capital (…). No cabe duda de que este límite ciudadano es una de las más preciadas características de nuestra inmensa urbe”.

Mirador porteño. La Nación

Parque Rivadavia 

“Frente al Parque Lezica, en el barrio de Caballito, provistos de las revistas ya leídas y ávidos de nuevas historietas y aventuras nuevas, acuden los niños a la feria donde las transacciones se realizan con la seriedad y la responsabilidad propias de esa grave forma de la vida en que consiste el juego de los niños”.

Sameer Makarius

Obelisco

 “El obelisco de cemento de la Plaza de la República –el Obelisco, por antonomasia– erigido en 1936 por un arquitecto audaz en homenaje al 4º Centenario de la primera fundación de la ciudad, se ha convertido en el símbolo de Buenos Aires como la Tour Eiffel lo es de París. Situado en el cruce de dos avenidas capitales, el blanco índice de su geometría perfecta apunta al cielo, desde el corazón de la ciudad, como una expresión de su voluntad de engrandecimiento y de severa armonía”.

Sameer Makarius

Río de la Plata 

“El Río de la Plata, el río más ancho del mundo, el ‘río como mar’ de los indígenas, el ‘Mar Dulce’ de su descubridor Juan Díaz de Solís, el ‘río color de león’ del poema de Leopoldo Lugones, cuenta con playas dilatadas y de suavísimo declive donde es posible, a quienes carecen de tiempo o de rentas cuantiosas, tomar sus baños y asolearse como millonarios, a un paso de la ciudad, en breves y módicos veraneos dominicales”. 

Sameer Makarius

Selección de fotografías: Sebastián Vidal Mackinson
textos de las fotos: extraídos de los libros Buenos Aires, mi ciudad  (Makarius, Eudeba, 1963 y Buenos Aires y su gente(Makarius, Compañía General Fabril Editora, 1960)

la muestra se puede visitar hasta el 15 de diciembre de 2013, lunes a domingos de 11 a 20; visitas participativas sábados 15,30 y 17 hs.; domingos a las 17
taller para niños sábados a las 17
entrada gratuita
Valentín Gómez 4838, Caseros, Provincia de Buenos Aires
museo@untref.edu.ar
4759-3528/3578/0040 int. 4

jueves, 22 de septiembre de 2011

Libros: Lunar perdido - Vanina Muraro































(Buenos Aires)

Vanina Muraro (Buenos Aires, 1968) es artista y psicoanalista además de docente en la Facultad de Psicología de la Universidad de Buenos Aires. Ha publicado recientemente el libro Lunar perdido que reúne sus dibujos con prólogo de Germán Gárgano editado por Paradiso. Fue alumna de Carlos Gorriarena desde los 17 años.
Ha participado en exposiciones colectivas en el Centro Cultural Rojas
y en el Centro Cultural Borges. También expuso en una muestra individual  en Liberarte curada por Aníbal Cedrón.
La entrevisté para Archivos del Sur, la entrevista está publicada en el blog de entrevistas:
http://revistaarchivosdelsur-entrevistas.blogspot.com/2011/09/entrevista-vanina-muraro-artista-y.html

En el libro aparecen muchos dibujos de mujeres en distintas situaciones cotidianas: mujeres con chicos en brazos, mujeres con mascotas, mujeres pensantes.
De niña miraba a su padre cómo dibujaba.







Algunas palabras entre muchas líneas






"Tuve el privilegio de tener por maestro a Carlos Gorriarena desde mis 17 años pero antes, mucho antes, vi pintar y dibujar en la mesa del living de la casa de mi infancia a mi padre. Esa ceremonia sucedía ante mis ojos con renovada curiosidad. Por eso, la pintura y el dibujo forman parte de mi cotidianidad desde que tengo memoria.
Dibujo casi adictivamente, todo lo que puedo y suelo preguntarme cómo hacen aquellos que no dibujan. Esta selección es una pequeña muestra de mi maniática producción.
En mi caso el arte, más o menos explícitamente, siempre fue autobiográfico; sin que pudiera impedirlo siempre contó algo de lo que estaba transitando. Cuando fui madre, por ejemplo, no pude evitar trazar una y otra vez la sensación de potencia que me producía el embarazo, la bestialidad del parto o la sensualidad que encierra el acto de amamantar. Pero aun más sutilmente aparecen en mis dibujos objetos con los que convivo cotidianamente: una lámpara, una lapicera, mi taza. También el contenido de mis sueños, algún dolor en el cuerpo, el miedo, el odio, el deseo, todo puede dibujarse y transformarse en línea. En fin, todo aquello que alcanza mi mirada, sometiéndolos a ser mi modelo vivo".



Vanina Muraro


"...Los dibujos de Vanina Muraro me traen a la memoria lo que alguien dijo hace tiempo muy acertadamente de Matisse - que ansiaba pintar cuadros placenteros para el descanso del trabajador ... y de su vida -: su obra muestra que la vida pese a todo merece ser vivida, y que justamente en ese pese a todo es donde reside su arraigo".

Germán Gárgano

martes, 2 de agosto de 2011

Libro: El arte abstracto - María Amalia García


El arte abstracto



Intercambios culturales entre Argentina y Brasil

María Amalia García


Siglo Veintiuno Editores

(Buenos Aires)


      
"El libro se propone contar una historia sobre los proyectos constructivos de transformación vital, de
internacionalismo, de diáfana vida colectiva que, pasados más de cincuenta años, aún están latentes en
las obras y en los manifiestos de artistas argentinos y brasileños. Esta investigación apuntó, precisamente, a volver activa esa latencia, ese poder transformador presente en la génesis de estas ideas...".

Hacia mediados de la década de 1950, el arte abstracto se transformó en una tendencia dominante en el escenario cultural latinoamericano. Numerosos artistas encontraron en su riguroso vocabulario elementos de expresión, mientras que la representación de líneas y estructuras geométricas desbordó los cuadros y se filtró en la vida cotidiana a través de afiches y murales.

¿Qué intereses y objetivos reunieron a artistas, intelectuales e instituciones en torno a las propuestas de la abstracción? Este libro traza un cuidadoso y exhaustivo análisis que articula el surgimiento de esta poética, en el marco de las revistas de vanguardia —como Arturo, Joaquim, y las publicaciones invencionistas—, con el proceso de institucionalización y hegemonía del imaginario de modernización regional que se intentaba promover en ambos países.

La profusión de intercambios artístico-institucionales entre la Argentina y Brasil a través de viajes, exposiciones y la innovadora Bienal de San Pablo, y la coincidencia de los recortes estéticos vinculados a la abstracción, en la obra de artistas como Max Bill, Lygia Clark, Waldemar Cordeiro y Tomás Maldonado, privilegian el enfoque regional. Estudiar las trayectorias de la abstracción desde esta perspectiva permite reescribir la historia artística del período y proponer una lectura novedosa en torno a las formas de intercambio entre Argentina y Brasil.


"...En relación con las poéticas, una de las ideas centrales de este libro es que, si durante los años cuarenta el panorama del arte abstracto se estructuró en función de genealogías heterogéneas del arte moderno, en la década siguiente la activa intervención del artista suizo Max Bill en los circuitos artísticos argentinos y brasileños delineó un área de desarrollo y promoción específicamente vinculada al arte concreto.

Las relaciones entre Max Bill y algunos artistas, críticos y gestores argentinos y brasileños generaron momentos de interlocución y espacios de intervención. Por un lado, varios artistas y críticos hallaron en la teoría del arte concreto propuesta por él un modelo sistemático para una serie de búsquedas plurales ya instaladas en los circuitos locales. Por otro lado, mientras en el circuito europeo de posguerra se desdibujaba el posicionamiento de la abstracción, Max Bill encontró una receptividad activa para sus ideas en los espacios artísticos sudamericanos. Por lo tanto, focalizar específicamenmte el desarrollo del arte concreto y en el papel de Max Bill enmarca el recorte Argentina - Brasil...".


María Amalia García

Doctora en Historia y Teoría del Arte por la Universidad de Buenos Aires, licenciada en Artes por la misma universidad y egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón” (IUNA). Es investigadora del CONICET y del Instituto de Teoría e Historia del Arte “Julio E. Payró” (FFyL-UBA). Se desempeña como docente en la Carrera de Artes (FFyL-UBA).

Sus trabajos sobre abstracción latinoamericana han sido difundidos en congresos y coloquios nacionales e internacionales, así como en revistas y publicaciones especializadas. En 2003 obtuvo el primer premio en el VII Premio Fundación Telefónica a la investigación de la historia de las artes plásticas en la Argentina. Es coautora de Tomás Maldonado en conversación con María Amalia García (2010) y de Arte argentino y latinoamericano del siglo XX: sus interrelaciones (2004).

sábado, 7 de mayo de 2011

Libro: Poéticas contemporáneas - Fondo Nacional de las Artes


POÉTICAS  CONTEMPORÁNEAS
Itinerarios en las artes visuales en la Argentina de los 90 al 2010

Apuntes y aproximaciones


Fondo Nacional de las Artes

(Buenos Aires)


El libro Poéticas contemporáneas editado por el Fondo Nacional de las Artes es un trabajo de indagación sobre las recientes estéticas, escenas y recorridos en las artes visuales del país, coeditado por el Fondo Nacional de las Artes y la Fundación YPF.


Juliana Iriart, Lanzamiento Perú 84, 2008
Técnica mixta - dimensiones variables 


Con idea, dirección y producción editorial de Fernando Farina y Andrés Labaké, la publicación es el resultado de un intento por abordar una significativa parte de los recorridos poéticos, de las estéticas, de las escenas y de las circunstancias acontecidas, desde variados puntos de análisis.


Luis Fernando Benedit - Perro de huesos - 2007
Fibra de vidrio, rexina epoxi y huesos de vaca
52 x 28 x 86 cm 

Contiene doce ensayos escritos por Roberto Echen, Andrea Giunta, Valeria González, Claudio Iglesias, Inés Katzenstein, Andrés Labaké, Ana Longoni, Nancy Rojas, Aldo Ternavasio, Rafael Cippolini, Viviana Usubiaga y Andrea Wain; y una curaduría conjunta realizada por Rafael Cippolini, Fernando Farina y Andrés Labaké, que reúne a más de doscientos artistas con ilustraciones de algunas de sus obras paradigmáticas realizadas en los últimos quince años. En esta selección también colaboraron diferentes críticos y artistas, quienes aportaron sus distintas visiones.

Arturo Aguiar - Vanitas - 2007 - fotografía
Toma directa de acción  120 x 100 cm 

Durante el extenso período que abarca la publicación, en las artes visuales se produjeron importantes desplazamientos, modificaciones, reposicionamientos éticos y estéticos; se multiplicaron las cantidades de artistas, de público, de circuitos de visibilidad y de acción; se expandió el coleccionismo; se interconectó y cruzó la escena argentina con la del resto del mundo; se expandieron, mixturaron, desbordaron y trasvasaron entre sí los medios, las disciplinas y las acciones; cayeron casi definitivamente los dogmas de vanguardias varias y los megadiscursos históricos y teóricos. Asimismo después del último antagonismo artístico, al final de los noventa, convivieron, aprendiendo a hacerlo en el propio devenir, en contaminación, toxificación y retroalimentación, una multiplicidad de características, modos, formas, discursos, fundamentos y experiencias que tuvieron y tienen diversos itinerarios.


Notas para un prólogo


Fernando Farina y Andrés Labaké

“…Los criterios curatoriales fueron varios, principalmente porque esta tarea fue realizada por un equipo de trabajo en el cual, si bien los integrantes coincidimos en líneas generales en nuestros intereses sobre las producciones actuales, cada uno tiene una sensibilidad particular y un modo de aprehender, significar y conceptualizar los diferentes itinerarios poéticos en tránsito. El resultado de la consensuada labor conjunta es esta selección de artistas con diversas visibilidades en los variados circuitos de reconocimiento y “convalidación”. En las elecciones realizadas prevaleció nuestro interés por el desarrollo poético de cada uno de ellos, su incidencia en el medio y su relación con sus particulares contextos comunitarios.

Tanto en el diseño de los textos analíticos como en la elaboración del ensayo curatorial desarrollamos otra de las premisas iniciales y constitutivas de este proyecto: que el relato incluyera artistas, circunstancias y acontecimientos de todo el país. Conocemos y valoramos las diversas producciones que se realizan en muchas ciudades, y estamos convencidos de que la centralización de Buenos Aires suele ser nociva tanto para el desarrollo de otras escenas como para percibir las ricas características y singularidades de cada una de ellas. Para esta tarea fueron útiles y valiosos los recorridos, los acercamientos, las visitas, los estudios y las curadurías que los directores del FNA venimos realizando desde hace cinco años por las provincias del país. Asimismo, consideramos importante encarar trabajos específicos sobre los devenires particulares de Tucumán y de Rosario, y otro general sobre los de diversas ciudades, en el que colaboraron, con sus enfoques, teóricos locales.

Entre los artistas seleccionados, hay quienes cuentan con alto reconocimiento en sus contextos y también otros (algunos muy jóvenes) a los que detectamos y sumamos porque encontramos significativa su obra o su poética, con una interesante potencialidad y proyección. Somos conscientes de que estos subrayamientos incentivan al artista a la vez que accionan diversas rconfiguraciones o cuestionamientos en las escenas locales en las que trabajan. Sabemos que toda selección es saludablemente subjetiva e inevitablemente parcial y fragmentaria….”.

“…En el lapso abordado por la curaduría y los ensayos teóricos se pueden señalar al menos tres circunstancias político-sociales bien marcadas y diferenciadas en el país.

La década de los noventa estuvo signada por una acción privatizadora de los servicios públicos, de la salud, de la educación, de la previsión social y de la cultura, con el consecuente desarme y debilitamiento del Estado y su rol en la comunidad; por la implementación de una política económica neoliberal que profundizó el proceso de desindustrialización y produjo un alto crecimiento del desempleo y de los niveles de pobreza; por una tendencia en lo social al individualismo en desmedro de propuestas colectivas y solidarias, y por la impunidad reconquistada por los responsables del genocidio de la última dictadura gracias a las leyes del perdón y el otorgamiento de los indultos.

Desde el estallido de la crisis hasta mediados de 2003 el país experimentó un período de suma inestabilidad y fragilidad institucional con una enorme agitación social y la emergencia de nuevas prácticas y nuevos actores del activismo social. Surgieron nuevamente el debate y la reflexión sobre las acciones y las teorías económicas y políticas.

De 2003 a 2010, aun con vaivenes y situaciones de cierta conmoción, se desarrolló una etapa caracterizada por la recuperación de la estabilidad económica y social, por una mayor presencia y respuesta del Estado en sus deberes públicos comunitarios y por una política oficial de “derechos humanos que incluye medidas como la anulación de las leyes del perdón y el impulso a la reapertura de instancias judiciales contra los crímenes de la dictadura, así como la entrega a los organismos de derechos humanos del amplio predio de la ESMA (Escuela de Mecánica de la Armada).”

En estos tres contextos particulares, durante este extenso período, específicamente en las artes visuales se produjeron significativos desplazamientos, modificaciones, reposicionamientos éticos y estéticos; se multiplicaron las cantidades de artistas, de público, de circuitos de visibilidad y de acción; se expandió el coleccionismo; se interconectó y cruzó la escena argentina con la del resto del mundo; se expandieron, mixturaron, desbordaron y trasvasaron entre sí los medios, las disciplinas y las acciones; cayeron casi definitivamente los dogmas de vanguardias varias y los megadiscursos históricos y teóricos. Después del último antagonismo artístico, al final de los noventa, convivieron, aprendiendo a hacerlo en el propio devenir, en contaminación, toxificación y retroalimentación, una multiplicidad de características, modos, formas, discursos, fundamentos y experiencias que tuvieron y tienen diversos itinerarios…”.


miércoles, 22 de diciembre de 2010

Libros:La paleta del espanto - Gabriela Siracusano (ed.) - Editorial UNSAM


La paleta del espanto
Color y cultura en los cielos e infiernos en la pintura
Colonial andina
Gabriela Siracusano (ed.)
Editorial Universidad Nacional de San Martín
Colección Artes y Letras

(Buenos Aires)

La Editorial Universidad Nacional de San Martín ha publicado recientemente este trabajo de varios autores con la compilación de Gabriela Siracusano – doctora en Historia del Arte, investigadora del Conicet y profesora de la Universidad Nacional de San Martín y de la Universidad de Buenos Aires, autora de varios libros y artículos sobre arte colonial andino, especializada en la dimensión material y cultural de pinturas y esculturas del período -  acerca de la pintura colonial andina.
Se trata de una cuidada edición que incluye imágenes de la Iglesia de Carabuco (Bolivia), de la Iglesia de Caviaquiri (Bolivia), de la Iglesia de Santa María (Ledesma, Salamanca, España), de la Catedral de Vank( barrio armenio de Jolfa, Ispahán, Irán) de la Iglesia de Huauro (Perú), entre otras.
Dice Gabriela Siracusano:
“…La iconografía cristiana despliega una compleja red de estrategias visuales para aludir a lo que dicho sistema de creencias ha llamado las Postrimerías o Novísimos, es decir, los cuatro últimos momentos del ser humano, a saber: Muerte, Juicio Final, Infierno y Gloria. Estos relatos iconográficos remiten a una antigua tradición que hunde sus raíces en los registros textuales e icónicos medievales. En el Virreinato del Perú, este imaginario se desplegó de manera sostenida a lo largo de todo el territorio andino durante los siglos XVII y XVIII, como una de las vías para acompañar el proceso de evangelización iniciado desde los primeros años de la conquista. La lucha entre el bien y el mal, entre lo verdadero y lo falso, y un mensaje anclado en la relación pecado-castigo, se manifestaron como una estrategia visual efectiva para llevar a cabo lo que Serge Sugruzinski denominó “la colonización del imaginario”, fenómeno que evidencia no sólo rasgos de resistencia cultural sino también de adaptación y apropiación por quienes ocupaban, mediante sus prácticas y creencias, el lugar de lo pecaminoso: los nativos…”.
 Detalle de músicos y bailarines, José López de los Ríos,
Infierno, óleo sobre tela, 1684, Serie de las Postrimerías,  Iglesia de Carabuco, Bolivia


La paleta del espanto es un trabajo interdisciplinario que cruza las disciplinas de la Historia, la Química y el Arte. Mediante la investigación de los distintos autores del libro, se encaran distintas facetas del arte y la iconografía cristiana en América  del Sur. El Capítulo 4, por ejemplo, está dedicado a la restauración de cuatro lienzos monumentales de la Iglesia de Carabuco; el capítulo 5 al examen científico de los materiales pictóricos; el 6 se titula: Notas para detener el “Escándalo”: Fiesta, color e idolatría en el Virreinato del Perú, y analiza, por ejemplo,  una causa de visita de hechicería e idolatrías realizada en la provincia de Cajatambo en los pueblos de indios de Chacras y Andajes, en 1725, donde se hace mención a un edicto que condenaba a usar piedras y polvos de colores, pinturas en vasos, piedras y tinajas, instrumentos musicales y bailes como signos idolátricos. Habían pasado ya muchos años desde las primeras campañas de extirpación de idolatrías iniciadas en 1570 impulsadas por el Virrey Toledo. Sin embargo, tambores, flautas, chicha bailes y borracheras marcaban el ritmo de una fiesta incesante. Con motivo de la fiesta que celebraba la canonización de San Ignacio de Loyola, Bartolomé Arzans de Orzúa exhibía el lugar destacado que la pintura ocupaba en los festejos públicos que Potosí había celebrado en esta y otras oportunidades a lo largo de su historia.

Autores: Leontina Etchelecu, Teresa Gisbert, Blanca A. Gómez, Diego Guerra, Marta S. Maier, Andrés de Mesa Gisbert, Sara Daniela Parera, Agustina Rodríguez Romero, Carlos Manuel Rúa Landa, Gabriela Siracusano, Gustavo Tudisco.

martes, 25 de mayo de 2010

En blanco y negro, fotografías de Manuel Sonseca












(Buenos Aires)



La Fábrica Editorial publicó un exquisito libro bilingüe castellano e inglés, con fotografías de Manuel Sonseca - artista invitado de la revista Archivos del Sur – titulado “En blanco y negro” y editado por el Ayuntamiento de Córdoba (España), Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí, Universidad de Córdoba (España) y Fundación Caja Sur – Colección El ojo que ves.


Manuel Sonseca ganó el Premio Internacional de Fotografía Pilar Citoler:

Manuel Sonseca. En Blanco y negro

"Manuel Sonseca produce imágenes tan nítidas como enigmáticas, imágenes viajeras y fugaces, cargadas de poesía". Con estas palabras describe Juan Manuel Bonet el trabajo de Sonseca a lo largo de ciudades como Buenos Aires, Roma, Lisboa o Madrid. Imágenes que despiertan recuerdos y asociaciones en quien las mira, y que parecen formar parte de una narración que se mezcla con la nuestra. Además del texto de Juan Manuel Bonet, el libro contiene también una entrevista del autor hecha por Alejandro Castellote. Manuel Sonseca ha sido ganador del Premio Internacional de Fotografía Pilar Citoler en su tercera edición (2008), motivo por el cual se ha editado este libro.

http://www.lafabrica.com/presentaciones/

Manuel Sonseca, artista invitado

Como en otras oportunidades, la revista Archivos del Sur invitó a un artista de otro país a publicar sus imágenes en la revista. Ahora publicamos imágenes del reconocido y premiado Manuel Sonseca (España) que se agrupan con un tema común: Buenos Aires.


http://revistaarchivosdelsur.blogspot.com/2010/03/artista-invitado-manuel-sonseca.html




Manuel Sonseca, peatón con Leica



….Buenos Aires es otra ciudad extraordinariamente fotogénica, sobre todo a partir de la entrada en escena, a finales de los años veinte, del gran Horacio Coppola, el mejor artista argentino de la cámara, el compañero de

caminatas de Borges y otros martinfierristas, el que mejor supo decir la gran metrópolis austral, precisamente en el momento de su tránsito del Ochocientos a las vanguardias en general, y a la geometría en particular. Sonseca titula borgianamente Fervor de Buenos Aires sus ciclos porteños de 2004 y 2007. Saluda al paso, en la ancha Avenida que desemboca en el ancho Río inmóvil, el Obelisco por siempre coppoliano. Se entretiene frente a la Recoleta: imaginaros un cementerio ubicado frente a las mejores terrazas de un barrio que es el de Salamanca de allá. Se da una vuelta por la Boca, otro paraje inmortalizado por Coppola, Coppola que por cierto allá sigue, a sus ciento tres años, casi a la sombra de la Torre de los Ingleses, Coppola en el cual nos hace pensar alguna imagen porteña del benjamín, entre ellas una de unos blancos edificios modernos –de una modernidad ya antigua- reflejándose en un espejo apoyado contra una pared. Sonseca pasea por el arrabal. Pasa el rato en un café –por ejemplo, el Retiro- que nos hace pensar en aquello de André Fraigneau de que esa clase de establecimientos son “salas de espera de la muerte”. Se fija en un viejo haiga norteamericano. No rehuye el tópico turístico del tango, equivalente a lo que en Roma sería la Fontana di Trevi, pero que también resiste al roce masivo. Hasta se llega al Tigre, a donde por mi parte todavía no me he acercado, el Tigre, el delta del suicidio de Leopoldo Lugones y de la última residencia de Xul Solar en la tierra, en una tierra que allá casi es toda agua ya.


Juan Manuel Bonet

Madrid, 2009

( Juan Manuel Bonet fue director del Instituto Valenciano de Arte Moderno –IVAM- de Valencia y del Museo Reina Sofía de Madrid –MNCARS- )

















Manuel Sonseca

Manuel Sonseca ( Madrid,1952 )

Licenciado en Medicina y Cirugía por Universidad Complutense de Madrid, 1979. Doctorado en Fotografía en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona .

Profesor de fotografía en el Ayuntamiento de Alcobendas -Madrid-, de 1986 a 1997 ; así como Conservador de la Colección Pública de Fotografía “Géneros y Tendencias” de 1994 a 2004, de éste Municipio.

Miembro del Comité Asesor de los Circuitos de Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid en 1988, 1990, 1998, 1999 y 2000. También trabajó de asesor de la galería DOBLESPACIO de Madrid entre 1998 – 1999. Profesor de la Escuela de Fotografía EFTI, Madrid-Valencia, durante el período 2003 - 2006.

Premio Hofmann de FotografÌa en 1994, Premio Pilar Citoler en 2008. Beca Endesa de Artes Plásticas 2010.

Exposiciones individuales y colectivas en España, Francia, Alemania, Italia, Portugal, Argentina, Chile, Eslovaquia e Islandia siendo las más recientes, individuales :

Palais de Glace, Buenos Aires. Argentina, 2004.

Mesiac Fotografie, Bratislava. Eslovaquia 2005; Museo Histórico de Entre Ríos "Martiniano Leguizamón", Paraná. Argentina 2005. Tierras de Nadie, Galería Cuatro Diecisiete, Madrid 2007. Fervor de Buenos Aires, galería EFTI, Madrid 2007. Manuel Sonseca, En Blanco y Negro, Córdoba 2010. Colectivas:

Guadalajara Paisaje y Territorio, Palacio del Infantado, Guadalajara, 2007. Entrefotos 2007. Artistas y fotógrafos; Museo Arte Contemporáneo de Madrid, Madrid 2008; Entrefotos 2008, Madrid.

Ha editado varios libros sobre su obra, el último en febrero de 2010 : Manuel Sonseca, En Blanco y Negro.

Sus fotografías se encuentran en numerosos colecciones públicas y privadas nacionales y fuera de España.



Blog de Manuel Sonseca:

www.manuelsonseca.com.es


crédito de las fotografías: Manuel Sonseca