(Buenos Aires)
El próximo viernes 22 de julio a las 19hs se realizará la inauguración del Museo de Arte Contemporáneo Argentino (MACA) en la ciudad de Junín, Provincia de Buenos Aires, luego de que finalizara la construcción que duró algo más de tres años.
El MACA se levantó sobre una antigua construcción que perteneció a los Ferrocarriles Argentinos y que fue comprada por el Municipio de Junín.
La presencia de un Museo de Arte Argentino Contemporáneo en la ciudad de Junín implica una acción de identidad hacia el interior de un territorio simbólico cultural, el del arte argentino, y simultáneamente hacia el interior de un territorio geográfico rico en diversidad artística y cultural, el bonaerense, muchas veces relegado desde una mirada nacional.
La idea fue propuesta por el artista César López Osornio a la Arquitecta Cristina Álvarez Rodríguez, cuando esta era Presidenta del Instituto Cultural del Gobierno de la Provincia de Buenos Aires, y al Intendente Municipal de Junín, Mario Meoni.
El arte latinoamericano y en especial el argentino está en constante diálogo con la situación política, económica y social del país capaz de fusionar procesos comunes con complejas manifestaciones personales.
La posibilidad de reunir a los artistas y a sus obras en un ámbito común de instalación pública y valorización cultural es reconstruir un fragmento de la historia simbólica y establecer las coordenadas estético- comunicacionales para el devenir de los procesos artísticos latinoamericanos, nacionales y regionales.
El arte contemporáneo atraviesa hoy por una encrucijada donde se debaten opuestos: por un lado la desintegración del imaginario realista bajo las propuestas que oscilan entre la abstracción y la nueva figuración lejos de la mirada inmediata; y por otro la presencia cada vez mayor de público ávido de relacionarse con propuestas artísticas innovadoras en diversos ámbitos de difusión.
El Museo de Arte Contemporáneo Argentino de Junín es también un homenaje al maestro Héctor J. Cartier, uno de los fundadores del Museo de Arte Ángel María de Rosa de Junín. Cartier enseñó a sus alumnos con un lenguaje científico y poético la praxis artística. Fue docente en la Escuela Superior de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata, en la Escuela “Manuel Belgrano”, Superior “Ernesto de la Cárcova” y “Prilidiano Pueyrredón”, y supo generar miradas y no anular estilos. Desde la corriente gestáltica y fenomenológica propuso un caleidoscopio de formas y colores que sus discípulos convirtieron en poéticas vanguardistas, cargadas de sensibilidad y luz. Sus discípulos son hoy exponentes fundamentales del arte argentino en sus diferentes disciplinas con reconocimiento nacional e internacional: Alberto Delmonte, Miguel Ángel Alzugaray, Victor Grippo, Julio Le Parc, Maite Le Park, César López Osornio, Hugo Soubielle, Edgardo Vigo, Ricardo Dalla Lasta, César Paternosto, Roberto Rollié, Raul Mazzoni, Hugo De Marziani, Antonio Asís, Omar Carreño, Hugo Demarco, Jorge Demirjian, H. Durante, Horacio García Rossi, Enrique González de Navas, Carlos Martínez, Lido Iacopetti, Eduardo Mc. Entyre, Jorge Pereira, Alejandro Puente, Jorge Rivara, J. Sobrino, Leo Vinci.
Mario Meoni
El Intendente Municipal de Junín, Mario Meoni dijo que “intentamos hacer de Junín una ciudad de museos. Este fue el proyecto con el que comenzamos a dialogar con el Instituto Cultural del Gobierno de la Provincia de Buenos Aires apenas empezada nuestra gestión. La respuesta no se hizo esperar y la arquitecta Cristina Alvarez Rodríguez, en forma conjunta con el maestro César López Osornio acercaron su propuesta concreta: Junín sería sede del Museo de Arte Argentino Contemporáneo en Homenaje a Héctor J. Cartier, una propuesta que nos llenó y nos llena de orgullo”.
“Hoy, a pocos días de su inauguración, y luego de que el año pasado hayamos inaugurado el Museo Agropecuario de la localidad de Morse, vemos como se va cumpliendo el objetivo de hacer de Junín una ciudad de museos”, explicó Meoni.
Patrimonio
El MACA ya cuenta con un interesante patrimonio que fue donado por decenas de discípulos de Cartier, a través de las gestiones realizadas por López Osornio. Por lo tanto, su patrimonio que ya cuenta con más de 50 obras, varias de ellas premiadas, fueron creadas por Alejandro Villadrich, Graciela Gloria Gutierrez Marx, Alejandro Puente, Perez Celis, Carmelo Arden Quin, Raul Mazzoni, Dalmiro Sirabo, Alberto Delmonte, Carlos Cañas, Jorge Abot, Sergio Camporeale
jueves, 21 de julio de 2011
Acroteras griegas del siglo XIX en el Museo Nacional de Arte Decorativo*
(Buenos Aires)
Entre el 10 de agosto y el 25 de septiembre próximos se presenta la muestra Acroteras griegas del siglo XIX en el Museo Nacional de Arte Decorativo.
*Se pospuso la inauguración, según un comunicado de este museo.
Acroteras griegas del siglo XIX
Colección Tsitouras
10 / 8 al 25 / 9
Los fragmentos ornamentales que se exhiben y que formaron parte de edificios griegos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX fueron reunidos en una colección por el arquitecto e ingeniero griego Vasilis Tsitouras.
La acrotera es un ornamento clásico que se sitúa en los vértices laterales y superiores del frontón de un edificio, tomando la forma generalmente de una palmeta- especie de flor- con hojas estilizadas en número impar- de siete a quince- que descansa en una base de volutas dobles o simples y que , a veces, destaca en su centro una cara antropomórfica.
Las acroteras eran conocidas desde la antigua Grecia; generalmente realizadas en mármol estaban situadas sobre las cubiertas de los antiguos templos, siendo los del Partenón los ejemplares más característicos y notables.
Durante el siglo XIX resurgió esta artesanía ornamental que coincidió con la liberación del dominio turco y el auge del neoclasicismo en Europa y América confirmando no sólo la vitalidad de las antiguas tradiciones clásicas sino también, especialmente en Grecia, el deseo de recurrir a formas artísticas capaces de fortalecer su identidad cultural y la memoria social.
Los visitantes tendrán la oportunidad de conocer algunos aspectos generales del neoclasicismo a través de estos fragmentos arquitectónicos y de fotografías que le permitirán ver como la arquitectura griega tuvo gran influencia en otras culturas.
Horarios: Martes a domingos 14 a 19 hs.
Entrada $ 5.-
Martes entrada libre
Museo Nacional de Arte Decorativo
Av. del Libertador 1902
Tel. 4801- 8248 ; 4806- 8306
http://www.mnad.org/
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viernes, 8 de julio de 2011
El Museo Nacional de Bellas Artes con nuevo diseño museográfico
(Buenos Aires)
El Museo Nacional de Bellas Artes que cuenta con la dirección ejecutiva del Doctor Guillermo Alonso inauguró ayer las veinticuatro salas de la planta baja del Museo Nacional de Bellas Artes con un nuevo diseño museográfico.
El MNBA, como uno de los más relevantes museos públicos latinoamericanos, debía encarar un proyecto de reforma y ampliación de su edificio, esta última es indispensable para poder acrecentar los metros cuadrados disponibles y lograr extender de manera ordenada lo destacado del acervo de más de once mil objetos; además de adecuar las instalaciones para el trabajo interno de las distintas áreas de la institución, y de poder ofrecer mejores servicios al público y los especialistas,
En esta primera etapa de reformas de las salas se continúa con lo realizado en el 2008 con el hall de entrada, ahora la planta baja recupera sus ejes principales, potenciando la visión y el placer de recorrerlas.
Se percibe la visión totalizadora propuesta por Alejandro Bustillo en los años treinta, su pensamiento moderno generó salas adecuadas para desplegar las obras de arte. Ahora es factible sentir el espacio arquitectónico en su amplitud y detenerse a observar la obra expuesta con mejores condiciones de observación. La caja estática de exhibición se transforma permitiendo la circulación serena en un movimiento continuo, antes interrumpido continuamente por tabiques agregados en cada uno de los espacios o aberturas cegadas y desplazadas. Esta recuperación de los espacios tiene también como objetivo mejorar la protección y conservación de los bienes del MNBA, así la amplitud de la sala favorece la custodia.
Es también el inicio de cambios en los criterios museográficos: el público encontrará un museo del presente, para disponer las obras de arte del pasado con los requerimientos técnicos necesarios para la mejor observación y conservación. El punto de mayor visibilidad es la propuesta de color para cada sala, que permite generar climas particulares para cada colección, identificarlas, y potenciar las nuevas relaciones entre los objetos que permiten un redescubrimiento del patrimonio.
Algunas de las salas cuentan con nuevos guiones, que suman piezas guardadas en depósito, así se inicia un proceso de renovación de las obras de arte exhibidas, para que el público pueda acceder a piezas relevantes hace tiempo no expuestas, desde ya manteniendo las obras maestras del acervo. Así se da cuenta de la riqueza y complejidad de la colección, además de cumplir con los legados de los donantes que la fortalecieron en su centenaria historia.
Para concretar estos cambios es necesario un museo abierto, que en sus salas exprese los avances de los especialistas en el conocimiento de los objetos; un museo dispuesto a generar debate crítico y académico y, a la vez, ofrecer la difusión de mayor calidad a los ciudadanos, a quienes pertenece este patrimonio artístico. Se presentan nuevos guiones, que incorporan obras antes en la reserva, en la sala central con escultura y pintura francesa; en las salas de arte medieval y renacentista; pintura holandesa y flamenca; manierismo y barroco; y pintura española del siglo XIX. Nuevos guiones presentan las obras del arte del siglo XVIII; de Francisco de Goya; la pintura impresionista y la colección Mercedes Santamarina. Esta última con el espacio adecuado para exhibir las excelentes obras de pintura y escultura francesa, mobiliario y arte de Asia.
La propuesta radical es la presencia del arte argentino del siglo XIX en la planta baja, compartiendo el recorrido con sus contemporáneos europeos. Así se abre la posibilidad de ingresar a las salas por el arte argentino republicano, y no sólo por el arte europeo. Era una deuda pendiente con nuestra tradición cultural. Esta modificación en el guión implica la del concepto de museo, que desde su particularidad pueda establecer nuevas lecturas, una voz propia desde la heterogeneidad de su patrimonio. El nuevo guión vuelve a permitir al público, después de años de su guarda en depósitos, acercarse a obras importantes del arte argentino y contemplar de manera óptima aquellas que ya forman parte del imaginario cultural de los argentinos.
La variedad de las tradiciones culturales que expresa el acervo del MNBA es un reflejo de la constitución de nuestra nacionalidad. Así, la decisión de exhibir el arte argentino republicano en la planta baja, es parte del proyecto de consolidar una identidad al MNBA, donde el arte argentino no este escindido de las restantes colecciones, sino integrado a una mirada plural y compleja.
El proyecto de reforma y futura ampliación del MNBA obliga a pensar en un plan de reordenamiento de las colecciones, dentro de este se contempla que en el primer piso se despliegue el arte contemporáneo, argentino e internacional.
Entre las tareas concretadas de planta baja, se cuentan la restauración del piso de las salas, las estructuras del techo para despejar visualmente la superficie superior de cada sala, la modificación del sistema de iluminación, el acondicionamiento de las paredes y aberturas; y la renovación de los sanitarios.
La reforma, ya de próxima finalización, del Pabellón de exposiciones temporarias permitirá contar con un espacio de mayor calidad para producir muestras destacadas y recibir otras itinerantes mediante las acciones conjuntas con instituciones de la región.
Esta renovación es resultado de los deseos y esfuerzos de las personas que trabajan en el museo y de la comunidad que apoya los desafíos que implica impulsarlo como un espacio dinámico, abierto; convocante de un público activo y masivo, que goce intelectual y estéticamente; que reconozca al museo como un referente de su tiempo. Para ello debe aspirar a entablar un dialogo con el proceso contemporáneo del arte desde el valor histórico de su colección.
El MNBA abre sus puertas al siglo XXI.
http://www.mnba.org.ar/
horario: martes a vienes de 12,30 a 20,30
sábados y domingos: de 9,30 a 20,30
lunes cerrado
Av. del Libertador 1473 - C.A.B.A.
sábado, 11 de junio de 2011
Muestra provocadora de la artista Nicola Costantino (Archivo)
*nota publicada en la revista Archivos del sur en el año 2004
(Buenos Aires) Araceli Otamendi
Para Anthony Julius, erudito, licenciado en Arte en Literatura y Filosofía en Cambridge, jurista célebre conocido por haber representado a Diana de Gales en su divorcio con el príncipe Carlos, el arte transgresor tiene los días contados. Eso dice en una entrevista publicada en la revista española “Descubrir el arte” y también en el mismo reportaje se refiere a los artistas transgresores que tratan de recrear el Holocausto. “Es imposible recrear el Holocausto porque jamás podrá acercarse siquiera al horror” dice. Julius, quien es autor del libro “Transgresiones, el arte como provocación” publicado por la editorial Destino, asegura que el arte transgresor ya no responde a nuestras demandas. Lo que le pedimos al arte es que eleve nuestro espíritu, que nos proporcione objetos cuya contemplación nos agrade, nos estimule, nos interese, nos intrigue.
Hace pocos días la artista plástica argentina Nicola Costantino presentó una muestra – actualmente expuesta en la galería Ruth Benzacar – de un jabón hecho con grasa extraída de su cuerpo, producto de una lipoaspiración. Mezclada con otras sustancias, el jabón se vende y es presentado junto con un film donde la misma artista, cubierta con una malla transparente se sumerge en una piscina y una voz en recita unos versos inspirados en “Le savon” de Francis Ponge. Lo cierto es que la muestra provoca rechazos.. En el diario Página 12 se publicó una nota donde el acádemico de Bellas Artes José Burucúa dice entre otras cosas:
....”el kitsch proyectado sobre la muerte engendra conglomerados significantes y emocionales que, gracias a los estudios de Saul Friedlander (Reflections of Nazism. An essay on Kitsch and Death, Bloomington e Indianapolis, Indiana University Press, 1993), hoy descubrimos íntimamente asociados a las prácticas culturales nazis. De manera que el mecanismo estético por el cual nuestra artista suponía, si es que esta suposición existe, desnudar el horror nazi, no hace más que reproducir y legitimar un carácter de esa misma cultura (aquella paradoja de una combinación imposible entre la muerte y el kitsch, emblema sublimado de una vida imposible y tonta sin asomo de tragedia). Mas, hay un agravante respecto de expresiones del Holokitsch como La vida es bella (Benigni) y hasta La caída de los dioses (Luchino Visconti), en las que la belleza escénica induce el giro kitsch sobre la muerte tout court. La proyección kitsch de Costantino se ha ejercido sobre el acto y el efecto de la producción industrializada del asesinato en masa...”.
Consultada por esta revista sobre el tema, la pintora argentina Josefina Robirosa, quien fue Directora del Fondo Nacional de las Artes y actualmente es miembro de la Academia Nacional de Bellas Artes, dijo:
“Conozco a Nicola, me hace mucha gracia. Considero que cada uno hace lo que su historia lo lleva a hacer. Ahora ocurre que los curadores lo ensalzan todo, casi no critican. Cuando yo era chica no había curadores y actualmente hay un gran ejército de curadores que decide lo que se va a exponer.
Y no estar de acuerdo con todo sería la base de mi resistencia.
La muestra del jabón hecho con grasa del cuerpo de Nicola Costantino me resulta absolutamente desagradable. No le cuestiono a Nicola su derecho a hacer una obra así.
Si se observa el mundo, las formas de la naturaleza, los animales, la belleza de los pájaros, de las palomas con sus plumas, por ejemplo, se ven tantas cosas lindas que un artista puede transmitir para dar alegría, para que el alma se alegre. ¿Para qué hacer una cosa así?”
También fue consultada Clara Fontana, profesora de filosofía:
“Me parece de una terrible truculencia. Recordemos que no hace mucho, los nazis hicieron jabones con la grasa de los judíos. A veces los artistas que no consiguen notoriedad, o la gloria que da el talento sin duda persiguen la gloria del marketing, imponer su nombre por cualquier medio. No me interesa discutir si esas esculturas hechas jabón o jabón hecho escultura tienen algún valor estético, la sola idea de que estén hechos con una parte del cuerpo de una persona, así sea ella misma, no justifica el procedimiento.
No es lo mismo el cuerpo humano cuando por ejemplo se presenta viviente a través de la danza que arrancar un pedazo y con ese fragmento muerto e inerte de ese cuerpo como las piedras intentar transformarlo en un objeto estético . No se trata de declararlo ilegal, yo no se lo prohibiría, a lo mejor lo hizo con humor, hace pensar más en la muerte que en la vida, pero lo que menos desea uno es que la sustancia de que está hecho el ser humano sea sustancia muerta. Ella puede apelar a la cirugía para mejorar su aspecto, como lo hace tanta gente, pero el narcisismo escabroso de querer imponerlas es una especie de audacia a bajo costo”.
Si no fuera porque buscaba el escándalo, ¿no podría haber hecho lo mismo con las habituales fórmulas de los jabones?, ¿por qué tenía que ser de su cuerpo,? Buscaba aparecer en los diarios y lo logró."
Por otra parte, el catedrático de Etica de la Universidad Autónoma de Madrid, Javier Sádaba, quien presentó en Buenos Aires en estos días su libro “Principios de bioética laica”, consultado por Archivos del Sur acerca de este tema dijo:
“Desde el punto de vista ético no tengo nada que decir. El jabón lo hacían los nazis también, pero se hacía eso en contra de alguien, sin respeto a la autonomía, utilizándolo como un objeto. Lo que uno puede hacer con su cuerpo creo que en ese sentido hay que dejar la máxima libertad. Podrá gustar más o menos, eso es cuestión de puro gusto y nada más. Incluso si hubiera una especie de tortura que se inflingiera ella misma yo tampoco entraría en eso, porque la moral es algo que tiene que ver con lo que son las relaciones humanas. Lo importante son los deberes, si alguien quisiera suicidarse yo le aconsejaría que no lo haga. Es cosa suya. Si lo que hace tuviera efectos colaterales o a terceros o pudiera convertirse en modelo de comercialización, es otra cosa”.
El neonazismo en Europa
Según un artículo del escritor boliviano exiliado en Suecia Víctor Montoya, el neonazismo está vigente en Europa.
“Los neonazis, que en su mayoría crecieron junto al crimen y la droga, son elementos de escasa formación intelectual y sienten un odio visceral contra el extranjero. Son fanáticos y están dispuestos a imponer, por medio de la violencia, la “supremacía del hombre blanco”.
Asimismo, tanto por sus diatribas como por sus fechorías, es fácil de identificarlos: tienen la “cabeza rapada”, adornan sus ropas con cruces célticas y cruces de hierro (símbolos prusianos), usan botas de paracaidista con la puntera y los tacones reforzados con acero, cazadora negra de piloto, pantalón vaquero ajustado y en la hebilla del cinturón una calavera de bronce del tamaño de un puño, “por si haga falta para golpear al cabeza negra”.
......
Publicado en la revista Archivos del Sur en 2004
© Araceli Otamendi
Arte argentino actual en la Colección del Malba
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| Román Vitali, Sin titulo, 2003 - 10 tubos de luz fluorescentes a 220 v revestidos con láminas de acetato, gelatinas y tejido con cuentas acrílicas facetadas Tubo 150 cada uno, Instalación: medidas variables Donación del artista, Rosario, 2003 |
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Liliana Maresca, Espacio disponible, 1992, Dos carteles de chapa esmaltada y madera para colgar, un cartel de pie, medidas variables según instalación Colección Eduardo F. Costantini, Buenos Aires, en préstamo extendido desde 2010 |
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| Dino Bruzzone, Pont Neuf, 1997 fotografía color sobre papel. Edición: P/A Edición de 3+1 P/A 120 x 90 |
(Buenos Aires)
En el marco de los festejos por los diez años de Malba, se presenta una selección de más de 100 obras de 60 artistas argentinos, producidas entre fines de los años 80 y la actualidad, que forman parte del patrimonio institucional de Malba. Se exhiben pinturas, dibujos, fotografías, objetos, instalaciones y videos, que dan cuenta de la variedad en la producción visual de las últimas décadas.
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| Gumier Mayer, Sin título, 2002, Madera y pintura acrílica, 60 x 88 x 14,5 , ingreso por intercambio, 2009 |
La exposición propone un recorrido por la escena artística de los últimos veinte años en la Argentina. Comienza con la generación de artistas del Centro Cultural Rojas y del under de Buenos Aires de fines de los 80, como Liliana Maresca, Feliciano Centurión, Gumier Maier, Omar Schiliro, Marcelo Pombo, Sergio Avello y Alberto Goldenstein; continúa con las generaciones marcadas por los espacios de formación que abrieron el Taller de Barracas y la Beca Kuitca desde 1991 hasta hoy, con Daniel Ontiveros, Mónica Girón, Román Vitali, Marina de Caro, Nicola Costantino, Fernanda Laguna, Marcos López, Cristina Schiavi, Pablo Siquier y Magdalena Jitrik; hasta llegar a la escena más reciente con artistas como Daniel Joglar, Ignacio Iasparra, Guillermo Ueno, Manuel Esnoz, Tomás Espina, Catalina León, Miguel Mitlag, Flavia Da Rin, Diego Bianchi, Guillermo Faivovich, Leopoldo Estol y Matías Duville, entre muchos otros.
El objetivo de la exposición es mostrar un panorama completo del arte argentino actual a partir de las obras de la Colección de Malba, que fueron incorporadas al acervo a través del Programa de Adquisiciones y de las donaciones y comodatos confiados al museo, desde su fundación en septiembre de 2001. “Montar obras adquiridas, recibidas en donación y otras pedidas en comodato no es un simple acto de inventario sino un gesto de propiedad, es la manera de tomar posesión de las piezas y de los objetos artísticos para poder ofrecerle al público la mayor variedad posible de relatos sobre el arte latinoamericano de los últimos cien años”, explica Marcelo Pacheco, curador en jefe de Malba.
Junto con la exposición, Malba editó un catálogo bilingüe (español- inglés) de 148 páginas, que incluye los textos de Eduardo F. Costantini, presidente de Malba, y Marcelo Pacheco, curador en jefe, además de la reproducción color de las obras y las biografías de los artistas.
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| Alejandra Seeber, Ma-za, 2004, Cerámica esmaltada y base de madera, 27 x 21 x 14,5 adquisición gracias a un aporte privado, 2005 |
Arte argentino actual
El recorrido de la exposición se inicia con una obra de Liliana Maresca, dos carteles de chapa esmaltada y madera para colgar y un cartel de pie de tipo publicitario que indica "Espacio disponible". Se trata de la obra más conceptual de Maresca.
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| Matías Duville, Impostor, 2006, Acrílico sobre placas de conglomerado de terciado intervenidas 244 x 366 (paneles) Adquisición gracias al aporte de Antonio Lanusse, 2006 |
“Los años noventa aparecen ya en la historia del arte reciente con identidad propia y demuestran que los artistas, además de compartir una generación particular -la del retorno a la democracia-, comparten un lenguaje marcado por la influencia de las manualidades típicas de la escuela primaria local y una exploración sensible en un repertorio de materiales domésticos, imágenes familiares y prácticas hogareñas”,
explica el curador en jefe del Malba, Marcelo Pacheco.
Malba pudo ir formando series más o menos numerosas que dan cuenta de la dinámica de aquellos 90, de sus distintas reconversiones y de sus variados paisajes poéticos. La colección del Museo tiene obras significativas de los iniciadores de los grandes cambios de la época como Liliana Maresca, Jorge Gumier Maier, Sergio Avello, Cristina Schiavi, Marcelo Pombo, Fabio Kacero, Feliciano Centurión, Pablo Siquier, Sebastián Gordín, Graciela Hasper, Magdalena Jitrik, Fabián Burgos y Alberto Goldenstein. También ha logrado reunir obras de muchos de los artistas activos desde el 92 o el 93 como Daniel Ontiveros, Mónica Girón, Elba Bairon, Román Vitali, Marina de Caro,
Nicola Costantino, Beto De Volder, Fernanda Laguna y de la última entrada, tales como Raúl Flores, Ruy Krygier, Eduardo Arauz, Marcos López, Esteban Pastorino, Nushi Muntaabski, Leo Battistelli, Hernán Marina y Cristina Piffer.
A partir del 2001-2002 la escena cambia. Comienza a ingresar un número importante de nuevos artistas protagonistas, que se multiplica año a año, y una nueva camada de curadores. De los formadores de los 90 siguió vigente la Beca Kuitca, que continúa situando en el territorio a una cantidad significativa de artistas.
Con el panorama de los últimos diez años el Museo fue eligiendo obras de Daniel Joglar, Ignacio Iasparra, Guillermo Ueno, Manuel Esnoz, Tomás Espina, Catalina León, Miguel Mitlag, Flavia Da Rin, Guillermo Faivovich, Leopoldo Estol, Lucio Dorr, Matías Duville, Eduardo Navarro, Rosana Schoijett, Adriana Bustos, etc. También recibió donaciones de arte contemporáneo de América latina con nombres como Alejandra De la Puente, Alejandro Cesarco, José Carlos Martinat, Ramsés Larzábal, Alicia Paz, Francis Alÿs, Guillermo Deisler.
Hoy, diez años después de su inauguración, Malba cuenta con un acervo que se ha duplicado en número, con un importante núcleo de obras argentinas de los años 80, 90 y 2000. Además, tiene como nuevo objetivo reforzar este conjunto con más obras de artistas contemporáneos de otros países latinoamericanos.
“Esperamos que esta muestra continúe la historia del arte latinoamericano, con los múltiples relatos sobre nuestra región y sus historias culturales. Es nuestro deseo poder concretar el proyecto de ampliación edilicia del Museo pronto para seguir ofreciendo al público un espacio idóneo de aproximación al arte contemporáneo”,
concluye Eduardo F. Costantini, fundador y presidente de Malba.
Visitas guiadas por la exposición
Miércoles, viernes y domingos a las 17:00
Malba – Fundación Costantini | Avda. Figueroa Alcorta 3415 | C1425CLA | Buenos
Aires, Argentina | T +54 (11) 4808 6500 | info@malba.org.ar | www.malba.org.ar
lunes, 6 de junio de 2011
Cerámicas de Suecia - Diseño 1950 en el Museo Nacional de Arte Decorativo
(Buenos Aires)
Entre el 15 de junio y el 31 de julio próximos se podrá ver la muestra Cerámicas de Suecia en el Museo Nacional de Arte Decorativa, una muestra del diseño escandinavo.
En la década de 1950 se retoma en Europa el ideario ético y estético del movimiento moderno en el que la sencillez, austeridad y economía son características formales y simbólicas aplicadas al diseño.
Los diseños pioneros de la arquitectura industrial de Peter Behrens, de Walter Gropius, fundador de la famosa escuela de diseño Bauhaus en la que se enseñaba a los estudiantes a utilizar materiales modernos e innovadores para crear edificios, muebles y objetos originales a la vez que funcionales; los cursos de diseño industrial cerámico de Max Krehan en los talleres de esta escuela y el principio menos es más predicado por el arquitecto Mies van der Rohe uno de los máximos exponentes del siglo XX junto con Le Corbusier y Gropius , se erigen en los modelos inspiradores para la arquitectura y el diseño de la posguerra.
Dentro de los vaivenes de calidad que se producen en el movimiento moderno, el diseño escandinavo se presenta como un referente indiscutido de categoría destacada: su éxito radica en sus formas sobrias y en la solidez de su factura técnica que estaban en consonancia con la divisa de la época: la forma sigue a la función.
Para las fábricas de cerámica y porcelana del centro de Suecia: _Upsala, Ekeby, Tobo, Gustavsberg, Rörstrand, Simlângsdalen y las del sur Karlskrona, Andersson&Johansson se convocaron a diseñadores con formación artesanal para integrarse a los procesos industriales de producción en serie. Para mencionar algunos: Stig Lindberg y Wilhelm Kage, quienes trabajaron en Gustavsberg y de quienes el Museo Nacional de Arte Decorativo tiene destacadas piezas. También se incorporaron muchas ceramistas y diseñadoras mujeres Ursula Printz, Lisa Larson, Inga-Janson-Swedenborg, etc. todos imbuidos del principio de gratificación por el diseño tan acorde con los principios democráticos de Suecia.
Esta muestra que exhibe obras, patrimonio del MNAD, de destacados diseñadores y ceramistas gratificará al visitante.
Visitas guiadas
Horario: martes a domingos 14 a 19
Entrada $ 5.- Martes entrada libre
Museo Nacional de Arte Decorativo
Av. del Libertador 1902
Tel. 4801-8248
http://www.mnad.org/
domingo, 5 de junio de 2011
Muestra de Dolores Zorreguieta en Gachy Prieto Gallery (archivo)
(Buenos Aires)
Una muestra de Dolores Zorreguieta se inauguró hoy en la galería Gachy Prieto ubicada en el barrio de Palermo con numeroso público.
Gachi Prieto Gallery presenta la muestra Secreto, de Dolores Zorreguieta, apenas llegada de los Estados Unidos, donde reside desde hace ya más de una década, desarrollando una intensa carrera internacional. En los últimos años esta artista ha sido destacada con importantes premios, entre ellos el del New York State Council on the Arts y el del New York Foundation for the Arts.
Dolores Zorreguieta, medio hermana de la princesa Máxima de Holanda, es una artista reconocida, que ya ha hecho varias muestras de sus fotografías.
En la muestra inaugurada hoy se combina la fotografía – una serie de imágenes expuestas en paneles y que remiten a la sexualidad, la violencia, el silencio y un mudo testigo, un gato que posa inconsciente ante la cámara - . Acompañan a las fotografías montadas en paneles de acrílico tres acuarelas, objetos y una instalación – una pequeña cama de bronce fija en una pared, de la cual cuelgan sábanas que se transforman en el piso en un amorfo colchón.
Lo único verdaderamente interesante de la vida
es lo que pasa en un cuarto.
Francis Bacon
Gachi Prieto Gallery presenta la muestra Secreto, de Dolores Zorreguieta, apenas llegada de los Estados Unidos, donde reside desde hace ya más de una década, desarrollando una intensa carrera internacional. En los últimos años esta artista ha sido destacada con importantes premios, entre ellos el del New York State Council on the Arts y el del New York Foundation for the Arts.
Esta serie de obras recientes incluye una instalación, fotografías y dibujos dentro de un lenguaje no complaciente, de aparente quietud que se instala en el borde de la violencia.
...En el espacio de Gachi Prieto Gallery, al estilo de una mise en scène, Dolores, presenta con distintos recursos plásticos, el relato de un acto íntimo. Esta cama-instalación, es el lugar de lo no revelado, como espacio de irremediables y tácitas confesiones. Mantas entramadas que parecen fugarse llevándose lo oculto. En torno a ella, una secuencia fotográfica de los juegos eróticos de una pareja actúa como correlato. Acaso podrían ser fragmentos, pequeñas pistas que invitan al observador a develar su carácter enigmático. Esquivos, difusos, inasibles, apenas instantes capturados, forzados a ser retenidos, a permanecer en un soplo que se desvanece, intentando darle sentido a lo que se escapa. El pasillo nos ubica a una “cómoda” distancia actuando como nexo entre el contemplador y la situación. Son los cuerpos que se confunden como conjunto de intensidades, al decir de Nietzsche. No hay palabras. Es el orden de lo inefable donde sólo hay experimentación de los sentidos. Perplejidad y silencio para nosotros contempladores, un camino bien definido para la artista.
Al mismo tiempo, una serie de objetos a los que llamó “Bondage”, de delicada factura, actúan como elementos fetiche recordatorios de algo tribal, visceral, que provoca alternadamente atracción y rechazo. Algunas acuarelas de contorno incierto acentúan el clima de tensión y complementan el carácter metafórico de la propuesta. D.Z. nos despierta del sopor, nos sacude la actitud aletargada para confrontarnos con los aspectos más insondables de nuestra propia condición humana...".
Teresa Cianciabella
(extracto del prólogo adjunto)
www.gachiprietogallery.com
Tel. (54 ) (11) 4774 6961
Uriarte 1976 - Palermo
Buenos Aires Argentina
Lunes a Viernes de 12 a 20hs
Sábado 13 a 19hs
(c) Araceli Otamendi - Archivos del Sur
publicado el 5-11-2009
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