Sobre luces de milonga - Fotografías - Julio E. Foster

Festival Peñaflor

El Garage organiza una milonga

Festival Sos del Rey Católico

(Buenos Aires)

Julio E. Foster es un fotógrafo argentino nacido en Lomas de Zamora, Provincia de Buenos Aires y radicado en Zaragoza, España. Profesor de fotografía en la Escuela de fotografía y Galería Spectrum de Zaragoza, ha fotografiado diversas milongas como un trabajo personal de investigación, para ver más allá del espectáculo, cómo lo vive la gente a nivel popular y en diversos ambientes.

El Garage organiza una milonga

SOBRE LUCES DE MILONGA

Festival Peñaflor

LUCES DE MILONGA es un proyecto fotográfico que nace, en septiembre de 2010, como trabajo personal de investigación fotográfica sobre el tango más allá del espectáculo, explorando cómo lo vive la gente a nivel popular y en sus diferentes ambientes.

En Buenos Aires un buen amigo milonguero, Jorge Juan Arteiz, me propuso un encuentro en Porteño y Bailarín, la milonga que él frecuenta todos los martes. En ese ambiente conocí unos personajes muy particulares que lejos de florituras y acrobacias viven el tango con pasión incondicional. En el Porteño y Bailarín comprobé que “la noche sugiere, no enseña” tal como lo decía Brassai. A partir de ahí el proyecto se puso a rodar, aún sin nombre ni rumbo.

La monumental y underground Catedral, mostró su semblante contracultural. El tango no es cosa de viejos, ni del pasado. Está vivo en una juventud internacional deseosa de divertirse bailando estos ritmos con más de 150 años de historia.

El regreso al pasado estuvo en El Niño Bien. Las luces de este viejo teatro remodelado iluminan personajes y modas de los tiempos en que el tango volvió de Europa convertido en internacional. Y la milonga no acaba aquí como comentaba el disc-jockey, "Trabajo todas las noches de la semana. En Buenos Aires hay más de 200 milongas y, a veces, me llaman de Europa".

Resultado de esas tres noches son 150 fotografías. De entre ellas 40 forman la colección 30x40 cm, enmarcadas en marcos que una vez encuadraron fotos de Cartier-Bresson. Se presentaron en el festival Sos... el Tango, en la ciudad de Sos del Rey Católico, Zaragoza. El patrocinio de esta muestra estuvo a cargo de la Galería de Arte Spectrum y el restaurante El Mangrullo.

Sos, cuna del rey Fernando el Católico, recibió 150 aficionados de España, Francia y Portugal para bailar y disfrutar de esa experiencia única que es el tango. En Sos es donde descubrí la popularidad y el alcance de nuestra música más emblemática y donde comenzó a gestarse LUCES DE MILONGA como una exposición itinerante por los ambientes tangueros. También comenzaron ahí los contactos para llevar la exposición a diferentes festivales de Francia.

A lo largo de su historia el tango tuvo varios viajes de ida y vuelta con el viejo continente. En sus principio distintas culturas populares europeas y africanas se fusionaron el en crisol cultural porteño, creando la música marginal para la gente suburbana. Su primer contacto con el público europeo no fue fácil. Era aún una música indecente que la mayoría de las monarquías repudiaba. Sin embargo, el éxito en los salones de baile le puso su toque chic con el que volvió al Río de la Plata. Troilo, Piazzola y otros le dieron un enfoque nuevo y lo difundieron otra vez al mundo, donde formaciones tan vanguardistas como Gotan Project vuelven a aportar su nueva visión.

Es el mismo viaje de Gardel, desde Francia a Buenos Aires, luego a Europa y al resto del mundo entero.

Este viaje de ida y vuelta es el que modestamente LUCES DE MILONGA pretende captar. Por un lado difundir en Europa, y porqué no en el mundo, el ambiente que el tango vive en Buenos Aires y, a su vez, mostrar para el orgullo de la capital porteña que tan intensamente se vive el sentir tanguero en Europa, donde miles de aficionados lo disfrutan con auténtica pasión en festivales y milongas. En Zaragoza, donde actualmente resido, existen tres asociaciones y todas las noches, de martes a domingo, el tango se baila en otras tantas milongas.

A fecha de hoy están informados de este proyecto más de 50 festivales de Europa. De momento, Montpelier (http://tangosud.montpellier.free.fr/) ha confirmado su participación en LUCES DE MILONGAS. Otros seis se muestran interesados.

 Julio E. Foster

http://juliofoster.photoshelter.com/package-show/Tangos-y-Milongas-Bailes-Argentinos-Argentine-Dances/P00006d5ZS5d0a3k

Julio E. Foster profesor de fotografía en la Escuela y Galería Spectrum de Zaragoza

http://www.julioefoster.com/

Datos biográficos y trabajos realizados 

C/ Perez Vidal, 4 - 50007 Zaragoza

Tlfo.: 34 976 384652 -  34 669 319562

Buzón: aragongrafico@aragongrafico.com

Web: www.julioefoster.com

Facebook: http://www.facebook.com/home.php?ref=home

Google: http://www.google.es/search?client=safari&rls=en&q=Julio+E.+Foster&ie=UTF-8&oe=UTF-8&redir_esc=&ei=tx1VTdeGG8bKhAewjZmPDQ

CURRÍCULUM BREVE

Nacido en Lomas de Zamora, Buenos Aires, Argentina, el 4 de agosto de                1958. Fotógrafo desde los 15 años a partir de los 20 como profesional       free lance.

·    Publicaciones en prensa diaria: Diario de Menoría. Heraldo de Aragón,. Diario16. El Periódico. El Pais, etc. (http://juliofoster.photoshelter.com/gallery/Press-in-the-times-of-Black-White-photos-Prensa-en-tiempos-de-fotos-Blanco-y-Negro/G0000HPshu3kMjpI).

·    Publicaciones periódicas: Geo, Muy Interesante, On, EPS, Territorio, Tribuna, Paisajes, Horeca, Roling Stone, La Magia,  Aragón Rutas, etc.

·    Publicaciones Editoriales: Zaragoza Tierras y Gentes; Aragón; Zaragoza Provincia Abierta; Gran Enciclopedia de Aragón; Albiñana Arquitecto, Político e Intelectual; Gran Libro de la Cocina Aragonesa; dicolibros Aragón LCD; guías Rutas CAI por Aragón; Cocina Tradicional Aragonesa; Melocotón de Calanda; Zaragoza y sus Cocineros; Capilla de los Corporales de Daroca; D.O. Campo de Borja; Aragón Rojo, Verde y Azul (http://juliofoster.photoshelter.com/gallery/Aragon-Rojo-Verde-y-Azul-Aragon-Red-Green-and-Blue/G0000PXA9DCiyYSk); Escuelas (http://juliofoster.photoshelter.com/gallery/Escuelas-Schools/G00000Nva5JMMuE4); Ermita de Cabañas; Monasterio de San Juan de la Peña .Trabajadores (http://juliofoster.photoshelter.com/gallery/Trabajadores-en-Aragon-Workers/G0000HA.ohTNxPGk).

·    Publicaciones Corporativas: GME Opel.  U.G.T. Ebrópolis. Ministerio de Medio ambiente. Consejería de Agricultura; Consejería de Educación, Cultura y Deporte;  Consejería de Economía y Turismo  del Gobierno de Aragón.

·    Museos: Museo del Vino Campo de Borja, Veruela. Centro de interpretación del Regadío y Secano, Pastrid. Museo Pedagógico de Aragón, Huesca.

·    Exposiciones Colectivas: “Miedo y Placer” y “Goya Fotografía 1746-1996” en Asociación de Artistas Plásticos Goya. “RGB” y “Adentros” en Galería Spectrum.

·    Exposiciones Individuales: “Menorca, paisaje interior” Ateneo de Mahon.  Acción Congelada, Sala Joven Banco Hispano Americano. Aragón RVA, en exposición permanente en el Circulo de Aragón en Buenos Aires. Escuelas, en exposición permanente en el Museo Pedagógico de Aragón. Trabajadores, el Verdadero Motor de la economía, itinerante.

·    Trabajos personales en ejecución: El Agua como Estado de Ánimo (http://juliofoster.photoshelter.com/gallery/Agua-Water/G0000r3xnqrbAHIY).  Capital Densa (http://juliofoster.photoshelter.com/gallery/Capital-Densa/G0000KZkILwhMRKg).  Luces de Milongas XXI (http://www.photoshelter.com/mem/gallery/package-show/P00006d5ZS5d0a3k).

·    Colaborador habitual de varias editoriales y agencias de publicidad (http://juliofoster.photoshelter.com/gallery/Estudio-Studio-still-life/G0000ftztVbLal90).

·    Profesor en la escuela Spectrum-Sotos, Zaragoza

·    Curador de la exposición “Goya Fotografía, 1746-1996”.

ver más fotografías:

http://juliofoster.photoshelter.com/package-show/Tangos-y-Milongas-Bailes-Argentinos-Argentine-Dances/P00006d5ZS5d0a3k

ver video en youtube:

http://www.youtube.com/watch?v=UZ4vYvXcQzM&tracker=False

Perfomance Sopa - Gabriel Baggio en el Espacio de arte Boquitas Pintadas

En el espacio de arte del Hotel Boquitas Pintadas se produjo el sábado 11 de mayo la perfomance Sopa. El artista, su madre y su abuela cocinaron sopa delante del público. El tema de la comida y los afectos estuvo en primer plano.*

(Buenos Aires) Araceli Otamendi 

Con acompañamiento musical, paños de colores cálidos como telón de fondo y un público atento en la primera parte de la perfomance el artista plástico Gabriel Baggio cocinó junto a su madre Felisa y a su abuela Esther. Las tres generaciones cocinaron un mismo plato: sopa y cada uno le agregó algún condimento o ingrediente distinto. El artista, la madre y la abuela cortaban las verduras y las iban incorporando a una olla sobre un anafe encendido. Cada uno estaba ubicado en una mesa distinta y los tres anafes estaban unidos por un mismo conducto de goma por donde pasaba el gas. La idea de Gabriel Baggio, artista que viene trabajando en su obra con el tema de los alimentos y las relaciones familiares se gestó antes de la gran crisis que se vivió en la Argentina en el año 2001. Después de un tiempo de cocción de las verduras, mientras el público se había distendido y aguardaba probar la sopa elaborada por Gabriel, la madre y la abuela, los que ahí estábamos probamos uno o los tres platos de las distintas sopas. Dos catadoras profesionales degustaban la sopa y anotaban qué sabores predominaban más. También se acercó gente que pasaba por el lugar y veía que adentro del espacio de arte, se servía y tomaba sopa. Gabriel Baggio afirmó que su perfomance es un homenaje a las relaciones familiares, en principio a la madre y a la abuela pero además comprobó la cantidad de gente que se había acercado e integraba este casi ritual de acercamiento a la comida, a los afectos y a la amistad. El artista se planteó entonces cuáles son las redes que nos acompañan además de la familia más directa. Estuvieron presentes en la perfomance artistas, críticos, galeristas, y público en general. El curador del espacio de arte del Hotel Boquitas Pintadas es el crítico y profesor Julio Sánchez. (ex crítico de la revista La Maga y ex profesor de New York University)

(c) Araceli Otamendi

 crédito de la fotografía: Araceli Otamendi

*nota de archivo 

Paula Modersonhn-Becker y los artistas del Worpswede

Paula Modersohn-Becker -Niña campesina en una silla

Paula Modersohn-Becker - Die Gänsemadgd

Heinrich Vogeler - Der Fischer

Heinrich Vogeler -An den Frühling 

tapas de libros expuestos en la muestra

(Buenos Aires)

“La exposición Paula Modersonhn –Becker y los artistas del Worpswede, en el Museo Nacional de Arte Decorativo reúne una serie de obras de la colonia de artistas del mismo nombre. Worpswede es sinónimo de imágenes evocativas del ambiente de los paisajes nórdicos. El nombre remite también a un nuevo movimiento de jóvenes artistas, su alejamiento de los temas académicos tradicionales. Inspirados por la romántica idea de la naturaleza como maestro, Fritz Mackinsen, Otto Modershon, Heinrich Vogeler, Fritz Overbeck y Hans am Ende mudaron sus estudios de la ciudad al campo. Emprendieron el experimento de vivir, trabajar y publicar juntos, experimento que los llevó a fundar una asociación de artistas y a realizar exposiciones conjuntas.

Paula Modersohn-Becker, que se unió a la colonia recién unos años más tarde, fue la que emprendió el camino más radical entre los artistas del Worpswede; el camino al arte moderno. Los pintores Fritz Mackensen y Otto Modersohn le proporcionaron importantes estímulos. Con esta preparación, los impulsos que recibió la artista en París, a través de la obra de Cézanne, Van Gogh y Gauguin, cayeron en suelo fértil. Estos modelos alentaron a Paula Modersohn –Becker a darle la espalda a la reproducción de las apariencias y a buscar la esencia íntima de las cosas. La consecuente simplificación de la forma se verifica especialmente en sus dibujos, a menudo más radicales, que sus pinturas. Si bien su obra es interrumpida por su temprana muerte, revela claramente una inconfundible fuerza creativa que justifica su posición en el arte alemán.

Hasta la fecha, las obras de Paula Modersohn-Becker y la colonia de artistas de Worpswede no han perdido nada de su fascinación; tanto en el ámbito artístico como en la sociedad, la discusión acerca del hombre, la naturaleza y el paisaje ha adquirido aún más actualidas…”.  

Ursula Zeller

Paula Modersohn-Becker

Paula Modersohn-Becker fue la primera artista alemana en introducir influencias de la pintura de Cézanne, Gauguin y van Gogh a su obra. Su camino ha sido solitario y, con pocas excepciones, sus aspiraciones no fueron comprendidas mientras vivió, ni siquiera por su esposo Otto Modersohn. Cuando Paula Modersohn-Becker murió, el 20 de noviembre de 1907, a los 31 años, después de apenas diez años de trabajo creativo, nadie imaginaba la riqueza y el significado de su legado. En muy poco tiempo había creado aproximadamente 700 pinturas, más de 1000 dibujos a mano y 13 grabados al aguafuerte. En vida vendió no más de cinco pinturas y expuso solo dos veces, recibiendo una crítica devastadora por su primer intento en la Kunsthalle de Bremen, en 1899.

Pinturas con niños

Paula Modersohn-Becker pintaba lo que anhelaba. Tener un hijo era su mayor deseo. En sus pinturas los niños son grandes y su apariencia sencilla, a menudo parecen torpes y feos. Carecen de la inocencia infantil, de lo encantador o conmovedor de los retratos infantiles comunes. Las caras de sus niños expresan una expectative indiferente, inconsciente, la verdad cruda de una existencia que aún no ha sido marcada por la vida. La pintura “Niña campesina en una silla” por ejemplo, transmite con la actitud de concentración de la niña y debido a la austeridad de la composición y los colores, una gran seriedad y un cuestionamiento que parece dar lugar a una esperanza ilimitada. Edvard Munch, Oskar Kokoshka y Egon Schiele fueron por caminos similares, pero la concepción de lo infantile en Paula Modersohn- Becker es más íntima y carece de acentuación dramática.

el poeta Rainer María Rilke

Rainer María Rilke y Worpswede

Durante la primavera de 1898, el estudiante de historia del arte Rainer María Rilke, uno de los poetas de habla alemana más importantes del siglo XX, fue presentado en Florencia al ya exitoso artista Heinrich Vogeler, unos pocos años mayor que él. Al poco tiempo de conocerse, Rilke aceptó la invitación de Vogeler a pasar la Navidad de 1898 en Bremen. La primera visita a Worpswede en la mañana navideña de 1898 debe haber impresionado fuertemente a Rilke. La síntesis de arte y vida que presentaba el Barkenhoff de Vogeler se correspondía con el anhelo del incipiente poeta por una vida basada en el arte. La amistad entre Vogeler y Rilke que comenzó en aquel entonces los llevó pronto a trabajos artísticos comunes. Es así que en la Navidad de 1899 se editó el precoz tomo de poesías “Para festejarme”, adornado por Vogeler con motivos ornamentales, y en marzo de 1900 Vogeler ilustró la poesía de Rilke: “Los tres reyes magos”, para la revista Die Insel, que se acababa de fundar.

Clara Rilke-Westhoff y Rilke se mudaron a Westerwede, un pueblo vecino de Worpswede. En un breve y muy intenso lapso creativo surgieron allí algunas de las poesías más bellas de su obra temprana, entre ellas las 34 poesías del “Libro del Peregrinaje”, la segunda parte de “El libro de horas” y la colección de poesías “El libro de las imágenes”, que apareció durante el verano de 1902 con una viñeta de Vogeler en la tapa. El 12 de diciembre de 1901 nació su hija Ruth. Pero pronto las preocupaciones por el sostén diario ensombrecían su vida. Debido a la creciente precariedad económica se fueron aislando de sus amigos de Worpswede, hecho que sufriría especialmente Paula Modersohn-Becker. En esta situación, el director de la Kunsthalle de Bremen, Gustav Pauli, les ofreció ayuda. Por su intermediación, a Rilke le fue encargado escribir una monografía sobre los pintores de Worpswede, el libro que ligó para siempre el nombre del poeta con el pueblo de los pantanos, y popularizó más allá de las fronteras alemanas a los pintores que allí vivían. Fue escrito en Westerwede, en veinte días en mayo de 1902. Significó también su despedida de Worpswede. Durante las primavera tomó la decision de trasladarse a París, y en el verano partió. Clara lo acompañó, pero habían decidido vivir de ahora en adelante como amigos y dedicados enteramente a su trabajo, sin las obligaciones de una casa en común.

La relación con los pintores de Worpswede continuo, sobre todo con Vogeler y Paula Modersohn-Becker. Durante una visita a Worpswede en Navidad de 1905, Rilke reconoció por primera vez la importancia como pintura de Paula Modersohn-Becker: “Lo más notable fue encontrar a la mujer de Modersohn en un desarrollo muy propio de su pintura, despiadada y directa en lo que pinta, cosas muy propias de Worpswede y que sin embargo nadie pudo aún ver ni pintar. Y, en este camino muy propio, extrañamente cercana a van Gogh y su dirección” escribió sorprendido. 

Papeles modernos: De Toulouse Lautrec a Picasso, en el Malba

Federico García Lorca - Paisaje

(Buenos Aires)

Recientemente se inauguró en el Malba la muestra "Papeles modernos: de Toulouse Lautrec a Picasso" en el Malba curada por el crítico Ángel Navarro.

August Rodin - Estudio de desnudo

Honoré Daumier - Amateur d´estampes 

Henri de Toulouse Lautrec- Diván japonais

Se trata de una selección de 85 obras sobre papel, pertenecientes a la Colección del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA). Organizada como parte de los festejos por los primeros diez años de Malba, el objetivo de la exposición es poner en valor una parte de las obras sobre papel de  la escuela europea del MNBA —que no han sido exhibidas como conjunto por más de tres décadas— y destacar la importancia del papel como soporte de la producción de los artistas modernos de los siglos XIX y XX. 

George Rouault - Face a face 

Henri Matisse - Fillete

Marc Chagall- Mujer en el campo o Bella

Se presentan dibujos y grabados realizados desde la segunda mitad del siglo XIX por artistas europeos como Honoré Daumier y Henri Toulouse-Lautrec, hasta trabajos de mediados del siglo XX de Carlo Carrà, José Gutiérrez Solana, Federico García Lorca y Giorgio de Chirico. También se incluyen obras sobre papel de figuras de la Escuela de París, como Amedeo Modigliani, Marc Chagall y André Lhote, y de pintores independientes como James Ensor, Georges Rouault, Henri Matisse, Pablo Picasso, Käthe Kollwitz, Georges Braque y Paul Klee, entre otros.

Pablo Picasso - Femme nu de dos

“Desde tiempos lejanos, el papel ha sido el gran compañero de los artistas. De él se valen tanto para esbozar la primera idea de una obra como para presentarlo, muchas veces, como elemento fundamental de una pieza definitiva, convirtiéndolo en protagonista”, explica Ángel Navarro, curador de la exposición.

José Gutiérrez Solana- Máscaras

La muestra se organiza en siete núcleos temáticos: los estudios (bocetos y esbozos), los desnudos, la figura individual y los grupos, los retratos, la elocuencia de la imagen (emblemas y alegorías), los paisajes urbanos y el papel como medio de difusión.

Junto con la exposición, Malba editó un catálogo bilingüe (español – inglés) de 200 páginas, que incluye las presentaciones de Eduardo F. Costantini, presidente de Malba, y de Guillermo Alonso, director ejecutivo del Museo Nacional de Bellas Artes; el ensayo El papel del papel, escrito por el curador invitado Ángel Navarro; y el texto Papeles europeos modernos, colecciones y coleccionistas porteños, de Marcelo Pacheco, curador en jefe de Malba. Además, se incluye una sección de notas biográficas de los artistas representados y la reproducción color de cada una de las obras.

Gabinete de Estampas del MNBA

Las obras pertenecen al Gabinete de Estampas del MNBA, una de sus áreas patrimoniales más ricas e importantes, cuya existencia se remonta a la época de su fundación. “Cuando el Museo abrió al público, en enero de 1896, la colección dispuesta en tres salas del Bon Marché ya incluía grabados y dibujos. Eduardo Schiaffino, su fundador y primer director, diseñó la institución siguiendo el modelo de los ‘museos metropolitanos’. Entre las distintas áreas que planteó para el desarrollo de su patrimonio había una dedicada a la obra sobre papel”, relata Marcelo Pacheco, curador en jefe de Malba.

El Gabinete fue ampliado durante las posteriores gestiones de Atilio Chiappori, Domingo Viau, Jorge Romero Brest y Samuel Oliver, entre otros. Gracias a una política que combina adquisiciones y donaciones privadas y oficiales, ha reunido un conjunto de obras realizadas por representantes del arte europeo, americano y oriental, que incluye trabajos de antiguos maestros —entre los que se encuentra la famosa colección de dibujos John Bayley— y artistas modernos, con secciones especiales como la dedicada a las obras sobre papel del siglo XIX. Se trata de dibujos realizados con grafito, acuarela, aguada, témpera, tiza, carbonilla y otros materiales, y grabados en técnicas tan variadas como la xilografía, el aguafuerte, el aguatinta, la punta seca o la litografía. Igual de variados resultan los tipos de papel —tanto artesanal como industrial— y soportes utilizados, entre los que se encuentran el cartón, el papel entelado, la madera y la tela.

Dibujos y grabados

Los artistas utilizan el dibujo de diversas maneras: como boceto, por ejemplo, o en estudios parciales en los que estudian cómo resolver un detalle complicado, una pose difícil o los problemas que pueden presentar una o varias figuras de esa nueva obra. Sin embargo, también existen dibujos independientes que los artistas hacen libremente, dedicados a diferentes temas o géneros que no están relacionados con obras en proceso de realización. “Son trabajos que surgen como exploración, experimentación o búsqueda de determinados temas, estudios libres que eventualmente podrían ser usados en una obra futura. También pueden ser dibujos que documentan la pieza que un artista produce, y que éste guarda en su taller”, explica Navarro.

Además de los dibujos, los artistas modernos contaron con el grabado, una técnica que se usó para reproducir la obra con fines de divulgación, pero que también fue utilizada para producir obras independientes. “Muchas de las piezas que aquí se exponen tienen que ver con esta situación, aunque en algunos casos provienen de series que se realizaron como obra independiente y de gran importancia”, sostiene Navarro. Tal es el caso de los grabados de Georges Rouault (1871-1858) presentes en la exposición, que pertenecen a la serie monumental que publicó en 1948 bajo el título Miserere, en la que contempla las trágicas consecuencias de la guerra y la miseria.

El papel se convirtió en el soporte fundamental de los dibujos y grabados de los artistas modernos, al que recurrieron libremente según sus necesidades expresivas. Con Henri de Toulouse-Lautrec (1864–1901), se acrecienta el rol del papel como material expresivo. Entre 1891 y 1901, el artista francés confeccionó una treintena de afiches en los que se anunciaban los artistas de los clubes nocturnos parisinos, que se destacan por su resolución de color, su composición y la representación cálida, humana y sensual de los personajes. Algunos de estos afiches pueden verse en esta muestra.

 A su vez, en los dibujos de Henri Matisse (1869-1954), la línea se convierte en protagonista y apela a la valoración del fondo, donde el papel aparece sin ningún tratamiento.

El curador destaca que “resulta interesante comprobar cómo en Italia, país donde se generaron movimientos vanguardistas en la primera mitad del siglo XX, las formas tradicionales del dibujo siguen siendo utilizadas por los artistas”. Esto puede observarse en varios de los trabajos que se incluyen en esta exposición: Estudio para una adoración de los pastores, de Felice Carena (1879-1966); Pareja (1943), de Carlo Carrà (1881-1966) –uno de los fundadores del movimiento futurista y mentor, junto con Giorgio de Chirico, de la pintura metafísica–, y Pensativa, de Felice Casorati (1883-1963).

Para Pablo Picasso (1881-1973), el dibujo también fue una práctica cotidiana, utilizada no sólo como apoyo para la preparación de sus obras. Pero además del dibujo, Picasso también hizo del grabado otro medio de expresión de gran importancia, como puede verse en Tres desnudos de pie y estudios de cabezas, de 1927, presente en la exposición.

En el caso de Federico García Lorca (1898-1936), el papel fue un soporte fundamental para mostrar otra faceta de su personalidad artística, tal como lo demuestra su pequeño Paisaje urbano, realizado en la hoja de un cuaderno de notas, presente en la exposición.

“En el hetergéneo conjunto proveniente de la colección del Museo Nacional de Bellas Artes, compuesto con artistas extranjeros, debe señalarse que muchos fueron los que abrieron caminos en los planteos plásticos y técnicos, facilitando la multiplicidad de expresiones que el arte de nuestros días nos brinda. Si exceptuamos el inmenso campo que hoy presenta el arte virtual, en la mayoría de sus expresiones el papel sigue desempeñando un papel muy importante”, concluye Navarro.

Los coleccionistas en Argentina

En Argentina, entre fines del siglo XIX y la primera mitad del XX, un gran número de coleccionistas se interesó por las obras sobre papel. “La preferencia por la obra sobre papel visible en el coleccionismo activo durante la primera mitad del siglo XX no marcaba simplemente la elección de un soporte físico, sino la predilección por un modelo visual singular. Buenos Aires mostraba una cultura del papel que en el campo artístico se manifestaba a través del gusto por los grabados y dibujos”, escribe Marcelo Pacheco, curador en jefe de Malba, en el ensayo Papeles europeos modernos, colecciones y coleccionistas porteños, incluido en el catálogo de la exposición.

Sin embargo, aclara que es difícil arriesgar una hipótesis acerca de sus preferencias. “En algunos podría pensarse en el factor económico como determinante. La obra sobre papel tenía un valor de mercado mucho más accesible que la pintura. Sin embargo, no es un argumento válido para todos los conjuntos; es más, se muestra aplicable sólo a una minoría. (...) Las colecciones no se presentaban como el resultado de la falta de medios, sino como gestos de valoración del papel en sus más diversas manifestaciones. Sus decisiones destacaban el privilegio expresivo y conceptual del dibujo como huellas de ideas que traza el hacer artístico”, afirma Pacheco.

Actividades relacionadas con la exposición

CONFERENCIA

Papeles modernos: tradición y renovación

A cargo de Ángel Navarro, curador de la exposición

Miércoles 6 de abril a las 18:30. Auditorio. Entrada libre y gratuita.

Las entradas se entregarán una hora antes del inicio de la actividad, hasta agotar capacidad de sala.

Durante la conferencia, se abordarán diversos aspectos relacionados con la práctica del dibujo y el grabado en los artistas de fines del siglo XIX y primera mitad del XX, y se analizarán los cambios derivados de las novedades técnicas y tendencias artísticas.

Visitas guiadas

A cargo del equipo educativo

Miércoles, viernes y domingos a las 17:00

  www.malba.org.ar

créditos de las imágenes:

Georges Rouault

Face à face [Cara a cara], 1948

Plancha nº 40 

Aguatinta, punta seca y buril

57,3 x 43,8 (plancha)

© 2011 Georges Rouault/ ADAGP, Francia/ SAVA, Argentina

Auguste Rodin

Estudio de desnudo, s/f.

Acuarela y grafito sobre papel

25 x 32,7

Honoré Daumier

Les Amateurs d’estampes, o Amateur d’estampes [Los coleccionistas de estampas], s/f

Tinta y aguada sobre papel

30 x 34,8

Henri de Toulouse-Lautrec

Divan Japonais, 1893

Litografía color sobre papel

80,7 x 61,8

Federico García Lorca

Paisaje, s/f

Tinta marrón sobre papel pegado a cartón

15 x 10,6

 José Gutiérrez Solana

Máscaras, s/f.

Grafito y carbonilla sobre papel

42,9 x 33,5 

© 2011 José Gutiérrez Solana/VEGAP, Madrid/SAVA, Buenos Aires

Pablo Picasso

Femme nue de dos [Mujer desnuda de espalda], 1905?

Acuarela sobre papel

36,7 x 24,7 (visible)

© 2011 Sucesión Pablo Picasso/ SAVA, Argentina

Henri Matisse

Fillette [Figura], 1944

Litografía sobre papel

33,5 x 26,6

© Succession H. Matisse/ SAVA 2011

Marc Chagall

Mujer en el campo, o Bella, 1925

Aguafuerte y punta seca sobre papel

27,8 x 22,5 (hoja); 22,2 x 11,6 (plancha)

©ADAGP, Paris 2011  Chagall ®