Museo de Arte Moderno de Buenos Aires: Una llamarada pertinaz. La intrépida marcha de la colección del Moderno

Victoria Noorthoorn directora del museo

Victoria Noorthoorn, a la izq. Nicolás Mastraccio y el equipo curatorial del museo

Grupo Espartaco

Antonio Berni 

Raquel Forner

Nicolás Mastraccio

edición de Pomelo, de Yoko Ono

Nicolás Mastraccio

(Buenos Aires)

Mañana sábado 10 de noviembre a las 18 se inaugura al público la muestra Una llamarada pertinaz. La intrépida marcha de la colección del Moderno. También se podrá ver la muestra Pulso de Nicolás Mastraccio quien realiza su primera exposición en un museo.
Hoy, junto a la directora del museo  Victoria Noorthoorn y el equipo curatorial se realizó un recorrido de prensa.

Historia del Museo y de la exposición 

Esta exposición celebra la historia de su patrimonio y la propia historia del Museo, a 62 años de su fundación.
El  pasado mes de julio reabrió sus puertas al público, ampliado y renovado. En esta nueva puesta de la colección  curada por el equipo del Moderno, se exhibirán unas 300 obras de más de 120 artistas, en 1200 metros cuadrados de tres salas del primer piso destinadas a exhibir el acervo de la institución.

Una llamarada pertinaz

Una llamarada pertinaz presenta conjuntos de obras emblemáticas que fueron reunidas a lo largo de la historia del Museo gracias a la tenacidad, trabajo y convicción de directores, colaboradores, organizaciones, artistas y  amigos que se comprometieron a construir esta casa de los artistas, un hogar para las distintas manifestaciones  artísticas contemporáneas que se desarrollaron en la ciudad y en el país. Todos fueron guiados por un mismo anhelo: reconocer la novedad y apostar con audacia a construir una institución pública de vanguardia en  transformación constante, siempre aliada de la comunidad artística en cada una de sus épocas.
Obras de artistas argentinos de distintas épocas conforman esta muestra, organizada en núcleos. Así se encuentran obras del Grupo Espartaco, por ejemplo, con una obra de Antonio Berni, dentro de la misma temática: la fábrica, el obrero. También hay una sección que reúne obras del período pop y otras que dan cuenta de las atrocidades de la última dictadura militar entre otros varios núcleos.
Obras escultóricas, fotografías, dibujos, pinturas e instalaciones que se pueden ver considerando las
épocas por las que atravesó y atraviesa el arte argentino.
Durante los primeros cuatro  años de su historia - entre 1956 y 1960, cuando el Museo no tenía sede
 - Rafael Squirru, su primer director y fundador, generó una verdadera red de instituciones. Organizaba las muestras del museo en los más diversos espacios de la Ciudad: el Museo Sívori, el Jardín Botánico, la Sociedad Argentina de Artistas Plásticos, las galerías Florida, Bonino o Witcomb, entre otros. Luego, en 1960, el Moderno funcionó en el  Teatro San Martín hasta 1989.

Tanto Squirru (1956-1962) como sus sucesores Hugo Parpagnoli (1963-1971) y Guillermo Whitelow (1971-1974 y 1977-1983) persistieron en dotar al Moderno de un conjunto de obras de primera calidad que representasen el espíritu de su tiempo y lograron las primeras adquisiciones de obras de Kenneth Kemble, Alberto Greco, Raquel Forner, Noemí Gerstein, Martha Boto, María Martorell, Jorge de la Vega y Aldo Paparella, entre tantos otros grandes artistas. También el museo ha recibido generosas donaciones que han moldeado y hecho posible esta colección, entre las que se destacan las realizadas por el Fondo Nacional de las Artes; la de la colección Ignacio Pirovano (1980 y 1981); la del artista Alberto Heredia en 2000; la de la familia de León Ferrari en 2014; y la más reciente de Marta Minujín en 2015.

El edificio 

El edificio donde funciona actualmente el museo  fue de la tabacalera Nobleza Piccardo. Los trabajos arquitectónicos fueron donados en 1989 por el Arq. Santiago Sánchez Elía, María Luisa Bemberg y los Miembros Constructores, y en 1997 por el Arq. Emilio Ambasz durante la gestión de Laura Buccellato (1997-2013), cuando el museo amplió considerablemente su superficie. Más recientemente, durante la gestión de Victoria Noorthoorn (desde 2013 a la actualidad), el Museo fue objeto de una última gran reforma dirigida por los Arqs. Carlos Sallaberry y Matías Ragonese, durante 2017 y 2018, que generó un cambio de escala del museo, al duplicar su área de exposiciones y abrir nuevos espacios integrados en una nueva circulación, con nuevas escaleras y ascensores, una nueva Tienda – Café y una nueva Sala de Educación.

Durante estos últimos años, el Moderno sigue su intrépida marcha. Junto a las donaciones mencionadas, el Museo ha reactivado después de 35 años su histórico programa de adquisiciones, que le permiten mantenerse vigente y actual. “Esta exposición narra tanto la historia como el presente de un Museo que jamás descansa, que nació para empujar los límites del arte y que busca el movimiento y la transformación permanente”, sostiene Victoria Noorthoorn.



Artistas participantes

En esta exposición, el Moderno exhibirá obras de los siguientes artistas argentinos de su colección: Julián Althabe, Carolina Antoniadis, Carmelo Arden Quin, Líbero Badii, Elba Bairon, Ernesto Ballesteros, Leo Battistelli, Luis F. Benedit, Gala Berger, Antonio Berni, Martín Blaszko ,Sofía Bohtlingk, Martha Boto, Fabián Burgos, Ricardo Carpani, Juan Carlos Castagnino, Luis Centurión, Elda Cerrato, Víctor Chab, Horacio Coppola, Victor Magariños D., Flavia Da Rin, Marina de Caro, Jorge De la Vega, Ernesto Deira, Juan Del Prete, Alfio Demestre, Germaine Derbecq, Mirtha Dermisache, Noemí Di Benedetto, Juana, Elena Diz, Casimiro Domingo, Lucio Door, Diana Dowek, Bruno Dubner, Tomás Espina, León Ferrari, Claudia Fontes, Raquel Forner, Ana Gallardo, Ricardo Garabito, Noemí Gerstein, Edgardo Giménez, Mónica Girón, Alberto Goldenstein, Norberto Gómez, Sebastián Gordín, Alberto Greco, Juan Grela, Graciela Hasper, Anne Marie Heinrich, Alberto Heredia, Alfredo Hlito, Enio Iommi, Guillermo Iuso, Fabio Kacero, Kenneth Kemble, Guillermo Kuitca, Alejandro Kuropatwa, Fernanda Laguna, Pablo Lapadula, Julio Le Parc, Martín Legón, Luis Lindner, Alfredo Londaibere, Raúl Lozza, Jorge Macchi, Rómulo Macció, Eduardo MacEntyre, Jorge Gumier Maier, Sameer Makarius, Tomás Maldonado, Pablo Curatella Manes, Liliana Maresca, María Martorell, Juan Melé, Marta Minujín, Eduardo Navarro, Luis Felipe Noé, Aldo Paparella, Dignora Pastorello, Ariadna Pastorini, César Paternosto, Marta Peluffo, Emilio Pettoruti, Duilio Pierri, Sol Pipkin, Rogelio Polesello, Marcelo Pombo, Liliana Porter, Alfredo Prior, Mario Pucciarelli, Federico Manuel Peralta Ramos, Emilio Renart, Carlota Reyna, Kasuya Sakai, Juan Manuel Sánchez, Rubén Santantonín, Cristina Schiavi, Omar Schiliro, Antonio Seguí, Luis Seoane, Aldo Sessa, Antonio Sibellino, Carlos Silva, Pablo Siquier, Xul Solar, Hernán Soriano, Grete Stern, Eduardo Stupía, Pablo Suárez, Luis Terán, Clorindo Testa, Silvia Torrás, Nicolás García Uriburu, Gregorio Vardánega, Miguel Ángel Vidal, Edgardo Antonio Vigo, Sesostris Vitullo, Luis Wells, Osías Yanov, Yente, Horacio Zabala.

PROGRAMAS PÚBLICOS

Activación en la exposición Una llamarada pertinaz. La intrépida marcha de la colección del Moderno

Luis Garay: Oro lodo casi ouro boro
Sábado 10 de noviembre, de 22:30 a 01:30.
Sábado 17 de noviembre, de 13:00 a 16:00.
Domingo 18 de noviembre, 17:00 a 20:00.


En la sala de Informalismos de la exposición Una llamarada pertinaz. La intrépida marcha de la colección del Moderno, el artista Luis Garay hace uso del paisaje derruido, barroso e industrial que las imágenes proponen como contexto para una danza informe de tres performers. Como en otras piezas del artista la obra pone a prueba los límites de “lo coreográfico” cuando es atravesado por cuerpos no entrenados en la disciplina, sino por lógicas, economías y saberes corporales alternativos (como los de deportistas profesionales, trabajadores sexuales ó bailarines de ballet entre otros).

Si en trabajos anteriores Garay proponía un archivo de las formas posibles que el cuerpo había adquirido históricamente a través del estudio y la recomposición de iconografías (la danza, la representación en el arte, etc), en esta ocasión investiga la posibilidad de otras tensiones, acoplamientos y estados de percepción que surgen de un contra-imaginario de la iconografía dominante. Mientras en otros trabajos enfatizó en "lo escultórico” del cuerpo, ahora usa imágenes en movimiento que a través de mutaciones ínfimas e infinitas exploran formas posibles de vida y afectividad. La pieza lanza así una serie de preguntas sobre un imaginario al mismo tiempo orgánico pero anti natural de la forma con la que generalmente se representa “lo humano”. Una zona de prueba.

El título refiere de una manera transversal a una oscura victoria y resurgimiento constante del Barroco, período que en algunas teorías se inicia en América tras el descubrimiento de una otra voluptuosidad ante la cual los conquistadores no tenían ni palabras para traducir lo que veían. Así, el Barroco es una posible clave para leer nuestra tiempo: la proliferación de los puntos de vista, la repetición sin fin, el gasto improductivo, la ruptura de los cuerpos, lo táctil, la gestión del miedo.

Performatividad y creación: Thom Werth, Juan Pedro Scioli y Alberto Antonio Romero. Ayuda en investigación: Alfredo Aracil. Colaboración: Vanina Scolavino. Producción: Rocío Mercado. Concepto: Luis Garay.
Esta obra cuenta con un subsidio del Instituto Prodanza.

Biografía
Luis Garay trabaja sobre sistemas donde los cuerpos a través de ideas de ejercicio y trabajo, transitan estados simultáneos de placer y vacío. Paisajes y pasajes donde el tiempo es expandido y no lineal. Explorando cómo hacer evidente la corporeidad de los procesos de imaginación, percepción y memoria Garay se interesa constantemente en la pregunta acerca de dónde está y qué puede imaginar un cuerpo cuando se mueve. Esta inquietud por la “localización” rastrea los límites de la pérdida de la atención (la distracción, el aburrimiento), la concentración extrema, el tiempo improductivo, sin fin y la renderización constante de subjetividades sin coordenadas: en exilio. ¿Qué formas de vida (sub) alternas tienen la capacidad de promover estos estados?  Los trabajos exploran el cuerpo como Tótem, lo que que da cuenta de una afectividad con la dimensión cósmica de la experiencia.

Presentó su trabajo en The Walker Art Centre, Minneapolis, El Festival de Viena, Naves Matadero Madrid, Kyoto Experiment Japón, Pompidou Metz, Theatre International de la Cite, Paris, Montpellier Danse, GAM Chile, SESC Sao Paulo, Festival Panorama Rio de Janeiro, Bienal de Ceará, Malta Festival Poznan, Polonia, entre otros. Dirigió la residencia Outras Dancas para Funarte Brasil, participó del proyecto de prácticas compartidas LOTE1 Sao Paulo, de la beca de residencia y creación Saison Foundation Tokyo y de la Sommer Akademie del Paul Klee Museum, Berna. Colaboró con artistas como Diego Bianchi y Alejandro Ahmed (Cena11, Brasil).  Es artista asociado de Latitudes Contemporaines, Lille, Francia.


Quienes visiten esta exposición también podrán recorrer la muestra Nicolás Mastracchio~ Pulso, que inaugura el mismo sábado 10 de noviembre a las 18:00.

Muestra Pulso

Nicolás Mastracchio~ (Buenos Aires, 1983) investiga desde 2007 las formas de producción y consumo de la fotografía digital, y trabaja en la frontera entre la realidad y la ficción a partir de composiciones fotográficas en estudio. En esta ocasión, el artista presentará un trabajo específico para la Sala de Proyectos Especiales del Moderno, con curaduría de Javier Villa, curador senior del Museo. Se exhibirán también, en esta gran instalación, fotografías inéditas, una serie de videos y móviles producidos íntegramente para la exposición.

Pulso es la primera muestra individual de Nicolás Mastracchio en un Museo. En esta oportunidad, el artista ofrece una ambientación para que el público se conecte con todo su cuerpo al espacio, mientras las obras flotan libremente desde el techo. Las fotografías que cuelgan sin marco y sin tocar la pared se intercalan con móviles muy frágiles: una pluma sintética enganchada a un alambre de color, una hoja seca colgada de una tanza. Pequeños objetos como caracoles, una piedra de nácar o una cáscara de maní, cintas de papel o hilos están enmarcados por redes o cartulinas dobladas que giran suavemente impulsadas por el movimiento del aire. Las fotografías son un momento de síntesis dentro de la exposición: planos bidimensionales que condensan el contexto tridimensional desplegado en los móviles. Es decir, la imagen fotográfica concentra las relaciones estéticas, espaciales y materiales que están a su alrededor. El video, en cambio, marca el pulso de la experiencia a partir de su fluir constante y, sobre todo, a partir de la pieza sonora que lo acompaña, que fue creada en conjunto artista Ismael Pinkler especialmente para esta obra y sostiene un ritmo para guiar la inmersión del espectador.

Si bien Mastracchio continúa con propuestas previas donde imitaba al espacio virtual de la imagen digital sin usar herramientas de postproducción como el Photoshop, se aboca aquí a la experiencia corporal del espectador. Con Pulso, el artista busca desacelerar la percepción a partir de una conexión con todos los sentidos. El proyecto fue influenciado por principios zen que el artista pone en práctica hace ya un par de años, sobre todo, a través de la meditación. Trabaja sobre el encuentro entre la naturaleza fija de la imagen fotográfica y las ideas de movimiento y transformación centrales en estos principios. Así, fue explorando las configuraciones espontáneas y efímeras de un pequeño universo de objetos, que es ordenado en pocos minutos y luego fotografiado, junto a la instalación de móviles en movimiento que presenta por primera vez en esta exposición.

“A partir de la meditación, Mastracchio⁓ abre un terreno de mayor conciencia; la posibilidad de sentir el propio pulso, la respiración, la gravedad o el contexto que lo rodea. Y es esto lo que quiere ofrecerle al público: amplificar los sentidos de la vista, el tacto y el oído para desplegar la síntesis y la potencia sensorial que contiene hoy la imagen fotográfica, y así volver a mirar lo cotidiano pero con una percepción más afinada”, sostiene Javier Villa. Y continúa: “Pulso sugiere otra manera posible de agregar información nueva al mundo desbordado de imágenes en la era digital: correr a un costado al fotógrafo y darle más lugar al director de cuerpos y de miradas”.

La exposición está acompañada por un catálogo que incluye textos de Javier Villa y Osvaldo Baigorria.


Biografía

Nicolás Mastracchio nace en Buenos Aires, en 1983. Asistió a clínicas de obra con Ernesto Ballesteros (2005), Leopoldo Estol (2006) y Mónica Giron (2008). Participó del Programa de Artistas en la Universidad Torcuato Di Tella, 2009; y fue seleccionado en la Beca Kuitca / UTDT, 2010-11.
Recibió diferentes premios y becas en los que incluye el Premio Estimulo del Museo Castagnino, Rosario, 2011; la Beca del Fondo Nacional de las Artes 2012; fue becado para participar de la residencia Skowhegan School of Painting and Sculpture, Maine, EEUU, 2012; en el 2013 ganó el Premio Lucio Fontana para residir en Turín, IT; fue becado por Yaddo Artist’s Residency, Saratoga, NY, 2016. Reside en Ciudad de Mexico por 12 meses con la ayuda de la Beca AMEXCID estancia de creación artística. En el 2017 participó de la beca Headlands Center for the Arts, AIR, Sausalito, CA.
Su trabajo fue exhibido en instituciones públicas y privadas dentro de Argentina y el exterior, como el Museo de arte Moderno de Buenos Aires, 2012; Centro Cultural Recoleta 2007 y 20015; Biblioteca Nacional de España, Madrid, 2017; Galería Pilar, San Pablo, 2013; Museo de Arte Contemporáneo de buenos Aires, 2015, 2018-19; y el museo MALBA, 2012. Su obra forma parte de la colecciones de la Fundación Cisneros, Colección Patricia Phelps de Cisneros; MALBA - Fundación Costantini, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires.






El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires se puede visitar en Avenida San Juan 350, de martes a viernes de 11 a 19. Sábados, domingos y feriados de 11 a 20. Martes: gratis.
  www.museomoderno.org