sábado, 11 de junio de 2011

Muestra provocadora de la artista Nicola Costantino (Archivo)



*nota publicada en la revista Archivos del sur en el año 2004

(Buenos Aires) Araceli Otamendi






Para Anthony Julius, erudito, licenciado en Arte  en Literatura y Filosofía en Cambridge, jurista célebre conocido por haber representado a Diana de Gales en su divorcio con el príncipe Carlos, el arte transgresor tiene los días contados. Eso dice en una entrevista publicada en la revista española “Descubrir el arte” y también en el mismo reportaje se refiere a los artistas transgresores que tratan de recrear el Holocausto. “Es imposible recrear el Holocausto porque jamás podrá acercarse siquiera al horror” dice. Julius, quien es autor del libro “Transgresiones, el arte como provocación” publicado por la editorial Destino, asegura que el arte transgresor ya no responde a nuestras demandas. Lo que le pedimos al arte es que eleve nuestro espíritu, que nos proporcione objetos cuya contemplación nos agrade, nos estimule, nos interese, nos intrigue.


Hace pocos días la artista plástica argentina Nicola Costantino presentó una muestra – actualmente expuesta en la galería Ruth Benzacar – de un jabón hecho con grasa extraída de su cuerpo, producto de una lipoaspiración. Mezclada con otras sustancias, el jabón se vende y es presentado junto con un film donde la misma artista, cubierta con una malla transparente se sumerge en una piscina y una voz en recita unos versos inspirados en “Le savon” de Francis Ponge. Lo cierto es que la muestra provoca rechazos.. En el diario Página 12 se publicó una nota donde el acádemico de Bellas Artes José Burucúa dice entre otras cosas:






....”el kitsch proyectado sobre la muerte engendra conglomerados significantes y emocionales que, gracias a los estudios de Saul Friedlander (Reflections of Nazism. An essay on Kitsch and Death, Bloomington e Indianapolis, Indiana University Press, 1993), hoy descubrimos íntimamente asociados a las prácticas culturales nazis. De manera que el mecanismo estético por el cual nuestra artista suponía, si es que esta suposición existe, desnudar el horror nazi, no hace más que reproducir y legitimar un carácter de esa misma cultura (aquella paradoja de una combinación imposible entre la muerte y el kitsch, emblema sublimado de una vida imposible y tonta sin asomo de tragedia). Mas, hay un agravante respecto de expresiones del Holokitsch como La vida es bella (Benigni) y hasta La caída de los dioses (Luchino Visconti), en las que la belleza escénica induce el giro kitsch sobre la muerte tout court. La proyección kitsch de Costantino se ha ejercido sobre el acto y el efecto de la producción industrializada del asesinato en masa...”.


Consultada por esta revista sobre el tema,  la pintora argentina Josefina Robirosa, quien fue Directora del Fondo Nacional de las Artes y actualmente es miembro de la Academia Nacional de Bellas Artes, dijo:

“Conozco a Nicola, me hace mucha gracia. Considero que cada uno hace lo que su historia lo lleva a hacer. Ahora ocurre que los curadores lo ensalzan todo, casi no critican.  Cuando yo era chica no había curadores y actualmente hay un gran ejército de curadores que decide lo que se va a exponer.


Y no estar de acuerdo con todo sería la base de mi resistencia.



La muestra del jabón hecho con grasa del cuerpo de Nicola Costantino me resulta absolutamente desagradable. No le cuestiono a Nicola su derecho a hacer una obra así.


Si se observa el mundo, las formas de la naturaleza, los animales, la belleza de los pájaros, de las palomas con sus plumas,  por ejemplo, se ven  tantas cosas lindas que un artista puede transmitir para dar alegría, para que el alma se alegre. ¿Para qué hacer una cosa así?”





También fue consultada Clara Fontana, profesora de filosofía:






“Me parece de una terrible  truculencia. Recordemos que no hace mucho, los nazis hicieron jabones con la grasa de los judíos.  A veces   los artistas que no consiguen notoriedad, o la gloria que  da el talento sin duda persiguen la gloria del marketing, imponer su nombre por cualquier medio. No me interesa discutir si esas esculturas hechas jabón o jabón hecho escultura tienen algún valor estético, la sola idea de que estén hechos con una parte del cuerpo de una persona, así sea ella misma, no justifica el procedimiento.

No es lo mismo el cuerpo humano cuando por ejemplo se presenta  viviente  a través de la danza que arrancar un pedazo y con ese fragmento muerto e inerte de ese cuerpo  como las piedras  intentar transformarlo en un objeto estético . No se trata de declararlo ilegal,  yo no se lo prohibiría, a lo mejor lo hizo con humor, hace pensar más en la muerte que en la vida, pero lo que menos desea uno es que la sustancia de que está hecho el ser humano sea sustancia muerta. Ella puede apelar a la cirugía para mejorar su aspecto, como lo hace tanta gente, pero el narcisismo escabroso de querer imponerlas es una especie de audacia a bajo costo”.



Si no fuera porque  buscaba el escándalo, ¿no podría haber hecho lo mismo con las habituales fórmulas de los jabones?, ¿por qué tenía que ser de su cuerpo,? Buscaba aparecer en los diarios y lo logró."





Por otra parte,  el catedrático de Etica de la Universidad Autónoma de Madrid, Javier Sádaba, quien presentó en Buenos Aires en estos días su libro “Principios de bioética laica”, consultado por Archivos del Sur acerca de este tema dijo:






          “Desde el punto de vista ético no tengo nada que decir. El jabón lo hacían los nazis también, pero se hacía eso en contra de alguien, sin respeto a la autonomía, utilizándolo como un objeto.  Lo que uno puede hacer con su cuerpo creo que en ese sentido hay que dejar la máxima libertad. Podrá gustar más o menos, eso es cuestión de puro gusto y nada más. Incluso si hubiera una especie de tortura que se inflingiera ella misma yo tampoco entraría en eso, porque la moral es algo que tiene que ver con lo que son las relaciones humanas.  Lo importante son los deberes, si alguien quisiera suicidarse yo le aconsejaría que no lo haga. Es cosa suya. Si lo que hace tuviera efectos colaterales o a terceros o pudiera convertirse en modelo de comercialización, es otra cosa”.











El neonazismo en Europa






Según un artículo del escritor boliviano exiliado en Suecia Víctor Montoya, el neonazismo está vigente en Europa.








“Los neonazis, que en su mayoría crecieron junto al crimen y la droga, son elementos de escasa formación intelectual y sienten un odio visceral contra el extranjero. Son fanáticos y están dispuestos a imponer, por medio de la violencia, la “supremacía del hombre blanco”.






Asimismo, tanto por sus diatribas como por sus fechorías, es fácil de identificarlos: tienen la “cabeza rapada”, adornan sus ropas con cruces célticas y cruces de hierro (símbolos prusianos), usan botas de paracaidista con la puntera y los tacones reforzados con acero, cazadora negra de piloto, pantalón vaquero ajustado y en la hebilla del cinturón una calavera de bronce del tamaño de un puño, “por si haga falta para golpear al cabeza negra”.  



Los neonazis, enseñando el saludo hitleriano y gritando: “¡Sieg Heil!”, atacan sistemáticamente a los trabajadores extranjeros, a quienes son diferentes y suponen que piensan de manera diferente. Son jóvenes cuyos actos delictivos chocan con los derechos a la vida y los más elementales sentidos de respeto y solidaridad con quienes viven el drama de la inmigración”



......



“Contra el ascenso del neonazismo será bueno emplear la educación, contra los atentados y prácticas de este signo es preciso utilizar la ley, sin contemplaciones ni concesiones demagógicas. Además, los inmigrantes, entre ellos los latinoamericanos, deben de empeñarse en mostrar sus mejores manifestaciones culturales; aspectos éstos que, por desgracia, son menos conocidos que los estereotipos amañados por los medios de comunicación. Es decir, de lo que se trata es de encarar el problema del neonazismo con argumentos sólidos y con una conducta que permita extender y arraigar los valores constitucionales del respeto pleno a la persona, sin distinciones de nacionalidad, raza, sexo, religión, opinión o cualquier otra condición o circunstancia individual o social.”





Publicado en la revista Archivos del Sur en 2004



© Araceli Otamendi



Arte argentino actual en la Colección del Malba

Román Vitali, Sin titulo, 2003 - 10 tubos de luz fluorescentes a 220 v revestidos con
láminas de acetato, gelatinas y tejido con cuentas acrílicas facetadas
Tubo 150 cada uno, Instalación: medidas variables
Donación del artista, Rosario, 2003
                Liliana Maresca, Espacio disponible, 1992, Dos carteles de chapa 
esmaltada y madera para 
colgar, un cartel de pie, medidas variables según instalación
Colección Eduardo F. Costantini, Buenos Aires, en préstamo
extendido desde 2010

Dino Bruzzone, Pont Neuf, 1997
fotografía color sobre papel. Edición: P/A
Edición de 3+1 P/A 120 x 90



(Buenos Aires)

En el marco de los festejos por los diez años de Malba, se presenta una selección de más de 100 obras de 60 artistas argentinos, producidas  entre fines de los años 80 y la actualidad, que forman parte del patrimonio institucional de Malba. Se exhiben pinturas, dibujos, fotografías, objetos,  instalaciones y videos, que dan cuenta de la variedad en la producción visual de las últimas décadas.

Gumier Mayer, Sin título, 2002, Madera y pintura acrílica, 60 x 88 x 14,5 ,
ingreso por intercambio, 2009




La exposición propone un recorrido por la escena artística de los últimos veinte años en la Argentina. Comienza con la generación de artistas del Centro Cultural Rojas y del under de Buenos Aires de fines de los 80, como Liliana Maresca, Feliciano Centurión, Gumier Maier, Omar Schiliro, Marcelo Pombo, Sergio Avello y Alberto Goldenstein; continúa con las generaciones marcadas por los espacios de formación que abrieron el Taller de Barracas y la Beca Kuitca desde 1991 hasta hoy, con Daniel Ontiveros, Mónica Girón, Román Vitali, Marina de Caro, Nicola Costantino, Fernanda Laguna, Marcos López, Cristina Schiavi, Pablo Siquier y Magdalena Jitrik; hasta llegar a la escena más reciente con artistas como Daniel Joglar, Ignacio Iasparra, Guillermo Ueno, Manuel Esnoz, Tomás Espina, Catalina León, Miguel Mitlag, Flavia Da Rin, Diego Bianchi, Guillermo Faivovich, Leopoldo Estol y Matías Duville, entre muchos otros.
El objetivo de la exposición es mostrar un panorama completo del arte argentino actual a partir de las obras de la Colección de Malba, que fueron incorporadas al acervo a través del Programa de Adquisiciones y de las donaciones y comodatos confiados al museo, desde su fundación en septiembre de 2001. “Montar obras adquiridas, recibidas en donación y otras pedidas en comodato no es un simple acto de inventario sino un gesto de propiedad, es la manera de tomar posesión de las piezas y de los objetos artísticos para poder ofrecerle al público la mayor variedad posible de relatos sobre el arte latinoamericano de los últimos cien años”, explica Marcelo Pacheco, curador en jefe de Malba.
Junto con la exposición, Malba editó un catálogo bilingüe (español- inglés) de 148 páginas, que incluye los textos de Eduardo F. Costantini, presidente de Malba, y Marcelo Pacheco, curador en jefe, además de la reproducción color de las obras y las biografías de los artistas.


Alejandra Seeber, Ma-za, 2004, Cerámica esmaltada y base de madera,
27 x 21 x 14,5
adquisición gracias a un aporte privado, 2005


Arte argentino actual 

El recorrido de la exposición se inicia con una obra de Liliana Maresca, dos carteles de chapa esmaltada y madera para colgar y un cartel de pie  de tipo publicitario que indica "Espacio disponible". Se trata de la obra más conceptual de Maresca. 

Matías Duville, Impostor, 2006, Acrílico sobre placas de
conglomerado de terciado intervenidas 244 x 366 (paneles)
Adquisición gracias al aporte de Antonio Lanusse, 2006




“Los años noventa aparecen ya en la historia del arte reciente con identidad propia y demuestran que los artistas, además de compartir una generación particular -la del retorno a la democracia-, comparten un lenguaje marcado por la influencia de las manualidades típicas de la escuela primaria local y una exploración sensible en un repertorio de materiales domésticos, imágenes familiares y prácticas hogareñas”,

explica el curador en jefe del Malba, Marcelo Pacheco.

Malba pudo ir formando series más o menos numerosas que dan cuenta de la dinámica de aquellos 90, de sus distintas reconversiones y de sus variados paisajes poéticos. La colección del Museo tiene obras significativas de los iniciadores de los grandes cambios de la época como Liliana Maresca, Jorge Gumier Maier, Sergio Avello, Cristina Schiavi, Marcelo Pombo, Fabio Kacero, Feliciano Centurión, Pablo Siquier, Sebastián Gordín, Graciela Hasper, Magdalena Jitrik, Fabián Burgos y Alberto Goldenstein. También ha logrado reunir obras de muchos de los artistas activos desde el 92 o el 93 como Daniel Ontiveros, Mónica Girón, Elba Bairon, Román Vitali, Marina de Caro,
Nicola Costantino, Beto De Volder, Fernanda Laguna y de la última entrada, tales como Raúl Flores, Ruy Krygier, Eduardo Arauz, Marcos López, Esteban Pastorino, Nushi Muntaabski, Leo Battistelli, Hernán Marina y Cristina Piffer.

A partir del 2001-2002 la escena cambia. Comienza a ingresar un número importante de nuevos artistas protagonistas, que se multiplica año a año, y una nueva camada de curadores. De los formadores de los 90 siguió vigente la Beca Kuitca, que continúa situando en el territorio a una cantidad significativa de artistas.
Con el panorama de los últimos diez años el Museo fue eligiendo obras de Daniel Joglar, Ignacio Iasparra, Guillermo Ueno, Manuel Esnoz, Tomás Espina, Catalina León, Miguel Mitlag, Flavia Da Rin, Guillermo Faivovich, Leopoldo Estol, Lucio Dorr, Matías Duville, Eduardo Navarro, Rosana Schoijett, Adriana Bustos, etc. También recibió donaciones de arte contemporáneo de América latina con nombres como Alejandra De la Puente, Alejandro Cesarco, José Carlos Martinat, Ramsés Larzábal, Alicia Paz, Francis Alÿs, Guillermo Deisler.
Hoy, diez años después de su inauguración, Malba cuenta con un acervo que se ha duplicado en número, con un importante núcleo de obras argentinas de los años 80, 90 y 2000. Además, tiene como nuevo objetivo reforzar este conjunto con más obras de artistas contemporáneos de otros países latinoamericanos.

“Esperamos que esta muestra continúe la historia del arte latinoamericano, con los múltiples relatos sobre nuestra región y sus historias culturales. Es nuestro deseo poder concretar el proyecto de ampliación edilicia del Museo pronto para seguir ofreciendo al público un espacio idóneo de aproximación al arte contemporáneo”,


concluye Eduardo F. Costantini, fundador y presidente de Malba.

Visitas guiadas por la exposición

Miércoles, viernes y domingos a las 17:00




Malba – Fundación Costantini | Avda. Figueroa Alcorta 3415 | C1425CLA | Buenos
Aires, Argentina | T +54 (11) 4808 6500 | info@malba.org.ar | www.malba.org.ar



lunes, 6 de junio de 2011

Cerámicas de Suecia - Diseño 1950 en el Museo Nacional de Arte Decorativo






(Buenos Aires)

Entre el 15 de junio y el 31 de julio próximos se podrá ver la muestra Cerámicas de Suecia en el Museo Nacional de Arte Decorativa, una muestra del diseño escandinavo.
En la década de 1950 se retoma en Europa el ideario ético y estético del movimiento moderno en el que la sencillez, austeridad y economía son características formales y simbólicas aplicadas al diseño.
Los diseños pioneros de la arquitectura industrial de Peter Behrens, de Walter Gropius, fundador de la famosa escuela de diseño Bauhaus en la que se enseñaba a los estudiantes a utilizar materiales modernos e innovadores para crear edificios, muebles y objetos originales a la vez que funcionales; los cursos de diseño industrial cerámico de Max Krehan en los talleres de esta escuela y el principio menos es más predicado por el arquitecto Mies van der Rohe uno de los máximos exponentes del siglo XX junto con Le Corbusier y Gropius , se erigen en los modelos inspiradores para la arquitectura y el diseño de la posguerra.
Dentro de los vaivenes de calidad que se producen en el movimiento moderno, el diseño escandinavo se presenta como un referente indiscutido de categoría destacada: su éxito radica en sus formas sobrias y en la solidez de su factura técnica que estaban en consonancia con la divisa de la época: la forma sigue a la función.
Para las fábricas de cerámica y porcelana del centro de Suecia: _Upsala, Ekeby, Tobo, Gustavsberg, Rörstrand, Simlângsdalen y las del sur Karlskrona, Andersson&Johansson se convocaron a diseñadores con formación artesanal para integrarse a los procesos industriales de producción en serie. Para mencionar algunos: Stig Lindberg y Wilhelm Kage, quienes trabajaron en Gustavsberg y de quienes el Museo Nacional de Arte Decorativo  tiene destacadas piezas. También se incorporaron muchas ceramistas y diseñadoras mujeres Ursula Printz, Lisa Larson, Inga-Janson-Swedenborg, etc. todos imbuidos del principio de gratificación por el diseño tan acorde con los principios democráticos de Suecia.
Esta muestra que exhibe obras, patrimonio del MNAD, de destacados diseñadores y ceramistas gratificará al visitante.



Visitas guiadas



Horario: martes a domingos 14 a 19

Entrada $ 5.- Martes entrada libre



Museo Nacional de Arte Decorativo

Av. del Libertador 1902

Tel. 4801-8248


http://www.mnad.org/

domingo, 5 de junio de 2011

Muestra de Dolores Zorreguieta en Gachy Prieto Gallery (archivo)




















(Buenos Aires)


Una muestra de Dolores Zorreguieta se inauguró hoy en la galería Gachy Prieto ubicada en el barrio de Palermo con numeroso público.

Gachi Prieto Gallery presenta la muestra Secreto, de Dolores Zorreguieta, apenas llegada de los Estados Unidos, donde reside desde hace ya más de una década, desarrollando una intensa carrera internacional. En los últimos años esta artista ha sido destacada con importantes premios, entre ellos el del New York State Council on the Arts y el del New York Foundation for the Arts.



Dolores Zorreguieta, medio hermana de la princesa Máxima de Holanda, es una artista reconocida, que ya ha hecho varias muestras de sus fotografías.

En la muestra inaugurada hoy se combina la fotografía – una serie de imágenes expuestas en paneles y que remiten a la sexualidad, la violencia, el silencio y un mudo testigo, un gato que posa inconsciente ante la cámara - . Acompañan a las fotografías montadas en paneles de acrílico tres acuarelas, objetos y una instalación – una pequeña cama de bronce fija en una pared, de la cual cuelgan sábanas que se transforman en el piso en un amorfo colchón.



Lo único verdaderamente interesante de la vida

es lo que pasa en un cuarto.

Francis Bacon

Gachi Prieto Gallery presenta la muestra Secreto, de Dolores Zorreguieta, apenas llegada de los Estados Unidos, donde reside desde hace ya más de una década, desarrollando una intensa carrera internacional. En los últimos años esta artista ha sido destacada con importantes premios, entre ellos el del New York State Council on the Arts y el del New York Foundation for the Arts.

Esta serie de obras recientes incluye una instalación, fotografías y dibujos dentro de un lenguaje no complaciente, de aparente quietud que se instala en el borde de la violencia.

...En el espacio de Gachi Prieto Gallery, al estilo de una mise en scène, Dolores, presenta con distintos recursos plásticos, el relato de un acto íntimo. Esta cama-instalación, es el lugar de lo no revelado, como espacio de irremediables y tácitas confesiones. Mantas entramadas que parecen fugarse llevándose lo oculto. En torno a ella, una secuencia fotográfica de los juegos eróticos de una pareja actúa como correlato. Acaso podrían ser fragmentos, pequeñas pistas que invitan al observador a develar su carácter enigmático. Esquivos, difusos, inasibles, apenas instantes capturados, forzados a ser retenidos, a permanecer en un soplo que se desvanece, intentando darle sentido a lo que se escapa. El pasillo nos ubica a una “cómoda” distancia actuando como nexo entre el contemplador y la situación. Son los cuerpos que se confunden como conjunto de intensidades, al decir de Nietzsche. No hay palabras. Es el orden de lo inefable donde sólo hay experimentación de los sentidos. Perplejidad y silencio para nosotros contempladores, un camino bien definido para la artista.

Al mismo tiempo, una serie de objetos a los que llamó “Bondage”, de delicada factura, actúan como elementos fetiche recordatorios de algo tribal, visceral, que provoca alternadamente atracción y rechazo. Algunas acuarelas de contorno incierto acentúan el clima de tensión y complementan el carácter metafórico de la propuesta. D.Z. nos despierta del sopor, nos sacude la actitud aletargada para confrontarnos con los aspectos más insondables de nuestra propia condición humana...".

Teresa Cianciabella

(extracto del prólogo adjunto)

www.gachiprietogallery.com

Tel. (54 ) (11) 4774 6961

Uriarte 1976 - Palermo

Buenos Aires Argentina

Lunes a Viernes de 12 a 20hs

Sábado 13 a 19hs

(c) Araceli Otamendi - Archivos del Sur

publicado el 5-11-2009

sábado, 28 de mayo de 2011

26ª Bienal de San Pablo* - año 2005

Neistat Brothers
Science Experiments - film series, 2003
Vídeo [video]
Cortesia [courtesy] Fredrick Snitzer Gallery, Miami




Bienal de San Pablo 2005*


*Nota publicada originalmente en la revista Archivos del Sur

(Buenos Aires) Araceli Otamendi

A lo largo de sus 53 años, la Bienal de San Pablo se ha convertido en símbolo del arte contemporáneo y de la estética como espacio libre de dominación. Se ha vuelto el acontecimiento más importante de su tipo en Brasil y uno de los más esperados en todo el mundo, porque condensa las expresiones más innovadoras y variadas del arte modernoy da cuenta de sus múltiples potencialidades.

La muestra fue presentada en una reunión ante periodistas y artistas por el curador Alfons Hug y el director del Museo, Arq. Alberto Bellucci y estará expuesta en el Museo hasta el 22 de mayo. Incluye obras de artistas de distintos países: Zwelethu Mthethwa de Sudáfrica, Krzysztof Zielinski de Polonia, Verónika Zapletalovà de República Checa, Julian Rosenfeldt de Alemania, Caio Reisewitz de Brasil, Hans Hamid Rasmussen de Noruega, Hermanos Neistat de Estados Unidos, Jorge Macci de Argentina, Vera Lutter de Alemania, Segej Jensen de Dinamarca, Leandro Erlich de Argentina, Walmor Correa de Brasil, Fernando Sánchez Castillo de España, Cabelo de Brasil, Abdulla Alsaadi de Emiratos Árabes Unidos.


Las puertas, 2004 - Vista de la instalación en la 26ª Bienal de San Pablo
(técnica mixta 500 x 1200 x 675 cm) foto: Juan Guerra

Es predominante la presencia de fotografías e instalaciones. Según comentó el curador, son las dos técnicas que más están utilizando los artistas de América Latina y de Europa.



El paisaje aparece tanto en la obra de Abdullah Alsaadi, Zwelethu Mthewa, Verónika Zapletalová, Krzystof Zielinski, Caio Reisewitz. En el caso del primero, el paisaje se dibuja de manera naif, también hay dibujos sobre piedras y escritura en papel encuadernado. Según explicó el curador, Abdullah Alsaadi vive en una aldea en las montañas, alejado de los conflictos que azotan la zona.

Las fotografías de Zwlethu Mthethwa reflejan personas comunes en un mundo cotidiano surrealista. En la Sudáfrica del apartheid Zwelethu comprendió la importancia del factor humano y se convirtió en uno de los pintores más fieles a cierta realidad sudafricana, de acuerdo con las palabras de Simón Njami.

La artista checa Verónika Zapletalová capta en sus fotografías de casas de veraneo "chaty" ciertos modos de vivir. A partir de 1920 las casas de veraneo tuvieron un impacto significativo en el paisaje checo y en la relación de los checos con la naturaleza, durante el socialismo la "chaty" se convirtió en un tìpico ejemplo de las diferencias sociales y económicas, según Tomázs Pospech.

Krzysztof Zielinski tomó fotografías de las casas y calles de Polonia el primer dìa del año 2000. Las calles y lugares que el artista conocía "se veían sucios y feos", con el tiempo decidió seguir sacando fotos y vio que ahí había mucho más de lo que él pensaba, según una entrevista con Anna Bujnowska.

Fernado Sánchez Castillo - Pacto de Madrid, 2003, PS. 1- MOMA New York Bronce


El español Fernando Sánchez Castillo presenta un arte en el terreno conceptual ubicado entre la escultura, el video, el texto y la perfomance para investigar la relación entre arte y poder, entre espacio público y memoria colectiva a nivel nacional e internacional . El artista "lucha contra la amnesia de nuestra época" , "utilizando distintas estrategias que incluyen la indagación del pasado para replantear y comprender mejor el presente y también el juego, el humor y la subversión del significado", según Katia García Antón.



El brasileñoWalmor Correa presenta dibujos en acrílico y carbonilla de un bestiario especialmente creado por el artista. La superposición entre ciencia y arte, especialmente en lo que respecta a la descripción de plantas y animales, tiene una tradición en Brasil. (...) El rol del artista no es muy distinto al del científico: ambos tienen que observar, estudiar y reproducir, según palabras de Jacopo Crivelli Visconti.

Otro brasileño, Cabelo, presenta una instalación, donde "el universo imaginario del artista adquiere una dimensión arquitectónica. Al caminar entre paredes que ellos mismos accionan, los visitantes son prácticamente absorbidos por las imágenes, y cuando tratan de descifrarlas se enredan cada vez más en esta telaraña hipnótica, atraídos hacia un mundo inacabado donde se olvidan de sí mismos".



Caio Reisewitz de Brasil, toma su cámara fotográfica y ataca la ciudad, totalmente consciente de la imposibilidad de revelar lo que ésta es realmente. Es más, admitiendo esto, trata de comprender la naturaleza siempre cambiante de los innumerables velos que la cubren. (Agnaldo Farías).

El artista presenta una serie de fotografías sobre la ciudad de San Pablo.

Leandro Erlich, de Argentina presenta una instalación: "La playa", basado en la alegoría de la Caverna de Platón. "Imaginate un grupo de veraneantes en una playa soleada de arena blanca. A sus espaldas hay un museo de arte pintado de verde, y encima de todo, un proyector de video.

Glauco: Puedo verlo perfectamente.

Sócrates: Observa los visitantes de la exposición proyectados en vivo sobre esa playa.

Constantemente y en forma errática emergen del mar y caminan hacia la costa. Ahora se fundieron con los veraneantes. ¿Crees que ellos, productos de un video previamente grabado, serían capaces de notar la presencia de los visitantes?..." (Leandro Erlich).

Jorge Macchi, también de Argentina, presenta "Caja de música" video, DVD en LCD, loop de 1 min.

"La estructura interna de las cajas de música generalmente consiste en un simple mecanismo de un cilindro giratorio provisto de pequeñas protuberancias, una serie de dientes de metal de diferentes dimensiones, ubicadas a un lado del cilindro y una caja de resonancia. Al girar el cilindro, las protuberancias hacen vibrar alternadamente los dientes, que producen sonidos más graves o más agudos, según sus medidas..."(Jorge Macchi).

Los Hermanos Neistat, de Estados Unidos, presentan un video: Experimentos Científicos. Casey y Van Neistat son dos cineastas jóvenes de un barrio pobre de Connecticut.

La serie empieza con una vela encendida en ambos extremos. Amargura y fuego. Pero también asombro. En manos de los Hermanos Neistat, la ciencia está más cerca de la conciencia. Creando maravillas comunes y corrientes para que podamos conocernos nosotros mismos. La ausencia de toda voz humana en Experimentos Científicos nos lleva hacia lo interior, como si las imágenes fueran un espejo de nuestra silenciosa vida íntima..." (Tom Healy).

Hans Hamid Rasmussen de Noruega, presenta bordados hechos a mano y a máquina sobre telas, sobre soporte Momentum 2004.

                              Zwelethu Mthethwa: Sin título 2003, C- print - 149,8 x 194,3 cm;
copia única

gentileza de Jonathan Greenberg, Greenwich, CT


"El antropólogo Arjun Appadurai cuestionó la forma en que se describe a las personas de identidad multicultural, utilizando lo que él llama "la fórmula de unir con guión", (por ejemplo:indo-americano).Esto obliga a la gente a elegir una cultura por encima de otra, elección que se vuelve cada vez más problemática en un mundo globalizado. (...).

El trabajo con bordados de Rasmussen puede ser visto como un intento de negociar estas identidades. Su obra combina procedimientos con aspectos abstractos y simbólicos pero anclados en lo concreto - en lo material y en lo personal. (...) Al bordado tradicional, Rasmussen agrega una máquina de coser computarizada. La transferencia de un medio al otro puede verse como una especie de traducción..." (Halvor Hauger-).

Julian Rosenfeldt, de Alemania, presenta Asylum instalación fílmica de 2 canales, loop de 33 min, transferido a DVD. Consiste en nueve grandes proyecciones donde el artista elige grupos de minorías étnicas para examinar y deconstruir los estereotipos asociados con la manera en que percibimos a los inmigrantes. (...) Enfatiza el estereotipo, el kitsch y lo opresivamente "exótico" para exponerlos y socavarlos..."(Katerina Gregos).

Segej Jensen, de Dinamarca presenta un lienzo: L´Indifferent.

"La madre de Sergej Jensen era programadora de computación cuando se necesitaban computadoras del tamaño de una habitación para producir el gráfico más simple. Su estudio en Berlín está lleno de antiguos equipos musicales electrónicos. Imaginemos una historia invertida del know-how tecnológico, una versión paralela del progreso. En la pintura actual se observa a menudo la tendencia de trabajar con lo digital y con la veloz transmisión de la información como para defenderse de antemano de la acusación de ser un medio reaccionario. El trabajo de Jensen comprende este desafío y lo que hace es volverlo contra sí mismo proponiendo lo análogo, lo incómodo, lo ruidoso, lo incapaz (...)"...(Mark Prince).

Vera Lutter de Alemania presenta una fotografía en gelatina de plata: "Pepsi interior". Utilizando la técnica pionera de la cámara oscura para construir fascinantes representaciones de espacio y arquitectura, Vera Lutter reinventa el medio fotográfico y nos habla de la condición de la imagen generando una nueva aproximación al tiempo y el espacio. La fotografía de Lutter revela aspectos ocultos de objetos y entornos, llevándolos hasta el límite de lo desconocido y lo nuevo, lo inexplicable, y lo que se tiene dominado, suspendidos entre el movimiento y la quietud. (...) (Adam Budak).

Según palabras del curador de la muestra Alfons Hug:

"La tierra de nadie de la estética comienza donde el mundo cotidiano termina. Designa aquel espacio en el que la realidad y la imaginacion entran en conflicto. Los artistas son guardianes de la frontera de un reino situado más allá del mundo administrado, fuera del alcance de la soberanía interpretativa de la política y la economía. Mientras todo el mundo se queda enfrascado en la eterna disputa sobre quién es dueño de qué, el arte resuelve las relaciones de propiedad a su manera: en el reino de la estética todos son dueños de todo.

Ahora bien, en el marco de la muestra nos interesa descubrir cómo los dramas del mundo real y de las relaciones interpersonales se reflejan en el arte. Dado que las obras de arte son más que meros datos de la realidad , cualquier compendio artístico de los fenómenos de la realidad será siempre más plurivalente y más complejo que un simple reportaje. Esta premisa se aplica incluso cuando el artista recurre a la fotografía o al video, dos medios los cuales se les atribuye un alto grado de cercanía con la realidad. Si bien los artistas se encuentran inmersos en conflictos, ellos no replican el mundo, sino que crean espacios libres dentro de la realidad. Mediante metáforas y símbolos transportan la materia prima terrestre a un nuevo estado, perceptible por los sentidos. La obra de arte revela algo distinto, es alegoría.

Cada obra de arte lograda, junto con lo que representa, narra una segunda historia, y detrás de cada artista se esconde un segundo autor desconocido. Fue justamente esto último lo que llevó al músico de rock Keith

Richards - al escuchar una grabación del creador del blues, Robert Johnson - a la famosa pregunta: "But who is the other one?".

La diversidad de estrategias documentales que en los últimos años también se pudieron observar en las grandes exposiciones internacionales, sugiere la conclusión de que la confianza en el poder de la estética se desvanece. Dicho sea de paso, eso parece ser también el caso de la literatura, donde las obras de carácter periodístico, las biografías y los libros de autoayuda han desplazado a la ficción. Frente al estado precario en que se encuentra el mundo y la urgencia de sus problemas, los artistas y curadores parecen buscar la salvación en análisis científicos, reportajes y tratados discursivos sobre la realidad, desconociendo, de manera manifiesta, las posibilidades de los procesos estéticos.

Las colonias del arte son espacios de retiro e islas de resistencia en el mar de la uniformidad.

El arte revela aquellos estratos internos del mundo que necesariamente permanecen ocultos a las miradas superficiales, sean éstas de naturaleza política o sociológica. Muchos indicios sugieren incluso que el arte de nuestros tiempos ha relevado a la filosofía en su función de gran intérprete del mundo. Los artistas crean un territorio libre de dominación y, con él, un mundo opuesto al mundo real: un país del vacío, del silencio, de la introspección, en el cual el frenesí que nos rodea se detiene por un instante. Pero se trata también de un país de enigmas, en el cual se codifica la avalancha de mensajes simplistas que brotan de los semilleros del kitsch. Al romper fronteras materiales, el artista se convierte en contrabandista de imágenes entre las culturas.

El arte no sabe de jerarquías. En el arte, la pregunta por lo que es viejo o nuevo, periférico o central, moderno o primitivo, se plantea en términos completamente diferentes a los de la economía. El arte se sustrae al cálculo y la histeria de la sociedad moderna. Mientras la industria sigue adornando el mundo, la tarea más noble del arte contemporáneo consiste en purgarlo.

En este contexto, la abstracción juega un papel privilegiado, pues escapa a la verborrea del mundo moderno, creando un contrapunto sublime. Sólo con la ayuda de estos espacios de sosiego del arte, es posible traspasar el umbral de lo cotidiano y contrarrestar la vorágine demoledora del drama urbano. La tierra de nadie de la abstracción libera al mundo de todo lastre, purifica y posibilita un nuevo comienzo. En el reino de la abstracción , decía Kandisnsky, cada forma es un ciudadano con igualdad de derechos.

Es probable que el arte no nos convierta en personas mejores, escribe Harold Bloom en un ensayo sobre Shakespeare, pero nos ayuda a soportarnos mejor a nosotros mismos y a nuestra soledad. Hace surgir el deseo de ser personas diferentes y viajar a lugares inalcanzables a través de un rayo de tiempo, donde nos espera un mundo mejor"

(1) dicho brasileño

(c) Araceli Otamendi - Todos los derechos reservados

viernes, 27 de mayo de 2011

Se inauguró la muestra Pettoruti y el arte abstracto en el Malba

Angolo d’un giardino o El jardín, 1917

óleo sobre hardboard

45,2 x 35,3

Colección Malba-Fundación Costantini, Buenos Aires


Armonia-movimento-spazio (disegno astratto), 1914
carbonilla y lápiz sobre papel
44,8 x 57,9
Colección Eduardo F. Costantini, Buenos Aires

El pintor Xul Solar, 1920
óleo sobre cartón
55 x 42,8
Colección Castagnino+MACRO, Rosario

Naturaleza muerta o Pera, botella y taza, 1916
óleo sobre cartón
25 x 30,5
Colección particular

(Buenos Aires)

Ayer se inauguró en el Malba la muestra Pettoruti y el arte abstracto  1914- 1919 con la curaduría de Patricia Artundo.
La muestra estará abierta al público hasta el 27 de junio en la Sala 3 (primer piso).
La exposición consta de una selección de 37 obras del artista argentino Emilio Pettouti (1892-1971)
realizadas durante la primera mitad del siglo XX. Curada por Patricia Artundo.













Esta muestra propone repensar la relación de Pettoruti con el arte abstracto, ineludible para comprender gran parte de su producción artística.

Se exhiben, collages, óleos y acuarelas, realizados por el artista entre 1914 y 1949, período que abarca sus primeros años en Italia, su regreso a la Argentina y sus posteriores viajes por Europa antes de instalarse definitivamente en París. “Aquella producción inicial de los años de su residencia en Italia ha sido pensada básicamente a partir de su contacto con los futuristas. De lo que se trata aquí, precisamente, es de sacarla de ese lugar donde no parece tener nexo con la historia del arte abstracto en la Argentina y, en todo caso, formular otras preguntas no solo en relación con ella sino también con su producción anterior a 1953, año en que el artista, ya radicado en París, se volcó decididamente a la pintura abstracta”, explica Patricia Artundo, curadora de la exposición.

A cuarenta años de su fallecimiento, el objetivo es reflexionar acerca de lo que se ha pensado y escrito sobre Pettoruti durante los últimos años. “Recuperar desde las obras su propio ejercicio reflexivo, caracterizado por la complejidad, la variedad y la densidad de sus propuestas”, afirma Artundo.

Las obras que integran la exposición provienen de colecciones particulares y de colecciones públicas, como el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires; el Museo de Artes Plásticas “Eduardo Sívori” de Buenos Aires; el Museo Castagnino +MACRO de Rosario; el Museo Provincial de Bellas Artes “Emiliano Guiñazú” (Casa de Fader) de Mendoza; el Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Pettoruti”- Instituto
Cultural de La Plata; y la Cancillería Argentina, Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto, entre otras.

Junto con la exposición, Malba editó un catálogo de 120 páginas, bilingüe español e inglés, que incluye el ensayo curatorial “Otros papeles de trabajo. Pettoruti y el arte abstracto”, a cargo de Patricia M. Artundo; y el texto “Emilio Pettoruti y la búsqueda de una estrategia propia”, escrito por Marcelo E. Pacheco - curador en jefe de Malba- en 1992 e inédito hasta ahora. Además, se reproducen a color todas las obras representadas en la muestra.

Pettoruti y la abstracción

“Para evitar que la mirada del otro –aún a través de nuestros propios ojos– nos defina, es importante explorar especialmente los años de formación de nuestros artistas para encontrar allí las claves propias que después abran el camino al estudio alternativo de sus producciones posteriores. En el caso de Pettoruti, al observar sus obras desde 1914 se advierte una unidad particular que lo llevará precisamente a diferenciarse de sus contemporáneos europeos”, analiza Marcelo Pacheco, en el ensayo “Emilio Pettoruti y la búsqueda de una estrategia propia”.

Durante su primera estadía en Europa, a partir de 1913, Pettoruti subvierte la tradicional práctica de aprendizaje —basada en la copia de las obras de los grandes maestros— y se propone una relectura inédita de sus principios formales y compositivos. “Lo que realizó fue un estudio del color y de sus relaciones y armonías en función de su distribución proporcional en el plano. Y ésta fue una de las vías por las que llegó a la abstracción”, asegura Artundo. Otro de los caminos que guiaron al artista hacia la abstracción fue su contacto con los futuristas, sus obras, sus publicaciones y manifiestos y, también a través de ellos, el cubismo sintético. La serie de dibujos a la carbonilla realizados entre 1914 y 1916 está relacionada con las investigaciones que los futuristas habían iniciado dos años antes y en las que continuaban trabajando.

Si durante la década de 1910 el paisaje se convirtió en el campo de experimentación de su producción, en la década siguiente se observa un punto de inflexión con la aparición de un nuevo tema: los músicos. “Asimismo, la problemática de la abstracción pura pareció ceder su lugar a otras cuestiones o, en todo caso, apareció relacionada con otras, siguiendo su línea de investigación, a partir del cubismo en su definición por
planos de color/luz y el trabajo por la definición de claves tonales que llegan a desmaterializar y dificultar el reconocimiento de las formas naturales”, explica Artundo. Luego, en la década del 30, el artista realizó una serie de pinturas con otro motivo en común: las copas, que actúan como un nuevo campo en el que el artista despliega sus investigaciones relacionadas con la pintura abstracta. “Pettoruti no trabaja sobre temas –aun cuando estos sean reconocibles como en el Retrato del poeta Alberto Hidalgo (1925)-, sino que trabaja sobre motivos que constituyen el soporte sobre el cual ejerce sus investigaciones. De allí la aparente repetición y/o reiteración, cuando en realidad de lo que se trata es de la definición de matrices”, sostiene la curadora. Para Artundo: “El pintor se manejó con absoluta libertad por dentro y por fuera de la vanguardia. Él fue capaz de absorber todo y de acercarse desprejuiciadamente a los maestros italianos para realizar otro tipo de investigaciones que lo llevaron, por otro camino, a la abstracción: la realización de mapas cromáticos a partir de la obra del Beato Angelico; la generación de nuevas estructuras compositivas y espaciales desde
su lectura de los frescos de Masaccio; la creación de armonías tonales con los venecianos; la investigación acerca de la luz y su incidencia sobre las superficies ejercitada desde el estudio de la técnica del mosaico y del vitraux”, explica. En los años 40, Pettoruti retomó su preocupación por estudiar la luz propia de su
pintura y cuestionó la noción misma de representación apelando nuevamente a una ambigüedad. Posteriormente, entre 1948 y 1952 —antes de instalarse definitivamente en París—, el artista repensó su obra en su conjunto. A partir de sus nuevas pinturas (Crepúsculos marinos, Farfallas, Soles y Noches), comenzó a definirse como "pintor abstracto".

“Sin embargo, en el fundamento de esas nuevas obras y aun cuando estas implicaran un giro sobre sus talones en relación con su obra de la década anterior, una mirada atenta descubre el ejercicio reflexivo continuo acerca de una problemática que lo ocupó durante gran parte de su vida”, concluye la curadora.

Biografía

Emilio Pettoruti nació el 1 de octubre de 1892 en la ciudad de La Plata, Provincia de Buenos Aires. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de La Plata y se ejercitó en el dibujo en sus visitas al Museo de Historia Natural de la misma ciudad. Luego de tomar un curso de perspectivcomenzó a exhibir sus primeras obras en las vidrieras de la tienda Gath & Chaves y a publicarlas en las revistas La Ciudad y Rayos de Sol. En junio de 1911 realizó su primera exposición en las salas del desaparecido diario platense Buenos Aires.

En 1913 se trasladó a Florencia, Italia, donde se encontró con otros artistas argentinos y latinoamericanos. Allí abandonó sus estudios académicos muy pronto y se dedicó a observar las obras de los grandes maestros y a estudiar diversas técnicas. Trabajó gratis para talleres de mosaico, fresco, vitrales, dorado a la hoja. En la librería Gonnelli tuvo lugar en noviembre de 1913 la Esposizione Futurista “Lacerba”, a partir de la cual tomó contacto con Filippo T. Marinetti y otros futuristas y vanguardistas florentinos. A mediados de 1914 produjo sus primeros dibujos abstractos como Force centripete, Espansione dinamica o Movimiento nello spazio. Luego de realizar estudios sobre la luz, elaboró un sistema propio en torno al color, centrado en sus relaciones y armonías, a través de los diferentes porcentajes de cada color. Entre 1916 y 1917 vivió en Roma, donde trabó amistad con los artistas del círculo vanguardista de las revistas Cronache d’Attualitá y Valori Plastici, entre ellos, Enrico Prampolini, Giorgio De Chirico y Carlo Carrà. Luego se instaló en Milán, donde fue admitido como “socio pittore” en la Famiglia Artistica. En esta época se ganó la vida ilustrando libros, diseñando vitraux y realizando proyectos escenográficos. Viajó a Viena y a varias ciudades alemanas, y en 1923 expuso en la galería Der Sturm de Berlín.

En julio de 1924 regresó a Buenos Aires, donde se unió al grupo del periódico Martín Fierro y presentó en el Salón Witcomb su primera exposición tras once años de ausencia: las ochenta y seis obras exhibidas causaron un gran revuelo por su vanguardismo asociado al futurismo y cubismo. Expuso también en la Galería Müller y participó junto a Sarfatti en la organización de la muestra Novecento italiano en Amigos del Arte. En 1930 fue nombrado Director del Museo Provincial de Bellas Artes de La Plata, cargo que ocuparía hasta 1947. En 1934 conoció a María Rosa González, fotógrafa y crítica chilena con quien se casó en 1941. En 1935 pintó el óleo Caminantes, que para él marcó una nueva etapa en su obra. En 1937 inició su amistad con Julio E. Payró; en 1938 polemizaba con Antonio Berni en torno al “nuevo realismo”; un año más tarde
se acercaba a Jorge Romero Brest. En 1940, Amigos del Arte realizó una retrospectiva con cuarenta y una obras de 1917-1938. Importantes museos de los Estados Unidos lo invitaron a exponer individual y colectivamente; en 1943 el MoMA de Nueva York le compró su obra Copa verde-gris. En 1948 realizó otra retrospectiva en el Salón Peuser y en 1950 la Exposición retrospectiva del pintor Emilio Pettoruti, en el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile. Al año siguiente viajó por Europa y en 1953 se instaló en París, donde inició su última etapa pictórica. Allí participó en las exposiciones Durand-Ruel (1954); Arte Abstracto, Las primeras Generaciones 1910-1939 en el Musée d’Art de Saint.Etienne (1957); 50 Años de Pintura Abstracta, organizada por Michel Seuphor; y en otras muestra individuales que acercaron su obra al público de esa ciudad. En 1960 integró la Primera Exposición Internacional de Arte Moderno en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y Construction and Geometry in Painting, en Nueva York. En 1961
compartió con los artistas más importantes de la abstracción internacional la exposición Arte Abstracto Constructivo Internacional en la Galerie Denise-René de París. En 1966 viajó a la Argentina y terminó sus memorias, publicadas bajo el título Un pintor ante el espejo. Recibió el Premio Continental Guggenheim de las Américas en 1956 y al año siguiente el Gran Premio otorgado por el Fondo Nacional de las Artes. En sus últimos años presentó exposiciones en Bonn, Berlín, Bruselas y Ginebra, entre otras ciudades europeas, y representó a la Argentina en el envío a la XI Bienal Internacional de São Paulo de 1971. Falleció en París, el 16 de octubre de ese mismo año.



Actividades relacionadas

Encuentro con la curadora Patricia Artundo

Miércoles 1 junio a las 18:30. Sala 3 (1º piso)



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