ARTSALE en Puerto Madero hasta el 5 de agosto




(Buenos Aires)

ARTSALE es una feria de arte que se realiza en un barco, en Puerto Madero, Buenos Aires.









ARTSALE 2012







Llega a nuestro país por segundo año consecutivo ARTSALE, feria de arte a PRECIOS ACCESIBLES!

ARTSALE se realizará los días 2, 3, 4 y 5 de agosto de 13 a 21hs en el barco Madero Mystic, en Puerto Madero.

La feria cuenta con una superficie de 1500 m2 donde se expone la obra de más de 100 reconocidos artistas nacionales e internacionales, que viajarán especialmente para que el público los pueda conocer en persona.


Durante ARTSALE, se realizarán acciones artísticas en vivo, auspiciadas por marcas que apoyan la cultura.
La curaduría de la muestra está a cargo del Arq. Federico Platener.
Uno de los principales objetivos de la muestra es incentivar al publico a ser propietarios de una obra de arte, con ese propósito los más de 100 artistas convocados exhibirán una obra cada uno, cuyo valor no superará a los MIL PESOS argentinos, y además habrán obras en trastienda a precios promocionales. De esta forma y gracias al aporte de los artistas, esperamos contribuir a fomentar la cultura , educando para que el arte esté presente en cada hogar.

Un paseo artístico donde el público podrá interactuar con los artistas y los chicos disfrutar del Espacio Kids, plástica a cargo de Marya Wariychuk, escultura con Paula Morgan y fotografía a cargo de Rox Boyer, quien les dará a los chicos las técnicas básicas y tips necesarios para sacar una buena foto.
Además podremos apreciar una instalación de más de 10 cocodrilos intervenidos por artistas cordobeses que enmarcarán el Barco y serán una atracción más para disfrutar.



La entrada es libre y sin costo.

El día jueves 2 de agosto se lanzó  la Feria a las 13 con un PRE SALE y una agenda de disertaciones con personalidades del mundo del arte; Fernando Farina, Marcela Costa Peuser, Delfina Helguera y Javier Caínzos, culminando con la conferencia de prensa que se realizó a las 19, seguida de varias acciones de marketing directo entre los artistas invitados y los sponsors. Telecom by Eduardo Pla, Selenza by Sole De María, Eco Soluciones by Charly Gualuppo, Madero Mystic by Jorge Cal y Marta Diez.
El viernes 3, Sábado 4 y Domingo 5 de agosto se realizan visitas guiadas sin costo durante todo el día a cargo de la Clínica de Coleccionismo de ART SALE.

El viernes 3 de 16 a 18hs, Paola Vergottini realiza un taller especial para los más pequeños, titulado “Arte para Todos”, donde nos acompañarán chicos becados por la Fundación Ninawa Daher.
El sábado 4 de agosto de 16 a 18hs, la actividad para los chicos estará a cargo de Maria Baylac: “Jugando con el Corazón”. Y a las 19hs Geraldine Cunto presentará su propia colección de ropa, “Ghosts of Trouble” en un Photo Shooting imperdible.

El domingo 5 de agosto, los artistas estarán pintando en vivo, y el taller ART KIDS de 16 a 18hs será comandado por la artista uruguaya Paula Barbini, y tendrá como título: “Pintando un Sueño como Dalí”.


También nos acompañará AP! Audiovisuales performances, proyecto llevado a cabo por Gabriela Espina y Cecilia Pugin, presentando un adelanto del Festival Urbano que se realizará en Noviembre en el Centro Cultural Recoleta: música en vivo, proyecciones de cortometrajes de artistas locales e internacionales y números de danza.




Artistas que participan en ARTSALE

ARTSALE es una feria federal e internacional, donde participan artistas de casi todas las provincias de nuestro país como; Buenos Aires, Córdoba, Río Negro, Salta, Chaco, Mendoza, Neuquén, y también llegan artistas del exterior desde; Rusia, República del Líbano, Colombia, Uruguay, Chile y otros países.



Los artistas que participan son; Eduardo Pla, Marta Diez, Sofía Sarkany, Sole Demaria, Charly Galuppo, Ricky Crespo, Gynette Reynal, Federico Raiman, Felipe Noble Herrera, Jorge Cal, Paula Barbini, Adrian Melussi, Agus Mazzocco, Alfredo Ramírez, Alicia Besada, Amparo Panasiti, Analía Castrillo, Ángeles Minola, Angélica Rochon, Anush Brena, Bea Mornau, Bechara Baroudi, Belen Espir, Biby Markus, Caro Holste, Carolina Himmel, Carolina Iturrospe, Cecilia Macedo, Claudio Baldrich, Cony La Greca, Dariak Fahler Semsey, Darío Parvis, Debora Trachter, Diana Molinari, Diego Gutierrez, Elsa Perez, Enrique Hollmann, Fabiana Rossi, Fiona González Devoto, Flor Fabiano, Flor Martelli, Florencia Echevarria, Gallo, Geraldine Cunto, German Toloza, Gloria Fossati, Gustavo Campos, Gustavo Mauro, Iaku, Ignacio Alperin, Isabel Duarte, Isabel Ocampo, Jime Butti, Jimena Salvatierra, Jorge Pablo Pallarols, Josie Watson, Juan Carlos Ferrero, Juan Danna, Juan Manuel Piccat, Julia Ramos, Laila Polisecki, Laura Asaro, Laura Nucenovich, Liliana Miguel Sanz, Liliana Pantanali, Liliana Roux, Lucía Peluffo, Lucila Marot, Maby Rod, Magdalena Castilla Sastre, Magda Paladino, Malala Bullrich, Malala Tiscornia, Mapi De Aubeyson, Marcela Levy, Marcela Pereyra, Marcelo Villagra, María Alicia Guzman Cendak, María Baylac, María Billorou, María Carolina Pallarols, María Elena Bazán, María Jose Coussirat, María Laura Baylac, Mariana Morales, Marisa Zorgno, Marta Diez, Matone Boné, Mayra Wariychuk, Mercedes Urtubey, Micaela Nuñez, Mon Caset, Mónica Albisu, Nenó Lopez, Nes Budano, Nicolás Monti, Norma Perel, Orio Dal Porto, Orly Rosenkratz, Paola Saenz, Paola Vergottini, Pato Indij, Patricia Racco, Paula Morgan, Pepo Reboratti, Pil, Renata Würschmidt, Rocío Alvarellos, Ro Cicuttini, Rox Boyer, Silvia Basso, Silvia Ventura, Sofía Bullrich, Susana Ibsen, Susana Rocha, Vale Fano, Vanina Carla Parizia, Viviana Dziewa y Yuri Gogol.



















Para más información:



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ORGANIZA







Global Art



Verónica Quintana & Grace Grisolía



www.globalartgroup.com

Fase I: Les Archives du Coeur, Studio D’Enregistrement,Artista: Christian Boltanski

(Buenos Aires)

Christian Boltanski estuvo en Buenos Aires el año pasado presentando su libro La vida posible de un artista, editado por De la Flor y además brindó una conferencia y fue entrevistado en forma pública por Diana Wechsler, profesora de la Universidad Nacional de Tres de Febrero y curadora de la muestra Fase 1 Les Archives du Coeur que se está presentando en el marco de Tecnópolis. La revista Archivos del Sur estuvo presente durante la conferencia y publicó también una nota y además la reseña del libro.
 En el marco de la reapertura de Tecnópolis, comenzó el proyecto BOLTANSKI, Buenos Aires que lleva adelante el Muntref, Museo de Arte de la Universidad Nacional de Tres de Febrero. La primera intervención es el emplazamiento de Les Archives du Coeur, Studio D’Enregistrement, en el espacio de Tecnópolis, a partir del 8 de julio de 2012 y a lo largo de los tres meses de duración de esta exhibición.

El artista francés contemporáneo Christian Boltanski comenzó su labor a los 14 años. Hijo de madre cristiana y padre judío, la huella del holocausto forma parte de su memoria y ha formado parte de su obra centrada en temas ligados a la identidad y la singular tensión entre vida y muerte, tanto a partir de lo autobiográfico como de la suma de pequeñas historias individuales. Memoria y archivo son dos de las coordenadas que atraviesan su trabajo. Las huellas más efímeras de la vida, sus señales más triviales como la consignación de un dato dentro de un directorio telefónico, o las fotografías familiares que se replican por cientos en cada una de las historias anónimas que pueblan el mundo son algunos de los materiales de su trabajo en el que se presentan como testimonios de vida señalando a cada una con su singularidad y a la vez su proximidad con la de tantos otros. Entre 1969 y 1971 comenzó a reconstruir su infancia a partir de fotografías. A comienzos de la década de los años 80, Boltanski avanza de lo autobiográfico a las historias colectivas y empieza a utilizar fotografías de personas anónimas. Extensos repertorios de fotografías, montajes teatrales, y todo tipo de instalación que pueda llegar al público desde la exposición de la dimensión singular y anónima a la vez de la existencia humana han sido los soportes de su propuesta artística. El rector de la Universidad y director del Museo, Aníbal Jozami, dijo que en “reconocimiento a que la memoria es una de las cuestiones sobre las que es necesario seguir trabajando desde diferentes perspectivas y horizontes, la UNTREF se ha propuesto producir y desarrollar la presentación a través de distinto tipo de exhibiciones de este artista internacional” Cabinas de grabación para los Archivos del Corazón Actualmente, sumó un proyecto que tiene continuidad en tiempo y espacio y está destinado a crecer permanentemente: se trata de los Achives du coeur, un reservorio mundial de latidos de corazón de personas de diferentes latitudes, edades, condiciones sociales y culturales que almacena en un archivo construido ad hoc en una isla del Japón. Allí agrega año a año un sinnúmero de registros procedentes de la instalación en distintas exposiciones de su Studio d’enregistrement. Hasta el momento, Francia y Japón han sido sitios para esta instalación. Ahora Buenos Aires, más concretamente Tecnópolis, será la nueva sede de esta acción. Dada la gran afluencia de público de Tecnópolis, el artista planeó para este espacio un Studio que incluye una sala de espera y dos boxes con dos máquinas destinadas a grabar los latidos que voluntariamente los donantes quieran ceder para integrarlos luego a los Archives du coeur reunidos en Japón. Para Buenos Aires, Boltanski ha planteado además que a cambio de la donación de sus latidos, cada donante recibirá un CD con la imagen de identidad de obra y sus latidos allí grabados. “El concepto que reside en este proyecto de Boltanski es el de almacenar los latidos como huella primera, indiciaria y final de la existencia de cada individuo señalando en la suma, tanto la singularidad de lo humano como su semejanza, destacando con esto la condición humana en su sentido vital básico, más allá de las distancias culturales o sociales. Nuevamente, el binomio memoria-archivo se ponen en juego asumiendo Boltanski el desafío de construir una memoria de la humanidad a través de la suma de los latidos de cada uno de los seres que la constituyen”, explica Diana Wechsler curadora de la muestra y Directora de la Maestría en Curaduría y en Artes Visuales de la UNTREF. La segunda fase de BOLTANSKI, Buenos Aires tendrá lugar a partir de octubre.

Muestra Meraviglie dalle Marche en el Museo Nacional de Arte Decorativo

(Buenos Aires)


Con la curaduría del Arq. Ángel Navarro profesor de la Universidad de Buenos Aires y organizada por Artifex Argentina con la gestión de Artifex Italia se presentó este mediodía mediante una conferencia
de prensa la muestra Meraviglie dalle Marche en el Museo Nacional de Arte Decorativo. El patrocinio de la muestra es de Hope Funds.
En la conferencia de prensa estuvieron además del curador, el director del museo Arq. Alberto Bellucci, el Presidente de Artifex Italia Giovanni Morello, el Ministro Consejero de la Embajada de Italia en representación del embajador, el Presidente della Regione Marche Gian Mario Spacca y María Pimentel de Lanusse representante local de Artifex.
Se trata de una extraordinaria exposición que abarca un un significativo recorrido por la iconografía religiosa italiana, desde las tablas del Gótico tardío – de fines del siglo XIV - siglo XV de los pintores Olivuccio da Ciccarello, y Paolo Veneziano hasta el Neoclasicismo monumental de Adolfo de Carolis de fines del siglo XIX y principios del siglo XX.
Entre este espacio de tiempo - Renacimiento temprano del Quattrocento y el Barroco tardío del Settecento- se encuentran una serie de pintores de primera magnitud: Carlo Crivelli, Rafael, Tiziano , Lorenzo Lotto además de obras de otros pintores igualmente destacables como el Guercino, Luca Giordano, Maratta que ilustran imágenes de la vida de Cristo , de la vida de la Virgen y de los Santos que evidencian la intensidad del pensamiento religioso de la época y del admirable oficio de estos pintores que así lo expresaron.
El costo del transporte de las obras y de los seguros fue estimado en seiscientos mil euros.

La Región de Las Marcas

Las obras de esta muestra provienen de la Región de Las Marcas, única región de Italia que contiene la forma plural en su designación, y presenta una gran dispersión territorial en sus obras artísticas. Se podría decir, sin exagerar, que no existe ni un pequeño rincón ni una gran ciudad que no conserve alguna obra de arte extraordinaria; la red de museos cívicos y eclesiásticos se extiende por todas las vertientes de sus colinas; hay más museos diocesanos que diócesis, puesto que las ciudades, antiguas sedes episcopales, no han querido desprenderse de un patrimonio artísticoy cultural que constituye su tejido conectivo y vital; la Galería Nacional de las Marcas, en Urbino, conserva obras maestras dignas de la historia de un ducado que, en el renacimiento, fue un importante centro cultural y político.

Características de las obras

Las obras que inician el conjunto pertenecen a la última producción del arte gótico y obras del renacimiento. Las del primer grupo tienen que ver con su última fase del arte medieval, el gótico internacional, movimiento que en la Región de las Marcas tuvo importantes manifestaciones en obras de artistas locales como Lorenzo Salimbeni y Olivuccio da Ciccarello, nacidos en San Severino Marche y Camerino, respectivamente.

La exposición sigue un itinerario cronológico.

Las obras exhibidas provienen de:



Pinacoteca Civica ”Francesco Podesti” y del Museo Diocesano de Ancona



Pinacoteca Civica de Ascoli Piceno



Iglesia de Santa Lucía de Montefiore dell Aso



Pinacoteca Cívica de Macerata



Pinacoteca Civica de Jesi



Pinacoteca Cívica de Fabriano



Pinacoteca Civica de San Severino Marche

Museo-Tesoro de la Santa Casa de Loreto



Museo Diocesano y la Galería Nacional de la Marche de Urbino



Complejo de Museos S. María extra muros de Sant´Angelo in Vado



Museo Cívico de Pesaro



Pinacoteca Civica de Fano



Pio Sodalizio dei Piceni de Roma -ex Asociación di Marchigiani residentes en Roma-

Para Ángel Navarro, curador de la exposición, que permanecerá abierta en el Museo Nacional de Arte Decorativo entre el 7de julio y el 30 de septiembre, “los museos e instituciones marchigianos, distribuidas en diferentes ciudades y centros, atesoran obras de arte capaces de brindar un panorama del desarrollo de la historia del arte, a la cual la propia región realizó aportes relevantes con las creaciones de notables marchigianos como Rafael Sanzio, Federico Barocci, Andrea Lilli y Carlo Maratta”.
“A ellas, dice Navarro, hay que agregar obras de artistas procedentes de otros sitios que se instalaron en Le Marche como Carlo Crivelli o Lorenzo Lotto que vivieron en la región hasta el fin de sus días”.
Es la primera vez que pinturas de Rafael, Tiziano, Sebastiano del Piombo, Federico Barocci, Paolo Veneziano, Taddeo y Federico Zuccari, Guercino y Rubens, entre otros genios que dejaron su huella en Italia, llegan a la Argentina, lo que constituye un hito cultural de excepción.
El público podrá disfrutar de obras y pintores de extraordinaria relevancia estética y espiritual que se extienden entre el período tardogótico del siglo XIV hasta el neoclasicismo del finales del siglo XIX e inicios del siglo XX.
Entre ambos momentos, como secuencias de las magníficas floraciones que se sucedieron entre el temprano renacimiento del Quattrocento y el tardo-barroco del Settecento, se alinean una serie de pintores de primera magnitud, junto con otros artistas de trayectoria menos rutilante pero con obras tan notables que bien pueden competir con las de aquéllos.
Para el presidente de ARTIFEX Italia, Giovanni Morello, “la razón determinante que permitió idear esta exposición fue la clausura temporal de la Pinacoteca Comunal Francesco Podesti de la capital Ancona, lo que obligaba al almacenamiento de su pinacoteca para garantizar su seguridad. Así se pensó que un público mucho más amplio pudiera admirar una selección significativa de esas pinturas junto con algunas obras maestras de museos y pinacotecas municipales, museos diocesanos, del Museo Tesoro de la Santa Casa de Loreto
y de la Galería Nacional de las Marcas”.

Según el curador el conjunto que llega a la Argentina “integrado por una selección de obras de las posesiones de la Pinacoteca Comunal de Ancona y otras creaciones de valiosos artistas --que debieron cumplir con comisiones ordenadas por iglesias, congregaciones o mecenas privados--, son el mejor testimonio del interés local por el arte de un público que ha sabido observar, aceptar y ponerse a tono con los desarrollos más importantes que sucedían en este campo”.

La directora general de ARTIFEX Argentina, María Pimentel de Lanusse, señala que “es muy importante realizar este tipo de actividad con exposiciones internacionales de artistas universales, algo que en los últimos años no ha tenido lugar en Argentina. Literalmente podemos decir que colocamos delante de los argentinos ejemplos del arte universal”.



Exhibiciones anteriores

La exposición “Meraviglie dalle Marche. Seiscientos años de pintura italiana” ha sido exhibida en el Brazo de Carlomagno en el Vaticano, cuya historia enriquece el acervo que será expuesto durante tres meses en nuestro país.
En 1656 el Papa Alejandro VII Chigi decidió ampliar la Plaza de San Pedro. La Congregación de la Fábrica convocó para la obra arquitectónica al famoso Gian Lorenzo Bernini, quien había organizado el interior de la Basílica.
El proyecto debía acoger a los fieles de la cristiandad, tal como lo vemos hoy.
Por lo que Bernini tenía que tomar en consideración numerosos factores: las grandes dimensiones de la fachada y de la cúpula, las particulares exigencias litúrgicas del ceremonial pontificio, la relación urbanística.
Así nació la humana forma ovalada del brazo que contemplaba el espacio de contención de los fieles y el encuadre del gigantesco cuerpo basilical. Bernini optó por dos ambientes cerrados con una estructura decorativa externa hecha de pilastres duplicados que sobresalen entre las ventanas rectangulares, continuando con el diseño.
El brazo meridional es hoy utilizado como sede de muestras y es comúnmente llamado Brazo de Carlo Magno, cuya concesión tiene Artifex Italia. Al insertarse en la parte terminal del amplio pórtico basilical hay una gran estatua ecuestre del emperador cristiano Carlo Magno, coronado en San Pedro la noche de Navidad del año 800.
A ella corresponde sobre el lado opuesto la estatua de Constantino, primer emperador cristiano y fundador de la Basílica de San Pedro.


Museo Nacional de Arte Decorativo

Av. del Libertador 1902
C.A.B.A.
http://www.mnad.org/

ART GODOY Feria de arte

(Buenos Aires)
El martes 3 de julio a las 20 hs inaugura con un cocktail ART GODOY, feria de arte en donde participan más de 40 artistas contemporáneos, presentando diversas disciplinas como; pintura, collage, escultura, fotografía, muebles intervenidos y más.


Se destacarán obras de reconocidos artistas como; Eduardo Pla, Milo Lockett, Claudio Baldrich, Ginette Reynal y Daniel Genovesi. La nómina continúa con artistas premiados y de trayectoria nacional e internacional como; Marta Vidal, Hilda Catz, Adriana Arceluz, Patricia Martínez, Inés Patrón Costas, Caro Himmel, Malala Bullrich, Sergio Levin, Paola Girimonti, Matías Olivera Avellanda, Magdalena Castilla Sastre, Laura Grauman, Marizú Terza, Ignacio Alperín, Ale Besano, Patricia Indij, Debora Jabif, Matías Romano, Judy Potap, Mariano Tello, Enrique Hollmann y Gustavo Campos. A este importante listado, se suma una interesante propuesta de artistas jóvenes y emergentes; Sole Demaría, Cony La Greca, Fiona González Devoto, Pepo Reboratti, Paula Morgan, Victoria Nava, Mariana Brochard, Marilu Santa Coloma, Jazmín Donaldson, Noelia López, Lulú Peluffo, Daniela Chinkies, Gaby Perez, Andrés Pradere, Alejandra Martin, Pablo Frezza y Nicolás Monti.

La propuesta es muy original en su formato al ofrecer la posibilidad al público que visite la muestra de quedarse a comer en el Restaurant Godoy, que se encuentra en el salón contiguo a la exposición, y luego disfrutar y bailar al ritmo de los sonidos del DJ residente.

L a muestra fue declarada de Interés Cultural por la Municipalidad de San Isidro.



Coordinación General:



Verónica Quintana y Grace Grisolía

info@globalartgroup.com

Muestra: Motos de carrera en el Museo Nacional de Arte Decorativo

(Buenos Aires)

El 4 de julio se inaugura la muestra

Motos de Carrera

Los años del vértigo: 1970 -1980
Colección Scalise

en el Museo Nacional de Arte Decorativo
En esta muestra se exhiben motos de la Colección Scalise, familia emblemática dentro del motociclismo quien ha impulsado y desarrollado este deporte en la Argentina, organizando campeonatos nacionales y regionales, además de desempeñarse en el área empresarial con la producción de motos de marcas nacionales e internacionales.
Presidente histórico del CAMOD - Confederación Argentina de Motociclismo Deportivo - y Directivo de la FIM - Federación Internacional de Motociclismo - expandió las fronteras argentinas trayendo el Moto GP Internacional, a la vez que apadrinó a reconocidos pilotos argentinos en el mundo como Hugo Vigneti, Rene Zanatta, Walter Catania, Néstor Amoroso, Sebastián Porto, Matías Ríos y Tati Mercado.
Hablar de motos no exime hablar de pasión. No sólo por las piezas en sí, sino también por todo el mundo que las rodea: sus pilotos, sus mecánicos, sus ingenieros. Cada una de las motos exhibidas, además de haber sido concebidas casi de manera artesanal tienen un éxito en su haber y un sinnúmero de anécdotas, recuerdos, alegrías y tristezas que constituyen su historia. Cada una fue un símbolo de su momento y ha marcado un hito importante en la historia del motociclismo mundial.


El público visitante podrá recorrer esta muestra y adentrarse en el mundo del motociclismo que esta interesante colección le acerca.

Hasta el 2 de septiembre de 2012.

Horario: Martes a domingos 14 a 19 hs.
Entrada $ 5

Estudiantes con acreditación – Jubilados con carnet / recibo $ 3.-
Menores de 12 años gratis
Martes entrada libre





















Museo Nacional de Arte Decorativo

Av. del Libertador 1902
C1425 AAS CABA
Tel 4801-8248; 4806-8306





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Noé, visiones/re-visiones en el MUNTREF

Luis Felipe Noé 

(Buenos Aires)

Inauguró hoy una gran muestra retrospectiva del artista argentino Luis Felipe Noé (Buenos Aires, 1933). Formado en el taller de Horacio Butler, vivió en París y Nueva York, Entre 1961 y 1965 formó parte del grupo conocido como Nueva Figuración Argentina integrado también por Ernesto Deira, Rómulo Macció y Jorge de la Vega. Fueron invitados a participar del Premio Internacional Guggenheim en 1964 y se les rindió homenaje en la sección histórica de la Bienal de San Pablo en 1985. Ha recibido entre otros premios, el Premio Nacional Di Tella (1963), becas del gobierno de Francia (1961) y de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation (1965 y 1966).
Ha realizado desde 1959 cerca de cien exposiciones individuales.
Luis Felipe Noé abandonó durante un tiempo la pintura y eligió el libro panfletario como expresión directa de su protesta, como por ejemplo Una sociedad colonial avanzada, editado en 1972. (1).
En 1995 y en 1996 realizó dos muestras retrospectivas en el Museo Nacional de Bellas Artes, México DF, respectivamente, y en el 2010 en el Museo de Arte de Río de Janeiro , Brasil. Representó a la Argentina en la 53º Exposición Internacional de Arte de Venecia (2009).
Por su trayectoria le han otorgado el Gran Premio de Honor del Fondo Nacional de las Artes (1997), el Konex de Brillanate a las Artes Visuales (2009), y el Premio Homenaje del Banco Central de la República Argentina (2009). La Legislatura de la Ciudad Autónoma de la Ciudad de Buenos Aires lo declaró Ciudadano Ilustre (2006). Ha publicado varios libros; el primero, Antiestética (1965) y el último, Noescritos sobre eso que se llama arte (2007).

(1) Fermín Fevre, La crisis de las vanguardias, Centro Editor de América Latina

Palabras del Rector de la Untref Aníbal Jozami:

"A lo largo de varias décadas, Luis Felipe Noé ha sido un protagonista destacado del arte y de la escena sociopolítica argentina por su meritoria, activa y comprometida trayectoria. Fue uno de los artífices de la nueva figuración en los años sesenta, pero ese fue solo el comienzo. Ha sido una presencia constante desde entonces ya que su creatividad fue y es incesante. Su envío en representación de nuestro país a la Bienal de Venecia así lo demostró.


Cuando decidimos plantearle la idea de una retrospectiva, volvimos a comprobar su resistencia a los encasillamientos tradicionales y es así que la muestra que hoy presentamos resulta de un diálogo entre un equipo curatorial integrado por Eduardo Stupía, Cecilia Ivanchevich, Diana Wechsler y el propio artista. Esto nos aleja del convencionalismo y nos permite presentar una muestra que revela una trayectoria y, fundamentalmente, las vivencias, el presente y el futuro al que se encamina nuestro artista.

El resultado de la experiencia es esta exposición y el libro que honran a nuestra universidad y a nuestro museo por la calidad de las obras aquí reunidas, la originalidad del planteo curatorial y el gran interés que considero que la muestra tendrá para la comunidad artística y para quienes son en parte nuestros destinatarios privilegiados, el público del conurbano bonaerense, con quien venimos transitando ya diez años de construcción de este espacio de arte y cultura para todos".

ANÍBAL Y. JOZAMI / RECTOR UNTREF















"Toda muestra dedicada a un solo artista tiene –por presencia u omisión- algo del orden de lo biográfico. Con frecuencia, la mediación del curador y el presupuesto de ordenamiento cronológico como instrumento narrativo capaz de dar sentido a un recorrido artístico, suelen reforzar esta posición. Pero no es éste el caso.

Aquí lo biográfico se torna (auto) biográfico ya que la figura del artista-autor-actor se sobreimprime con la del curador quien, en diálogo con Eduardo Stupía, Cecilia Ivanchevich y conmigo, fue estableciendo este proyecto expositivo destinado a presentar una reunión peculiar de obras, que es posible definir en la reivindicación (histórica) de un presente continuo.

No se trata de una mirada retrospectiva, ni tampoco de una selección a modo de compendio o miscelánea. La clave es el montaje. Cada pieza se sitúa con la otra, transgrediendo el orden del tiempo y resituándose entre las ideas, produciendo así un nuevo espacio de pensamiento, a partir de un nuevo diálogo entre fragmentos escogidos.

Noé sigue develando sus visiones. Trabaja también, como en esta muestra, con la posibilidad de la re-visión, con las que se construyen e iluminan nuevas redes de significaciones: he aquí el carácter singular de esta selección una, entre otras posibles.

Este ensayo curatorial destinado a exponer la obra de un artista de vastísima trayectoria, reniega de los formatos convencionales de las retrospectivas o antológicas. Elige en cambio, establecer un recorrido a partir de obras de los últimos diez años para montarlas en diálogo con algunas otras, de distintos momentos anteriores, invitando a cada espectador a encontrar en la observación de este conjunto, las huellas del poderoso pensamiento plástico de Noé".

DIANA B. WECHSLER

"La decisión curatorial bajo la cual se despliega esta muestra es menos una ocurrencia de los responsables que la inexorable consecuencia de la actitud del artista, que se lleva por delante, a fuerza de prepotencia de trabajo y lucidez mental, todo intento de someterlo a las tranquilizantes normativas, al canto de sirenas del dogma epocal. En ese sentido, la decisión de mostrar selectivamente piezas de su producción de la última década, prologadas por la presencia de relevantes cuadros anteriores, tiene que ver no con el tiempo, sino con el establecimiento de un espacio. No se trata de proponer los ordenados segmentos de la periodicidad temporal como una manera de revelar la presunta progresión de una obra, sino de delimitar un territorio, una geografía de mutaciones, rupturas, idas y vueltas, flujos y reflujos, resonancias y disonancias. La topografía del país Noé es, como en las ruinas circulares de Borges, al mismo tiempo el mundo y el mapa del mundo; cada cuadro es el accidente geográfico –rico en estratos geológicos, en cimas y abismos, en remansos y catástrofes– de una tierra apenas explorada, y simultáneamente, su cartografía y su representación".

EDUARDO STUPÍA



La muestra se puede ver de lunes a domingos y feriados de 11 a 20 en el MUNTREF con entrada gratuita.

viernes 18,30, sábados 15,30 y 17hs.: visitas participativas

Valentín Gómez 4838 - Caseros, Pcia. de Buenos Aires, (frente a estación).

4759-3528/3578/0040

museo@untref.edu.ar
imágenes:

(de arriba hacia abajo):

Luis Felipe Noé: Ladra el ladrón ladrado, Eh Winckelmann ¿dónde están los dioses griegos?, Esto no tiene nombre, Crimen en la noche suburbana, La naturaleza y los mitos, Wittgestein, este es el caso, El estricto orden de las cosas

fotografía: Luis Felipe Noé

Arte latinoamericano 1945-1990 en el Malba

Wanda Pimentel

Annemarie Heinrich

Lucio Fontana

Rogelio Polesello

Oscar Bony

Hélio Oiticica

Horacio Coppola

Ernesto Deira

Ricardo Garabito

Anatole Saderman

Abraham Palatnik

Gyula Kosice

Lucio Fontana

(Buenos Aires)

En la Sala 2 (primer piso) el Malba expone una nueva puesta de su colección permanente de arte latinoamericano. La exhibición estará hasta el 24 de septiembre de este año.
 El nuevo recorrido comienza en 1945 con manifestaciones del arte concreto y no figurativo de la época, hasta llegar a las tendencias pictóricas y conceptuales de la década del 90. Se incluyen más de 120 obras, entre pinturas, dibujos, esculturas, objetos, instalaciones y videos.
El nuevo guión curatorial -desarrollado por Marcelo Pacheco, curador en Jefe de Malba parte de las primeras tendencias no figurativas y del arte concreto de los años 40 en la región. Continúa con el informalismo y el arte óptico y cinético, luego con las propuestas de la Nueva Figuración, el conceptualismo y el minimalismo de los años 60 y 70, hasta llegar al regreso a la de la pintura de los años 80 y las propuestas más contemporáneas de los 90’.
La presentación de la colección permanente varía de acuerdo a la dinámica del Programa Anual de Adquisiciones y a las generosas donaciones y comodatos confiados al museo. En esta ocasión, el grupo de obras más emblemáticas de la colección de Malba se expondrá en conjunto por primera vez en Estados Unidos en el Museum of Fine Arts, Houston (MFAH) de abril a octubre de 2012, como parte del convenio de colaboración entre ambas instituciones. Por esta razón, el museo reorganizó la exposición del patrimonio con esta nueva propuesta, que revela otras piezas del acervo, además de importantes obras recibidas en comodato de colecciones particulares.

Al recorrido de la colección se integran obras en comodato, como es ya una práctica habitual en el museo. En esta exposición se destacan Concetto Spaziale (1962), de Lucio Fontana y Trama con lentes cóncavos (1969) de Rogelio Polesello, pertenecientes a la colección personal de Eduardo F. Costantini; y las obras Maniquíes vivientes o Las modelos (1975) de Antonio Berni -que no está exhibido al público desde hace varios años-, y Sin título (ca. 1960), de Antonio Seguí, ambos de una colección privada.

Núcleos temáticos y artistas representados


La exposición se divide en tres núcleos temáticos: Fotografía moderna, variantes del arte concreto, arte óptico y cinético; Informalismo y Espacialismo, Nueva figuración, instalaciones, ambientaciones y videos; y Arte pop, conceptualismo, minimalismo y el regreso a la pintura.

I - Fotografía moderna, variantes del arte concreto, arte óptico y cinético

A comienzos del siglo XX la fotografía y las tendencias abstractas y no figurativas en las artes plásticas se presentaron, a nivel internacional, como alternativas a la imitación de la realidad y al ilusionismo de la pintura cultivado en los siglos anteriores, y de esta manera comenzaron a cuestionar el concepto del cuadro como “ventana del mundo”.

Mientras el medio fotográfico se consolidaba reelaborando los géneros pictóricos –retratos, paisajes y naturalezas muertas-, y documentaba el dinamismo de la vida moderna y el crecimiento urbano, la fotografía como disciplina comenzaba a integrarse al proceso de renovación artística. Las instantáneas de Horacio Coppola, Grete Stern, Annemarie Heinrich y Anatole Saderman documentan los cambios de la vida moderna. A mediados de los 40, Buenos Aires se convirtió en uno de los centros más activos del arte concreto y sus variaciones. Madí, Asociación Arte Concreto Invención y Perceptismo son los tres grupos que plantearon la realización de sus obras con los elementos puros del lenguaje visual: formas, colores, líneas y planos. También reemplazaron el marco tradicional de la pintura por contornos irregulares y recortados; inventaron “esculturas” articuladas y transformables y “pinturas-objeto”, volúmenes y móviles y recurrieron a materiales industriales como esmaltes, vidrio y baquelita, entre tantos otros.
Artistas rioplatenses como Juan Melé, Rhod Rothfuss, Enio Iommi, Gyula Kosice y Carmelo Arden Quin generan un arte ni figurativo ni abstracto: concreto. En Brasil la respuesta neoconcreta en las obras de Lygia Clark y Hélio Oiticica, entre otros, acercan la brecha entre el arte y la vida.
En los años 50, en París, pero con una mayoría de artistas latinoamericanos, surgieron el arte óptico y el arte cinético. Artistas como Julio Le Parc, Ary Brizzi, Gregorio Vardánega, Martha Boto y Alejandro Otero proponían obras que permitían movimiento virtual o real, en las que el espectador pudiera participar del proceso temporal y de una experiencia estética transformadora. Algunas obras exigían desplazarse para producir sensación visual de movimiento, pulsar botones, tocar palancas o girar manivelas para poner en funcionamiento móviles, máquinas, o cajas con efectos sorpresa.

II- Informalismo y Espacialismo; Nueva figuración, instalaciones, ambientaciones y videos

A fines de la década del 50 triunfaba internacionalmente el movimiento pictórico informalista. A diferencia del arte concreto, el informalismo retomaba una abstracción subjetiva, caracterizada por la impronta del gesto, el uso de la materia sobre la superficie de la pintura en azarosos chorreados, brochazos, salpicados, y la aplicación de vidrios, telas, papeles, arena y pigmentos para crear texturas y relieves reales sobre los soportes. Características de este período son las obras de Kenneth Kemble, Franz Kracjberg y Clorindo Testa.
En la década siguiente, la Nueva figuración propuso una reconversión de la pintura figurativa desde la reaparición de la figura humana en medio del entramado abstracto de lo pictórico y del caos de la materia heredados del informalismo. Las pinturas del histórico grupo conformado por Jorge de la Vega, Rómulo Macció, Ernesto Deira y Luis Felipe Noé, están reunidas en este núcleo singular.
Entre 1949 y 1959 Lucio Fontana propuso, con una poética personal, una serie de agujeros y tajos sobre las telas, creando el Espacialismo. El soporte quedó atravesado por el gesto del artista, inaugurando un sentido diferente para la obra de arte. Se marcaba el fin del cuadro construido por la narrativa moderna.
Los años 60 constituyen en las artes visuales el cierre de la modernidad y el inicio del arte contemporáneo. La crítica y los artistas hablan de “la muerte de la pintura” y del “fin del arte”. Con el cambio de época la pintura y la escultura dejan de reinar sobre las “bellas artes”. Surgen disciplinas, medios y soportes nuevos: objetos, construcciones, performances, ensamblados, happenings, instalaciones, videos, ambientaciones, intervenciones y recorridos. Las obras dejan de parecer “obras de arte”: los artistas pueden prescindir del virtuosismo en la imitación de la realidad y trabajan operando sobre dicha realidad, sobre elementos cotidianos, industriales, desechos, palabras y textos; realizan acciones urbanas o en la naturaleza, registros fotográficos y fílmicos, proponen experiencias corporales y sensoriales para el espectador y hasta buscan producir efectos terapéuticos. Obras de los artistas Rogelio Polesello y Oscar Bony, son ejemplos clave de estas tendencias.

III- Arte pop, conceptualismo, minimalismo y el regreso a la pintura

Las décadas del 60 y 70 se identifican por las tendencias del arte pop, el arte conceptual, el hiperrealismo y el minimalismo. Las propuestas visuales surgen a partir de la observación alerta y crítica del mundo común, de lo doméstico o popular, y en especial, de la sociedad de consumo. Las obras conceptuales y minimalistas pueden tener cualquier materialidad, desde inmateriales ideas y conceptos en proceso hasta las grandes estructuras industriales y “recorribles” del minimalismo, dos variantes que coinciden en la pérdida de la huella del artista y que más que producir placer en la contemplación, estimulan la generación de un pensamiento.
Por otra parte, las obras de arte pop y del hiperrealismo superan el realismo fotográfico desde una postura de novedosa ironía, una suerte de “realismo exagerado”, con una iconografía muy reconocible, extraída de la vida cotidiana. Artistas como Wanda Pimentel, Antonio Berni, Luis Fernando Benedit y Jorge de la Vega representan a la década con sus manifestaciones pictóricas, mientras las instalaciones de Oscar Bony, Victor Grippo, y Alejandro Puente se organizan en el espacio.

Desde principios de los años 80, la discusión sobre temas como la desmaterialización de la obra de arte y las nuevas relaciones entre arte y política se radicaliza y, el regreso a la pintura como tendencia internacional impacta sobre la escena artística. La Transvanguardia italiana y el BadPainting (Mala pintura) en los Estados Unidos, entre otros, ponen en circulación grandes telas cubiertas de rostros e imágenes pictóricas que combinan códigos del cine, el teatro, la literatura, la música, la danza, los grafittis urbanos y los estudios de género. La escena latinoamericana muestra sus propias variantes, una pintura ligada, por momentos a las neovanguardias del internacionalismo, pero siempre en tensión y en compromiso con sus marcos de referencia tanto culturales como históricos y sociales. Las pinturas de Guillermo Kuitca, Liliana Porter y Ricardo Garabito están en sintonía con este momento de retorno a lo pictórico.

La colección permanente cuenta con el apoyo de Bloomberg

http://www.malba.org.ar/