Blog de la Revista digital de cultura Archivos del Sur desde Buenos Aires -dedicado a las muestras de arte, fotografía,pintura Año 21 - Edición 257 - septiebre de 2022 - Registro de la propiedad intelectual Nro. 55060538- Revista Archivos del Sur es propiedad de Araceli Isabel Otamendi -Directora-Editora Araceli Isabel Otamendi
martes, 5 de abril de 2016
Mitos, leyendas e invenciones: Osvaldo Cipriani por Rosario Valcárcel
(Las Palmas de Gran Canaria) Rosario Valcárcel
El arte no es más que una tontería, escribe Breton, parafraseando a Rimbaud, si no concierne a
producir objetos bellos. Osvaldo Cipriani es un fotógrafo, un creador
que se asoma al mundo y lo interpreta a través de su cámara. Un artista que experimenta
con la realidad, y a través de ella realiza montajes que se convierten en sugerencias y destellos
líricos. Un fotógrafo al que le gusta cortejar el alma de la poesía, la creación cargada de alegorías
y referencias mitológicas. Un artista que crea imágenes surrealistas, sensuales, oníricas.
En esta colección, titulada Mitos, Leyendas e Invenciones, ha tratado de plasmar, como él bien dice,
momentos descritos o imaginados que tuvieron relación con los antiguos, mitos que forjaron nuestra
historia y nuestras sociedades. Y nos ofrece montajes fotográficos, composiciones articulados de un
Universo repleto de tonalidades y dramatismo, en el que evoca de una forma casi teatral la estructura
del mundo clásico. La cultura común a mitos y pasajes religiosos, leyendas y tradiciones, en donde
los protagonistas son dioses o héroes. Refleja las coincidencias de todas las culturas inclusive las
humanas. Quizás, porque los seres humanos seguimos teniendo la necesidad de reflejar la Humanidad
que nos ha rodeado y nos rodea en historias alegóricas. Nos muestra referencias Bíblicas, el vino y
el pan como dador de vida, el retorno al principio del Universo y la expansión de África.
El antiguo Egipto simbolizado en la arqueología y momias y el animal sagrado: el gato.
Y la Tierra como Paraíso, la tentación y el pecado y Eros y Thanatós. Los minaretes, las cruces
cristianas y las egipcias. Representa la violencia de género y la intolerancia, la mujer sometida. Y nos
sumerge en el túnel infernal de la Apocalipsis, en la Tierra que se rebela y el desastre nuclear. El
ángel castigador y la destrucción y la muerte que apacentó Hermes, el dios del Inframundo, dejando
tras de sí, máscaras y calaveras, el éxtasis de los finales: Guerra, hambre y epidemias.
Nos presenta deidades y dioses, derrotados pero invencibles, como el nacimiento de Dyonisio y la
Venus encadenada, o a Tetis pariendo a Aquiles en el murmullo de la Laguna de Estigia y el Retorno
a la Diosa Madre.
Aunque la mayor parte de la obra que hoy expone Osvaldo Cipriani gira en torno a la sexualidad,
al concepto de lo femenino, la estética y la sensualidad del desnudo repleto de fondos oscuros
con un cielo sibilino.
Hace un homenaje a los grandes de la pintura, a los relojes, el huevo y a la eterna Gala
de Dali, a La Gioconda juguetona y a los inventos de Leonardo de Vinci, a Chagall, a los contextos
amorosos e idealizados del Jardín de las Delicias del Bosco,a la isla flotante de Magritte y a muchos
otros. Osvaldo Cipriani nace en Bahía blanca, Argentina y desde muy joven comienza a trabajar en la
fotografía. Concluye sus estudios en la Escuela de Arte Dramático de Bahía Blanca. Ha trabajado en
reportajes sociales, periodísticos y científicos; fotógrafo en locales nocturnos, publicidad, retratos en
plató, fotos de ballet, música y teatro. Y ha dedicado más de treinta años a la enseñanza de la
fotografía. Ha expuesto en varias partes del mundo, como España, Italia, Francia, Argentina, Corea
o China.
Una exposición que ha sido dirigida por el curador Diego Casimiro. Pueden visitarla en el
Centro Comercial El Muelle desde día 31 de marzo al 17 de abril de 14 a 21 horas. Osvaldo Cipriani
transmuta la realidad, juega con el culto de los sentidos, nos manifiesta la condición humana, así
como el espíritu de la cultura de todos los tiempos. Y lo realiza a través de sus composiciones,
imágenes repletas de los delirios y los sueños de esa faceta sagrada y espiritual que abarca Mitos,
Leyendas e Invenciones.
(c) Rosario Valcárcel
Las Palmas de Gran Canaria
España
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sábado, 2 de abril de 2016
Premio UNTREF a las artes electrónicas - 2a. edición
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| Aníbal Jozami en el centro, Ricardo Blanco a su izquierda, y los ganadores del Premio UNTREF a las artes electrónicas junto a Jorge La Ferla |
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| Rizosfera FM. 2016 |
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| Ritual Opus I - Sebastián Pasquel Instalación mecanismo autómata |
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| Rizosfera FM |
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| el rector de la UNTREF Aníbal Jozami, Diana Wechsler, Ricardo Blanco, Mariela Yeregui |
(Buenos Aires)
El jueves 31 de marzo se presentó en el MUNTREF el Premio a las artes electrónicas con la presencia de artistas, alumnos, profesores, invitados, críticos, periodistas.
El jurado de selección estuvo a cargo de Mariela Yeregui, Leonel Zambón y Augusto Zanela y el Comité de Premiación a cargo de Ricardo Blanco, el rector de la Universidad Nacional de Tres de Febrero, Aníbal Jozami y Jorge La Ferla; la coordinación fue de Mariela Yeregui.
Los artistas seleccionados fueron Colectivo53: José María Casanova y Emmanuel
René Florance; Colectivo Electrobiota: Gabriela Munguía y Guadalupe Chávez;
y Kevin Kripper, Leo Nuñez, Sebastián Passquel, Darío Sacco Claudia Valente
y Giussepina Vignola.
El comité de premiación otorgó el primer premio al Colectivo Electrobiota, por
la obra Rizosfera FM 2016.
Rizosfera 2016
Es un laboratorio de experimentación y exploración, sobre nuevos y posibles diálogos interespecies. Este proyecto consiste en una intervención en el espacio público y una
instalación sonora y propone la apropiación de frecuencias radiofónicas FM.
Estas son utilizadas como una gran red híbrida que sintoniza, expande y reconecta las diversas voces en potencia de las formas vivas habitantes de los sensibles interconectados microterritorios rizosféricos de la estación ferrroviaria de la localidad de Caseros, con otras especies fragmentadas y domesticadas dentro de los espacios urbanizados. Este proyecto está conformado a partir de la interconexión de elementos biológico electrónicos y sonoros, que interactúan y dialogan íntimamente , a manera de un complejo sistema radiofónico orgánico vivo, el cual se retroalimenta de los procesos e intercambios orgánicos y geoquímicos de los seres que habitan la rizosfera. Sutiles voces que se expresan como constantes vibraciones bajo la tierra a espera de su escucha.
"Desde sus inicios, la Universidad Nacional de Tres de Febrero se ha planteado el objetivo de ocupar espacios de vacancia en el panorama educativo argentino, así como de fomentar el desarrollo de nuevas disciplinas.
Esto se cumplimentó en diferentes áreas académicas y, gracias a la propuesta que nos acercara Norberto Griffa, se extendió atambién a la creación de un espacio para la formación y la investigación en artes electrónicas.
Así es como la universidad se constituyó como uno de los pilares del arte electrónico de Argentina y de América del Sur. Gran parte de los artistas que participan representando a nuestro país en diferentes certámenes internacionales son alumnos graduados o profesores de Untref....".
Aníbal Jozami
Rector de la UNTREF/Director del MUNTREF
hasta el 13 de mayo, de lunes a domingos de 11 a 20
entradas gratuita
en el MUNTREF - Sede Caseros
Valentín Gómez 4838, Caseros, Provincia de Buenos Aires
visitas participativas para familias:
sábados a las 15,30 y 17, domingos 16,30
taller para niños: sábados a las 16
visitas participativas para instituciones:
lunes a viernes a las 9, 10,30; 13,30 y 15, solicitar turnos
4750-3528, 3578/0040 int. 4
sábado, 26 de marzo de 2016
Color y paisaje, Arsenio Morales por Rosario Valcárcel
(Las Palmas de Gran Canaria) Rosario Valcárcel
La Palma no es soledad.
Es la cabeza de puente
que sobre los océanos
tendieron los continentes
Pedro García Cabrera
Entre el paisaje de La Palma y Arsenio Morales se produce un encuentro, una mezcla entre elementos naturales e imaginación pictórica, que le permite expresar un mundo idealizado, composiciones repletas de color, retales panorámicos en donde sus temas son un mero pretexto para desarrollar el paisaje de la isla que se convierte en el protagonista principal de sus composiciones.
Arsenio y su mujer Made, nos cuentan que se adentran con su cámara fotográfica en lo recóndito de la isla, en los lugares cercanos y en los no accesibles, y que él con paciencia elige el lugar, el momento adecuado, el día para captar trazos de un instante. E igual que los poetas, despoja al paisaje de todo lo que no responde a su observación, e imagina desde la realidad, lo que el paisaje le provoca y capta los fragmentos, la esencia. Y con un tono postimpresionista, capta solo lo que pertenece a Arsenio Morales.
Y nos muestra desde el día 17 marzo al 27 en la Real Sociedad Aridane de la Isla de La Palma una veintena de obras al óleo con espátula sobre lienzo, y lo hace casi en su totalidad con una paleta en tonos fríos, azules y verdes que divergen con los intensos amarillos rojos y ocres, o naranjas de los castaños en otoño, consiguiendo transmitir con fuerza lo esencial, lo real, el entorno que lo rodea, los sentimientos y las emociones, el silencio y el misterio, la fugacidad, la idea del color
Recreando el carácter fantástico de la isla, mezclando lo existente con lo imaginado, en cortos y en grandes formatos, como el ímpetu expresivo de castaños, o un grupo de casitas. O el imponente macizo del Bejenado bajo la influencia del mar de nubes que se hunden en el vientre de la lejanía y la masa forestal del pinar, y senderos de flores y almendros. Y el mágico grupo de ramajes que parecen meditar inclinados ante el indescriptible paisaje, situados en primer término del bosque de Los Tilos.
Pero como dice Tomás Morales el mar es también elemento fundamental del paisaje por lo que el pintor recrea también la bahía y el horizonte y la costa escarpada y el acantilado, el océano que se aventura, que bate con furia y forma espumarajos al golpear y golpear el muro. La deliciosa gama de blancos y azules, que infunden un atractivo especial a sus obras.
La obra de Arsenio Morales, desde su época de formación hasta sus últimas exposiciones, la pueden también contemplar en su blog: arseniomorales.wordpress.com, certámenes colectivos realizados en estos años en la isla de La Palma. Así como su participación en la muestra internacional "Las dos Fridas, 1939. 75 aniversario Las Palmas de Gran Canaria", comisariado por Diego Casimiro. Un blog interesante donde intercala pintura con poemas de escritores, la mayoría de Canarias y de forma especial de nuestra isla de La Palma.
Arsenio cultiva el óleo y colabora con dibujos para ilustraciones de libros. Y en la pasada exposición, hace ya tres años, también nos dio a conocer una faceta lúdica que maneja con soltura, una apertura hacia los nuevos caminos de la imagen: el collage. Un trabajo realizado con cartulinas donde exalta los contrastes cromáticos. Una práctica que para el pintor supone cerrar los ojos a lo previsible, porque él igual que un niño, rescata escenas, y libera la sorpresa del hechizo en un expresionismo abstracto.
En definitiva, la pintura de Arsenio Morales forma parte de su vida, de la inmensa sinfonía del mundo, que abarca la ternura de un paisaje que se hunde en sombras y en plenitudes de luz. De un paisaje que es parte de nuestra personalidad.
(c) Rosario Valcárcel
Las Palmas de Gran Canaria
España
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miércoles, 16 de marzo de 2016
Se presentó el nuevo catálogo del Museo Benito Quinquela Martín
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| tapa del catálogo |
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| edificio del Museo y Escuela |
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| Benito Quinquela Martín, Veleros reunidos |
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| Alfredo Lazzari, Olavarría e Irala |
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| visita guiada por la Sala de Mascarones de Proa |
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| grabados y dibujos de Benito Quinquela Martín |
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| acto de presentación del catálogo |
(Buenos Aires)
El sábado 12 de marzo se presentó ante el público el nuevo catálogo del Museo
Benito Quinquela Martin ubicado en el barrio de La Boca y fundado por el reconocido pintor.
También se realizaron visitas guiadas por las distintas salas del museo, destacando las caracterís-
ticas de la colección.
La obra testimonia la amplia colección del artista compuesta por obras de pintores y escultores
argentinos. El Museo está emplazado frente al Riachuelo y forma parte de una Unidad
cultural (Escuela Museo- Museo Benito Quinquela Martín - Teatro de la Ribera - Lactario
Municipal - Jardín de Infantes - Hospital Odontológico - Escuela de Artes Gráficas).
Además, Quinquela instaló su vivienda y taller en uno de los pisos del Museo.
La vida de Quinquela que fue abandonado en ex- Casa Cuna y adoptado a los nueve años
por un matrimonio de carboneros del barrio de La Boca, tuvo un giro inesperado para alguien
con una infancia tan desfavorecida, cuando empezó a pintar, lo que atestigua el carácter
resiliente del artista boquense.
Su único maestro fue Alfredo Lazzari. En sus horas libres, Quinquela frecuentaba la biblioteca
y trabó amistad con el joven secretario de la Sociedad de Caldereros, Santiago Stagnaro, quien
influyó sobre toda una generación de artistas boquenses.
"Al comenzar la década de 1930 la figura de Benito Quinquela Martín consolidaba
su dimensión de mito. Ya había exhibido en Madrid, Río de Janeiro, Nueva York, La
Habana, París, Roma y Londres: su obra figuraba en importantísimas colecciones públicas
y privadas alrededor del mundo frecuentaba a las más altas personalidades, y su buen pasar
económico dejaba muy atrás la pobreza de sus orígenes.
Ahora lo reclamaba otro sueño, al que iba a orientar sus esfuerzos durante el resto
de su vida. Según sus propias palabras, iba a "devolverle" al barrio de La Boca parte
de lo que el barrio le había dado; ni más ni menos que identidad y pertenencia. Fue entonces
cuando, donando los terrenos y promoviendo los proyectos necesarios, Quinquela comenzó
a modelar en la Vuelta de Rocha un polo de desarrollo cultural, educativo y sanitario que comenzó
con la creación de una Escuela- Museo y un Museo de Bellas Artes.
El pintor, que había sido embajador cultural del barrio en el mundo, invitaba a la comunidad a
compartir los beneficios de su feliz destino económico promoviendo la actividad artística como
factor del desarrollo social..."
"...[... Dentro de la colección se destaca un conjunto de obras que, excediendo las búsquedas
plásticas, pone el acento en preocupantes cuestiones sociales. El museo, enclavado en el corazón
del barrio trabajador que tenía una larga historia de enfáticas reivindicaciones proletarias y que había
elegido a Alfredo Palacios como primer diputado socialista de América Latina, no podía carecer de
obras de arte que dieran cuenta desde diferentes miradas, de una realidad cotidiana que para las
mayorías eran, por lo menos, preocupante. Realidad que retratan las obras de los Artistas del Pueblo,
quienes desde sus inicios habían frecuentado el ambiente artístico boquense y cultivado amistad con
Quinquela Martín.
quienes desde sus inicios habían frecuentado el ambiente artístico boquense y cultivado amistad con
Quinquela Martín.
Estos artistas, que con sacrificio sostenían su actividad en los márgenes de la ciudad, pugnaron con
las instituciones centrales del campo artístico para legitimar sus producciones en una acción que
llevaba implícita la reivindicación de sus desfavorecidos contextos...]..."
"...[...No podemos dejar de mencionar aquí el carácter de alegato social
de muchas obras del propio Quinquela. Los frecuentes incendios e inundaciones que aquejaban a su
barrio, al igual que distintos registros de la cotidiana adversidad, fueron testimoniados en óleos y
aguafuertes.
encorvados bajo el peso de un duro esfuerzo, que es a la vez esperanza e inmolación...]...).
de La Boca. Los impuse en los edificios levantados en terrenos que doné para obras de beneficio
colectivo o social y que yo mismo decoré; y logré que no pocos vecinos pintaran sus casas de colores, casi siempre eligiendo mi distribución de esos colores. (...) Cuanto hice y cuanto conseguí,
a mi barrio se lo debo. De ahí el impulso irrefrenable que inspiró mis fundaciones, todas ellas afincadas en La Boca. Por eso mis donaciones no las considero tales, sino como devoluciones.
Le devolví a mi barrio buena parte de lo que él me hizo ganar con mi arte...".
miércoles, 2 de marzo de 2016
Una muestra de Claudia Andujar y un proyecto de Juan Tessi abren el calendario 2016 de exposiciones del MALBA
(Buenos Aires)
MALBA abre su calendario de exposiciones 2016 con la serie Marcados de la artista brasileña Claudia Andujar (Neuchâtel, Suiza, 1931), compuesta por un conjunto de más de 80 fotografías blanco y negro. La exposición constituye una celebración de la rica cultura Yanomami y permite ingresar a las complejidades de su mundo.
En la década de 1980, Andujar pasó largas temporadas junto a la tribu de los Yanomami, en la cuenca del río Catrimani, estado de Roraima, Brasil. Allí realizó numerosas fotografías del medio natural y de sus habitantes, y formó parte de las campañas sanitarias que se organizaron en la época para ayudar a la población indígena. En este contexto, junto a los equipos médicos, registró uno por uno a cada individuo con un número colgado del cuello que servía como imagen de las cartillas de vacunación.
Este cuerpo de fotografías, concebidas en principio como un registro de apoyo para las campañas sanitarias, fue expuesto más tarde en publicaciones y espacios de arte, en los que adquirió nuevos y desafiantes significados. La identificación que permitió salvar las vidas de muchos de los Yanomamis contrastaba directamente con la biografía de la propia artista. Muchos de sus familiares y amigos habían sido marcados y asesinados en los campos de concentración de la Alemania nazi.
La serie Marcados fue expuesta por primera vez en la 27ª Bienal de São Paulo "Cómo vivir juntos", en 2006. La exposición contendrá las imágenes de los "marcados", una selección de fotografías documentales de la expedición, cartillas originales y documentos históricos y contextuales.
Claudia Andujar. Marcados continúa la serie de proyectos de MALBA que buscan revisitar la producción de artistas mujeres que no tuvieron suficiente visibilidad en su momento y cuyo trabajo merece nuevas lecturas. El programa comenzó en marzo 2015 con la exposición Annemarie Heinrich. Intenciones secretas y continuó en julio del mismo año con Teresa Burga. Estructuras de aire.
Con la colaboración de la Embajada de Brasil en Buenos Aires.
Claudia Andujar, Neuchatel, Suiza, 1931. Vive y trabaja en Brasil desde 1954.
Andujar pasó su infancia en Rumania y Hungría. Durante la Segunda Guerra Mundial se exilió en Austria junto a su madre, mientras que su padre fue deportado al campo de concentración de Dachau, donde moriría junto a la mayor parte de su familia.
Andujar migró a los Estados Unidos, donde estudió Humanidades en el Hunter College de Nueva York. En 1954, se radicó en Brasil y allí comenzó su carrera como fotoperiodista, con un proyecto sobre los modos de vida de los indios Carajá. A partir de la década del 70, inició su trabajo junto a los indios Yanomami, retratando en sus fotoreportajes los estragos provocados por la depredación forestal y minera y colaborando con la comunidad a través de múltiples iniciativas.
Su fotografía constituye una celebración de la rica cultura de los Yanomami y permite ingresar a las complejidades de su mundo.
Andujar ha contribuido en numerosos proyectos editoriales, documentales y exhibiciones sobre el Amazonas y sus poblaciones indígenas. Su trabajo ha sido expuesto, tanto en exposiciones grupales como individuales, en instituciones como Fondation Cartier, París, Museu de Arte Moderna da Bahia, Salvador, Pinacoteca do Estado de São Paulo, Instituto Tomie Ohtake, San Pablo, Centro Cultural Banco do Brasil, Brasilia, 12ª Bienal de Estambul.
Conferencia inaugural
Conversación con la artista
Participan: Claudia Andujar, Agustín Pérez Rubio y Valeria González
Jueves 3 de marzo, 18:00
Auditorio. Entrada libre y gratuita hasta agotar la capacidad de la sala.
Conferencia organizada en colaboración con Buenos Aires Photo.
Y también mañana MALBA presenta Cameo, un proyecto específico del artista Juan Tessi (Lima, Perú 1972) pensado especialmente para intervenir el edificio del museo. Se trata de una y dos exhibiciones al mismo tiempo, que investigan la relación de la pintura con el cuerpo, los sistemas de regulación y distribución de imágenes, y el paso del tiempo como material pictórico.
En la primera parte de la exhibición (del 4 de marzo al 14 de abril), las pinturas del artista se encuentran ubicadas en espacios poco convencionales del museo (el garaje, las terrazas y el espacio exterior del edificio) y son filmadas por doce cámaras de seguridad. La sala se transforma así en un centro de monitoreo, que muestra las diferentes capturas de esas cámaras en tiempo real. "Ejercicio de atomización y concentración, las pinturas aparecen físicamente desplegadas en el museo, mientras que las imágenes que se toman de ellas se concentran en la sala, convertida en una réplica del panóptico de las garitas de seguridad, que reúnen en simultáneo lo que ocurre en espacios alejados entre sí con el objetivo de monitorear, vigilar y proteger aquello que se observa", explica la curadora.
Quien visite la exposición verá algo así como un reality: la vida en vivo que llevan las pinturas, su relación con el espacio circundante y la gente que las contempla. Para Palacios: "Si gran parte del trabajo reciente de Juan Tessi investiga la relación de la superficie pictórica con la epidermis y la pintura con el cuerpo, las obras dentro del museo insisten sobre estos temas y se proponen como personificaciones. Es decir: cada una de las pinturas realiza también sus propias acciones, miran y participan del transcurrir cotidiano del museo y sufren trasformaciones con el paso del tiempo".
Durante la primera etapa de Cameo se desarrollará un programa de acciones y conferencias en la misma sala de exhibición, que incluirá visitas guiadas por los espacios de acceso restringido al público, encuentros con técnicos informáticos y conferencias con especialistas de seguridad, filósofos, teóricos y artistas, que activarán la muestra.
Parte II – Concentración
En la segunda parte (del 14 de abril al 27 de junio), las pinturas ingresarán a la sala. Allí, serán expuestas junto con las prótesis que les sirvieron para adosarse a las paredes o para moverse dentro del museo. También se proyectará un video con una selección de los registros de las cámaras de seguridad, realizada por el artista. La película dará cuenta del paso de las pinturas por el museo: los rastros de sus antiguas ubicaciones y el diálogo que establecieron con el espacio y con quienes las observaron.
Juan Tessi
Lima, Perú 1972. Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina
En 1989 estudia pintura con Ricardo Garabito. En 1991 obtiene una beca para estudiar en el Maryland Institute, College of Art en la ciudad de Baltimore. En 1994 recibe un BFA con especialidad en pintura. El mismo año participa del Yale Norfolk Summer Residence. Regresa a la Argentina en 1998 donde comienza a mostrar individual y grupalmente, dentro y fuera del país. En 2010 participa de la Beca Kuitca/ UTDT. Muestras grupales: Fondo Absolutamente Oscuro del Espacio Libre, Fundación Klemm, Algunos Artistas, Fundación Proa (2013), Plano, Peso, Punto y Medida, UTDT; LXV Salón Nacional de Rosario, Museo Castagnino (2011). Elogio da diversidades. Galeria Antonio Berni O Instituto Brasil – Argentina. (2010) Cuentos Para No dormir, FNA; Obsession for Collection, Summerfield Gallery, University of Gloucestershire (2009),700 % PLUS - Kbh Kunsthal_Centenniale, Copenhagen (2006), V Bienal do Mercosul (2005) Onírico y Privado, Fundación Telefonica (2004). Ha realizado muestras individuales en Miau Miau, Braga Menéndez, y el Centro Cultural Ricardo Rojas - Buenos Aires, Casa Triangulo - Sao Paulo, Alexandre Pollazzon – Londres, MK Galerie – Rotterdam, Galería Moro – Santiago, Chile. Desde 2009, junto con Cristina Schiavi, organiza y coordina el espacio no comercial Mark Morgan Perez Garage.
http://www.malba.org.ar/
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martes, 16 de febrero de 2016
Poemas de Beatriz H. Ramos Amaral y de Elza Ramos Amaral en exposición Imagem & Haicai
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| Beatriz Helena Ramos Amaral |
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| Museo Histórico Paulo Setúbal - Tatui, San Pablo |
(Buenos Aires)
Poemas de Beatriz Helena Ramos Amaral y de su madre Elza Ramos Amaral, integran la exposición "Imagem & Haicai" que reúne obras de artistas plásticos brasileros y poetas latinoamericanos y japoneses en una exposición itinerante auspiciada por la Fundación Memorial de América Latina, en el Museo Histórico Paulo Setúbal, Municipio de Tatuí, San Pablo. La entrada es libre y se podrá visitar hasta el 6 de marzo de 2016.
Esta muestra estuvo abierta antes en San Pablo entre el 31 de agosto hasta septiembre de 2015.
El proyecto fue concebido por Altina Felício y la curaduría de poetas es de Carlos Roberto Bueno.
Beatriz Helena Ramos Amaral ha publicado diez libros de diversos géneros como poesía, ensayo, novela y teoría literaria. También ha realizado ponencias sobre su producción literaria y sobre la obra de Edgard Braga. Su madre, Elza Ramos Amaral, ya fallecida, fue poeta, cronista y cuentista. Publicó cinco libros, uno de ellos en colaboración con su hija. Estudió música y piano y se presentó como solista en recitales, y grabó dos discos como instrumentsta y participó de varios coros. Se dedicó a las artes visuales, en especial a la pintura.
www.beatrizhramaral.com.br
www.elzaaramosamaral.com.br
Además participan de esta exposición Matsuô Bashô, Paulo Leminski, Pedro Xisto, Guimarães Rosa, Alice Ruiz, Paulo Franchetti, Mário Benedetti, Masuda Goga, Álvaro Posselt, Carlos Bueno (Curador), Millôr Fernandes, Renata Antunes, entre muchos otros y los artistas plásticos Evandro Carlos Jardim, Ligia de Franceschi, Lilian Arbex, Ligia Eluf, Carlos Zambom, Constança Lucas, Ivani Ranieri, Antonio Goper, Altina Felício (Curadora), Maria Lúcia Panizaa, Maura de Andrade, Helio Schomann y muchos otros. Completan el cuarteto de curadores los artistas Raquel Fayad y Marília Franco. El Museo Histórico Paulo Setúbal está situado en Rua Manoel Guedes, n.98, centro, Tatuí. Entrada libre .
http://www.apmp.com.br/index.php/swap/3868-poemas-de-beatriz-e-elza-integram-exposicao-em-sao-paulo
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martes, 12 de enero de 2016
Roberto Plate en el Museo Nacional de Bellas Artes
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| Andrés Duprat (derecha) y Raúl Santana (izquierda) |
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| instalación |
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| periodistas, artistas y críticos de arte |
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| Andrés Duprat (izquierda), Raúl Santana (centro) y Roberto Plate (derecha) |
(Buenos Aires)
En el Pabellón de Exposiciones Temporarias del Museo Nacional de Bellas Artes se presentó hoy al mediodía con una conferencia de prensa y con la presencia del director del museo Andrés Duprat, el curador de la muestra Raúl Santana y el artista Roberto Plate. La muestra de Roberto Plate: Buenos Aires - París - Buenos Aires se propone como un homenaje a la trayectoria de un artista insoslayable de nuestra historia, ligado a los vaivenes de la vida social y política del país desde los años sesenta.
La exposición permite acceder al universo poético de Plate y apreciar la compleja articulación de todas sus líneas de trabajo, que incluyen pinturas, escenografía, perfomance e instalación, construyendo un interrogante radical a nuestra época desde diversos registros.
"Es un orgullo presentar esta exposición antológica de Roberto Plate en el comienzo de mi gestión como Director del Museo Nacional de Bellas Artes", sostiene Andrés Duprat. "La muestra se propone como un homenaje a la trayectoria de un artista insoslayable de nuestra historia, que padeció censuras, exilios y exclusiones del sistema de circulación de las artes. Podemos considerar su corpus de obra como un proceso de búsqueda e indagación constante sobre el sentido de un mundo en mutación. El artista le toma el pulso a cada época, la condensa, la conjura, le mira el revés de la trama; irreverente ante la historia, vive intensamente en la más pura contemporaneidad".
Raúl Santana, curador de la muestra, dijo: "...Con sus obras y acciones, Plate expresaba sospechas bien fundadas acerca del tradicional concepto artístico. De ahí la deriva entre la imagen, la idea y el objeto en sus producciones; como si se hiciera eco de aquellas cáusticas palabras de Paul Valéry, cuando sostuvo: "Es verdad que en el museo se habla más alto que en la iglesia, pero siempre más bajo que en la vida".
También forma parte de la muestra una de sus obras de mayor impacto visual, la nueva versión de la instalación Reflejos, presentada originalmente en París en la década del noventa.
Asimismo, la exhibición cuenta con un video documental que recopila entrevistas, registros de muestras anteriores, instalaciones, escenografías, trabajo en el taller y cortos que dan cuenta de la gran trayectoria que Roberto Plate ha desarrollado en Europa y en Argentina.
Roberto Plate (Buenos Aires, 1940) estudió en la Academia de Bellas Artes de Múnich, a principios de los sesenta y vive en París desde 1970. Sus obras se ha exhibido en el Instituto Di Tella, la Fundación Klemm, Fundación Proa, Galería Praxis, Galería Wussmann, Centro Cultural Recoleta, École de Beaux-Arts y Galerie Skyline de París y sus escenografías fueron puestas en escena en algunos de los teatros líricos más importantes del mundo.
Las obras de Roberto Plate, en su mayoría de gran tamaño y colores estridentes, con la pintura sobre la tela como sale del pomo, recuerdan las obras del fauvismo y del expresionismo alemán.
Horarios
hasta el 27 de marzo, de lunes a viernes de 12,30 a 20 y sábados y domingos de 9,30 a 20.
Visitas guiadas a partir del 21 de enero, de jueves a domingos a las 18.
entrada libre y gratuita
http://www.mnba.gob.ar/
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Roberto Plate
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