Fotografías de Leonardo Marino en el Centro Cultural Rojas, en el marco del Festival de la Luz

(Buenos Aires)

En la fotogalería del Centro Cultural Rojas se puede ver la muestra de fotografías de Leonardo Marino titulada Épica del borde, en el marco del Festival de la luz.
Son fotografías tomadas en zonas del conurbano bonaerense, según el texto de  Alejandra Fernández Guida que acompaña la muestra:
"...Épica del borde son los cuerpos en acción de esas periferias obreras conformadas por los sectores populares, esos que si se mueven mucho pueden hacer temblar las estructuras. Aunque parezca una idea pretenciosa, en el recorte que hace el fotógrafo Leonardo Marino está representado casi todo el territorio. Es el conurbano alejado de los centros urbanos, a unas cuantas cuadras de las estaciones centrales, donde la lucha no es contra la construcción de una nueva torre, sino por la llegada del asfalto. Peleas diarias que cuando se ganan se celebran como un Mundial.
En las fotos está el producto de la intervención de la sociedad sobre el espacio. Están los pibes de la escuela pública, la familia en alguna disneylandia local, el choripán al costado del camino, las facturas del domingo a la mañana, el trabajador cargando el camión para salir a laburar. El suburbio despierto. También está el trabajo como motor de sociabilidad, ese que escasea, y que por sobre todas las cosas es físico. No hay una fetichización de la  pobreza. Están los que le ponen el cuerpo a las luchas diarias que son como epopeyas sin punto final narradas sobre escenarios plagados de déficits de infraestructura y servicios.
Hay épica en el relato de quien mira el borde desde afuera, para quien lo habita la heroicidad cotidiana no es cuento. Se trata de caminar todos los días con el viento en contra, pero sin dejar que eso lo tumbe...".


"La vida en el Conurbano no fluye, o fluye poco: se hace camino a los codazos, forzando la máquina,
viviendo día a día. Es épica.
Vida de zapatillas sucias, interminable espera en la parada, trenes apretados, escuelas simples, casas sin revoques lindando con el campo, autos más viejos que los conductores, humo de fogatas clandestinas, tanques de agua plásticos peleando con cables, saltos y pasos entre charcos, pozos eternos y basura aplastada, calles sin cordón, perros sin dueño, bicicletas con barro, autos con parlantes en el techo, casas con parlantes  en la vereda, inflables en la calle, edificios bajos, altos centros comerciales, boulevares y rotondas con palmeras enfermas de tristeza y smog.
Vivir aquí es con-vivir: migraciones de adentro y afuera confluyen en el Conurbano. Lugar de tránsito para algunos, ciudades dormitorio para otros: donde solo se vuelve a dormir después de un día largo y complejo.
Mezcla de culturas, músicas, hábitos y clases. Donde todo cambia, crece, se esparce y va ocupando espacios  nuevos sin planificar, como un monstruo enorme que se retroalimenta y cada vez tiene más volumen. Incontrolable.
En “Epica del borde” muestro a mi gente, inmersa en estos escenarios, sin golpes bajos, dignos luchadores de estos tiempos, donde es mejor comprar una frazada que encender una estufa. Donde el amor por el cercano resulta el arma más filosa para llegar, siempre de manera épica, hasta el otro mes".

Leonardo Marino

la muestra se puede ver de lunes a sábado de 19 a 22, entrada gratuita.

http://www.rojas.uba.ar/
http://www.leonardomarino.com.ar/obra-42

Festival de la Luz 2018 - Muestra de fotografías de Julieta Mastogiovanni - Abraham Votroba y Adrián Rocha Novoa

inauguración de la muestra, de derecha a izquierda: Rubén H. Betbeder, director ejecutivo
del museo de la Cárcova, Adrián Rocha Novoa, Elda Harrington - directora del Festival de la luz,
Abraham Votroba y Julieta Mastogiovanni 

(Buenos Aires)

Se inauguró hoy en el Museo de la Cárcova una muestra de fotografías de Julieta
Mastogiovanni, Abraham Votroba y Adrián Rocha Novoa, en el marco del Festival
de la Luz 2018.
El Festival de la Luz tiene como objetivo la difusión de la fotografía artística nacional e

internacional, organizando cada dos años un conjunto de actividades simultáneas en los
meses de agosto y septiembre, en distintos museos, centros culturales y espacios de arte
de toda la Argentina. En este marco, el Museo participa como sede por segunda vez
consecutiva.

Abraham Votroba - de la  serie "Viaje interior "

Abraham Votroba presenta la serie "Viaje interior" compuesta por fotografías que tomó
durante un viaje en auto desde la ciudad de Posadas (Misiones) a la provincia de Corrientes,
en el nordeste argentino. Era un viaje donde acompañaba a su padre en la incertidumbre de
su salud.
"Los días inestables, los kilómetros, las horas y las imágenes se convirtieron en una metáfora
de mi interior.
Eran fragmentos de tiempo, observados desde la ruta en movimiento como si lo único real
fueran los pájaros y las líneas de electricidad. Las golondrinas que nos acompañaban me daban
esperanza.
Fotografié los paisajes que contemplaba desde el interior del vehículo, uno tras otro".

Julieta Mastogiovanni, de la serie Geografías del olvido

Julieta Mastogiovanni en su serie “Geografías del olvido”  aporta una mirada singular e intrigante
sobre espacios que fueron habitados y hoy se encuentran abandonados.
Cerca de una pulpería en la provincia de Buenos Aires, Julieta Mastogiovanni descubrió
una casa deshabitada y le pidió al dueño de la pulpería, a quién supuso dueño de la misma,
que le permitiera entrar. Ahí tomó las fotografías que expone en esta muestra y que muestran
"un rincón nostálgico, mágico, vacío y cayéndose a pedazos, comunican un pasado vital del
que fuimos protagonistas. Son escenarios donde la naturaleza reclama lo que alguna vez le
perteneció. Hoy obsoleto y muerto".

Adrián Rocha Novoa - autoretrato 

Adrián Rocha Novoa en su serie “Hoy” presenta retratos realizados al cumplirse el 35°
aniversario de la Guerra de Malvinas,  de ex combatientes de esa Guerra, como el propio
Rocha Novoa.
De la serie original original compuesta por 18 retratos, se exponen hoy seis en el Museo de la
Cárcova.
"Al prescindir de toda anécdota bélica Rocha Novoa nos obliga a deternos en esos hombres
que son Hoy.
En esas miradas - directas a cámara - podemos encontrar bronca, tristeza, desconfianza,
incertidumbre, desazón, pero también, resignación, respeto, orgullo, esperanza y una
gama infinita de sentimientos por los que tal vez, sea necesario transitar de vuelta de una
guerra.
Pero por sobre todo, frente a estos retratos de tamaño natural, en la esgrima de miradas que
se plantea, hay algo que tenemos claro: en 1982 ellos estaban peleando por su patria.
Quizás podamos preguntarnos ¿Cuántos de nosotros recordamos qué era lo que hacíamos
mientras ellos daban su vida por las islas"
                                                              Silvia Mangialardi

Julieta Mastogiovanni (Bolívar, Provincia de Buenos Aires, Argentina, 1992). Estudia fotografía en la Escuela Argentina de Fotografía en 2015 y realiza diversos cursos en la Escuela Motivarte, especializándose en fotografía documental y social. A partir de 2016 comienza a trabajar como fotógrafa independiente. Recorre varios países con el fin de difundir la cultura y los paisajes de las regiones. En 2017 colabora como asistente de coordinación en el Foro de Portfolios de los Encuentros Abiertos - Festival de la Luz. Participa en varias muestras colectivas.

Abraham Votroba (Misiones, Argentina, 1979). Fotógrafo profesional y técnico superior en Imagen Fotográfica graduado en la Escuela Argentina de Fotografía. Entre 2014 y 2017 coordina el Foro de Portfolios de los Encuentros Abiertos - Festival de la Luz de la Argentina. En 2016 presenta sus trabajos Viaje interior y El velo del tiempo en la Universidad del Pacífico, Santiago de Chile, y en 2017 en el Museo Oscar Niemeyer y en la Escola Portfolio en Curitiba, Brasil. Publica los libros Filosofía x 1 Adolescente (2000, presentado en la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, 2001), Raíces vivas: Tapokuera Oikoveva (2002, en coautoría con Petrona González, presentado en la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, 2003) y El velo del tiempo (2015, presentado en el Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco, Buenos Aires). Obtiene la beca al Meeting Place del FotoFest de Houston, Estados Unidos. Sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas. Actualmente, dirige el taller de ensayo fotográfico “El peso del corazón” en distintos puntos de la Argentina.

Adrián Rocha Novoa (Buenos Aires, Argentina, 1962). En 1982 participa como soldado en la Guerra de Malvinas. Desde 1992 está a cargo del área de fotografía del Centro Cultural Recoleta de la ciudad de Buenos Aires. Coordina las mesas redondas del Festival de la Luz. Desde su estudio particular realiza avisos y campañas fotográficas para agencias locales e internacionales. Paralelamente desarrolla un extenso trabajo fotográfico personal, parte del cual se encuentra en diversas colecciones como las del Museo Nacional de Bellas Artes, el Centro de Fotografía Contemporánea, el Centro de la Imagen, la Fundación Augusto y León Ferrari, etc.
Realiza varias muestras individuales y colectivas.

Además de las exposiciones temporarias como la inaugurada hoy, el Museo de la
Cárcova exhibe su colección histórica de calcos -reproducciones en yeso de originales-
de obras maestras escultóricas expuestas en museos como el Louvre de París,
el Británico de Londres, el Nacional de Antropología de México o la Academia de Florencia.
Abarca más de 4000 años de historia proponiendo recorridos a través del Arte Egipcio,
 Mesopotámico, Indio, Griego, Romano, Románico, Gótico, Renacentista, y Mesoamericano andino




https://museodelacarcova.una.edu.ar/agenda/festival-de-la-luz-en-el-museo-de-la-carcova_21234



Museo de la Cárcova:  Av. España 1701, Buenos Aires,

Horarios de visita al Museo
Martes a domingos de 10 a 18 hs.



Visitas guiadas abiertas al público
Sábados y domingos  12 hs. y a las 16 hs.

Casa Museo Fernández Blanco: muestra ¿Cuánto tiempo es para siempre?

Jorge Cometti director del Museo Fernández Blanco presenta la muestra

collage 

collage

colección de muñecas donación Mabel y María  Castellano Fotheringham 

comedor de la Casa Museo

collage

muñeco autómata que perteneció a la esccritora Norah Lange

Susana Lange sobrina de la escritora Norah Lange

(Buenos Aires)

El sábado 21 de julio, con la presencia del director del museo Jorge Cometti, el curador
Patricio López Méndez,  funcionarios de la Dirección de Museos, artistas, periodistas e
invitados  se inauguró en la Casa Museo Fernández Blanco la muestra de collages ¿Cuánto tiempo
es para siempre?del colectivo PIC integrado por Mariano Alonso, Andrea Burcaizea, Nadina Maggi y Gustavo Nasso.
Convocados por el museo, los artistas exhiben sus obras que dialogan entre las colecciones y el
espacio que las alberga.
Además de los collages, se pueden ver los objetos de la Casa Museo, entre ellos la colección de
muñecas y juguetes (1870-1940), donación de Mabel y María Castellano Fotheringham, así como
también piezas de vajillas que pertenecieron a los escritores  Alicia Jurado, Manuel Mujica Láinez,
y otros y una última pieza que perteneció a la escritora Norah Lange, un muñeco autómata que fuma
y mueve los ojos, originario de Francia (1890). Según relató Susana Lange, sobrina de la escritora y
quien hizo la donación al  museo, este muñeco se encontraba en el escritorio de Norah Lange y
su marido, el poeta Oliverio Girondo. Cuando ellos se iban de vacaciones en el verano, lo guardaban
en un armario y cuando llegaban de viaje enseguida lo sacaban y lo volvían a poner en su lugar original.
La Casa Museo Fernández Blanco comienza su historia cuando  Isaac Fernández Blanco,
quien fuera abuelo de la escritora Alicia Jurado,  donó su colección a la Municipalidad de
Buenos Aires, el 25 de mayo de 1922, convirtiendo el primer museo privado de la Argentina
en un museo público. En 1943, el Museo Municipal de Arte
Hispanoamericano "Isaac Fernández Blanco" fue trasladado al Palacio Noel en el año 1943
por un decreto y la sede original fue destinada a funciones en el área de Hacienda de la
Municipalidad de Buenos Aires y devuelta a la Secretaría de Cultura en 1996 sin función
específica. Pasó a depender de la Dirección General de Museos en 2000 y así fue recuperada
para el Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco.
La Casa Museo fue transformada de una casona del siglo XIX en un museo del siglo XXI,
con la seguridad, climatización, museografía, restauración de sus colecciones y un discurso
acorde con el nivel alcanzado por el Palacio Noel. Desde el inicio, la Casa Fernández Blanco
contó con dos coleccionistas, Mabel y María Castellano Fotheringham, que apostaron a la
reapertura de la segunda sede, cediendo en donación, entre otras colecciones igualmente
valiosas, su colección más preciada y reunida a lo largo de sus vidas: la de muñecas
antiguas.


¿Cuánto tiempo es para siempre?

En el despuntar del siglo XX, Picasso y Braque ensayaron las primeras experiencias con papiers collés (papeles pegados), proponiendo con ellas un novedoso recurso plástico. Cubistas, Surrealistas y Dadaístas llevaron este recurso a su máxima expresión y, desde entonces, numerosos artistas han recurrido al lenguaje del Collage. El Colectivo PIC: Mariano Alonso, Andrea Burcaizea, Nadina Maggi y Gustavo Nasso fueron los artistas convocados por el museo para sumarse a la consigna de diálogo entre su arte, las colecciones y el espacio que las alberga, la Casa Fernández Blanco.

En las obras de Maggi, la casa abigarrada, caótica y protagonista está habitada por un elenco de personajes que navegan entre muñecas de papel y cortesanas. Es un gran cuarto de juegos invadido por seres inverosímiles, como si un espíritu travieso los hubiera reunido y animado para merendar en tazas vacías y sostener charlas improvisadas, como murmullos apenas perceptibles.

Burcaizea se soporta en viejos empapelados, densos, floridos y búlgaros para plantar sus objetos que una vez fueron bellos, una vez fueron útiles. Con ellos monta un curioso álbum de fotos y grabados que rompen la bidimensión y se rearman como cadáveres exquisitos con asas, teteras, tazas y servilletas de encaje irlandés.

El tiempo de Alonso hiere con su paso inexorable, se desgarra, mancha, vuela, se detiene en retazos de vida, como en recuerdos de viajes, momentos plácidos, atesorados por unos y olvidados por otros. Nada parece transcurrir, sin embargo, puede haber un crimen dormido, esperando la hora del té, cuando Agatha Christie anuncie un asesinato.

Para Nasso, los libros y los relojes se desmembran en capas superpuestas de pieles muy diversas. Las horas son atravesadas por agudas manecillas que perdieron sus máquinas propulsoras. Todos imaginaron quedar congelados en un instante con el que dio comienzo la eternidad. ¿Se habrán preguntado al verse nuevamente jóvenes y felices, cuánto tiempo es para siempre?

                                                                      Patricio López Méndez  (Curador del MIFB)
Horario:



Martes a viernes de 12 a 18

Sábados y domingos de 11 a 17
sala en PB / Sede Casa Fernández Blanco (Hipólito Yrigoyen 1420)
General: $30. Bono contribución: $10. Miércoles gratis.

 Sede Casa Fernández Blanco (Hipólito Yrigoyen 1420)

Teléfono:  CFB 4383-9794

en la Sede Casa Fernández Blanco (Hipólito Yrigoyen 1420) Barrio Monserrat.

Facebook: @museofernandezb

Twitter: @museofernandezb

Instagram: ·@museofernandezblanco

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires reabrió sus puertas con la exposición Historia de dos mundos

Museo de Arte Moderno de Buenos Aires 

obra de Bacon

obra de Bispo do Rosário

(Buenos Aires)

Con la presencia del Jefe de Gobierno de la ciudad de Buenos Aires, Horacio Rodríguez Larreta, el ministro de cultura de la Nación Pablo Avelluto  y de la ciudad Enrique Avogadro, y la directora del museo Victoria Noorthoorn  funcionarios de cultura, directores de museos, artistas, críticos de arte, periodistas y público el  jueves pasado Museo de Arte Moderno reabrió sus  puertas con su edificio renovado y una gran exposición inaugural titulada Historia de dos mundos: Arte experimental en diálogo con la colección MMK, 1944-1989.
Esta exposición curada por Klaus Görner, Victoria Noorthoorn y Javier Villa  cuenta con más  de 500 obras de 100 artistas y, a través de 16 núcleos  temáticos y  se distribuye a lo largo de los cuatro pisos del museo. Se puede visitar hasta el 14 de octubre de 2018.

obra de Bispo do Rosário hecha con botones

"En esta Historia de dos mundos no hay movimientos artísticos principales y secundarios, no hay
“aportes” ni “contribuciones”: hay, sí, dos poderosas corrientes artísticas, la del arte europeo-norteamericano  y la del latinoamericano, que a lo largo del tiempo a veces han fluido paralelas, otras se han juntado o cruzado; autónomas en lo que respecta a su identidad y a las maneras de relacionarse con sus respectivas realidades, interdependientes en lo que hace a su diálogo, sus colaboraciones, sus polémicas y sus rechazos. En esta nueva visión de la historia, el arte latinoamericano no completa ni complementa ni llena el casillero de la diferencia, sino que conforma, en orgullosa paridad de hermanos —a veces  fraternos, a veces rivales— un arte global y diverso, combativo y democrático."
Una de las muestras más interesantes es la de Bispo do Rosário en el piso 2, artista que empezó a bordar  descosiendo los uniformes del hospital psiquiátrico en el que pasó gran parte de su vida para construir  mantos religiosos con sus hilos. La obra de Bispo afirma su creencia en el poder del arte, la imaginación y  el juego como herramientas para la adquisición de conocimiento. Las obras del italiano Alighiero Boetti, que dialogan aquí con las de Bispo do Rosário, también usan el bordado y apelan a una idea de orden como eje de su programa artístico.

En el piso 0
MUNDOS DISTANTES
LAS UTOPÍAS LATINOAMERICANAS EN LA POSGUERRA EUROPEA
A mediados de la década de 1940, América Latina era un territorio de experimentación para los artistas concretos de Buenos Aires, Montevideo, San Pablo, Río de Janeiro y Caracas. Las utopías del concretismo latinoamericano, alimentadas también por distintas corrientes arquitectónicas y la Escuela de Valparaíso en Chile, presentes en esta exposición–, aparecen en la región mientras en Europa transcurría la Segunda Guerra Mundial y, luego, la posguerra, cuando los artistas latinoamericanos no pueden realizar el tradicional viaje de formación al viejo mundo.
A partir de 1944, los artistas concretos de Buenos Aires y Montevideo buscaron ir más allá de la abstracción europea proponiendo la “invención” de un nuevo tipo de objeto capaz de interactuar con el mundo real y no sólo representarlo. Las pinturas de marco recortado –precursoras de los shaped canvas– promovían una nueva relación de la obra con el espacio circundante, y las esculturas articuladas incorporaban las dimensiones del tiempo y el movimiento.
Piso 1
EL CUERPO SOCIAL
LA EXPLORACIÓN DE LÍMITES EN TIEMPOS TURBULENTOS
En esta sala se presentan obras que abordan la violencia, la represión y la descomposición social ejercida por las dictaduras militares sobre los pueblos de América Latina. Estas obras asumen una fuerte posición política, ya sea al desplegar una puesta en acción física del arte y del espacio público, o al utilizar contenidos poéticos que refieren a las atrocidades de la violencia estatal.
Para los artistas de esta sala, el arte es una herramienta para informar y despertar la conciencia en contextos opresivos, y también un arma de resistencia cultural y creativa para la transformación social.
Artistas: Arthur Barrio, Oscar Bony, Luis Camnitzer, Walter De Maria, Eduardo Gil, Alberto Heredia, Anna Maria Maiolino, Lygia Pape, Luis Pazos, Lotty Rosenfeld, Aldo Sessa

Piso 2
BORDADOS COSMOLÓGICOS Y ARQUITECTURAS MENTALES
Bispo do Rosário empezó a bordar descosiendo los uniformes del hospital psiquiátrico en el que pasó gran parte de su vida para construir mantos religiosos con sus hilos. La obra de Bispo afirma su creencia en el poder del arte, la imaginación y el juego como herramientas para la adquisición de conocimiento. Las obras del italiano Alighiero Boetti, que dialogan aquí con las de Bispo do Rosário, también usan el bordado y apelan a una idea de orden como eje de su programa artístico.
Con obras muy diferentes, Juan Downey (Chile) y Alejandro Puente (Argentina) entablan un diálogo con las tradiciones indígenas.
Artistas: Arthur Bispo do Rosario, Alighiero Boetti, Juan Downey, Alejandro Puente.

CHAMANES DE LA MATERIA
GRIPPO, BEUYS Y GARCÍA URIBURU
Los artistas de estas salas dedican su obra a preocupaciones universales como el trabajo y la ecología. En la instalación Algunos oficios (1976), de la colección del Moderno, Víctor Grippo y la instalación de Joseph Beuys, Blitzschlag mit Lichtschein auf Hirsch [Rayo con fulgor sobre un ciervo] (1958-1985), en exhibición permanente en el MMK y aquí representada por la serie de fotografías de Hildegard Weber “Hommage à Beuys – Lehmwerkstatt Berlin 1982”, los artistas comparten una mirada sobre la energía producida en el encuentro del arte y la materia.
A su vez, el artista argentino Nicolás García Uriburu compartió con Beuys la preocupación por el medio ambiente.
Artistas: Joseph Beuys, Nicolás García Uriburu, Victor Grippo, Ana Mendieta, Marta Minujín, Bruce Nauman, Richard Serra

Piso 2

ALFABETOS POLÍTICOS, ALFABETOS POÉTICOS
La escritura ha sido una herramienta crucial del arte para abordar la política. Desde los años sesenta, varios artistas latinoamericanos se interesaron en la deconstrucción del lenguaje para derribar los sentidos fijos y los grandes relatos culturales, y se abocaron a mezclar escritura y visualidad para explorar nuevos territorios poéticos y políticos. Otros artistas de la sala, en cambio, apelan a una visualidad más abstracta para derrumbar las nociones lingüísticas de linealidad y significado, y explorar nuevos modos de razonar, percibir y responder a la realidad.
Artistas: Teresa Burga, Antonio Caro, Ulises Carrión, Lenora de Barros, León Ferrari, Gego (Gertrud Goldschmidt), Franz Mon, Margarita Paksa, Peter Roehr, Mira Schendel

LA EXPERIENCIA DEL TIEMPO
La conciencia de que el gesto artístico es capaz de contener y manifestar el paso del tiempo es la base de las silenciosas obras programáticas de On Kawara (Japón), de la colección del MMK, y las del poeta visual, artista conceptual y exponente del arte-correo argentino Edgardo Antonio Vigo. Ambos entendían la subjetividad como una construcción en el tiempo y, al señalar su paso, sus obras se convirtieron en un registro o una afirmación de la propia vida y su inminente extinción.
Artistas: On Kawara, Edgardo Antonio Vigo

http://museomoderno.org/es/exposiciones/historia-de-dos-mundos

Museo de Arte Moderno de Buenos Aires
Av. San Juan 350
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
horarios
martes a viernes de 11 a 19
sábados, domingos y feriados 11 a 20
www.museomoderno.org

Venecia en clave verde. Nicolás García Uriburu y la coloración del Gran Canal

Azul García Uriburu, Andrés Duprat y Mariana Marchesi, de izq. a der. 

Nicolás García Uriburu, La Rebelíon óleo
sobre tela, 190 x 180 cm
Colección Fundación Nicolás García Uriburu

fotografía del video de la coloración del Gran Canal 

fotografía del video de la coloración del Gran Canal 

Trafalgar Square, London, 1974

(Buenos Aires)

“Venecia en clave verde. Nicolás García Uriburu y la coloración del Gran Canal”
se inaugura el 29 de junio en el Museo Nacional de Bellas Artes.
Este mediodía se realizó la presentación de la muestra ante la prensa. Estuvieron
presentes Azul García Uriburu - hija del artista -, el director del Museo Nacional
de Bellas Artes Andrés Duprat y la curadora de la exhibición Mariana Marchesi.
"En junio de 1968, mientras transcurría la 34° Bienal de Venecia, Nicolás García
Uriburu llevó adelante una acción que hizo historia en el arte argentino e internacional:
coloreó de verde las aguas del Gran Canal. Este gesto, en apariencia simple, condensaba
varios de los cuestionamientos que, por ese entonces, redefinieron la manera de hacer
y pensar el arte, como la autonomía estética, el rol del público y de las instituciones, y el
uso de nuevos materiales y medios de expresión ..." afirma Mariana Marchesi.
El año 1968 fue un año convulsionado en distintas partes del mundo. El sociólogo
Edgar Morin sintetiza el estado de rebeldía que a lo largo de los años 60 contagió
a cientos de millones de jóvenes, en los cinco continentes, en su mayoría estudiantes,
y a mayo de 1968 como "La revolución sin rostro":
"...Fueron al mismo tiempo, mito y desmitificadores de su
época. Vietnam contextualiza parte del estallido. El orden establecido, tanto académico
como político, social y económico se tornó asfixiante, intolerable, inaceptable. Los
impulsa una acuciante voluntad de cambio, una imperiosa necesidad de hacer, de dejar
de ser objeto de la historia para transformarse en hacedores de ella. Acallado el estruendo,
los muros de París conservan todavía su historia escrita, pensamientos que signaron una
época: "La sociedad es una flor carnívora"; "La libertad no se pide, se toma"; "La barricada
cierra una calle pero abre un camino"; "Prohibido prohibir"; "La imaginación al poder";
"Seamos realistas, pidamos lo imposible".


“Nicolás García Uriburu es un referente fundamental del land art y, a la vez, un
 pionero de la conciencia ecológica, que formuló con el lenguaje de la acción artística”,
sostiene el director del Bellas Artes,  Andrés Duprat. “Tiñiendo las aguas de los canales de
Venecia durante la Bienal de 1968, proponía una doble lectura en un solo gesto: al restituir
su coloración denunciaba la actividad humana que trastoca la naturaleza volviéndola un
 artificio inútil. Por otra parte, lo disruptivo de la acción, que se realizó en forma clandestina,
sin amparo de las instituciones, ponía en cuestión el sistema de las artes, acorde al espíritu
 de la época”, agrega.
 La exhibición, curada por Mariana Marchesi −directora artística del Museo−, se concentra
en el período de 1968 a 1974, y reúne serigrafías, fotos intervenidas y piezas documentales
referentes a la coloración de 1968 y otras coloraciones históricas, así como un selecto grupo
de pinturas realizadas en esos años.
En el marco de la XXXIV Bienal de Venecia convulsionada tras los sucesos del Mayo Francés,
García Uriburu llevó a cabo una acción artística que, con el tiempo, marcaría un momento
determinante de su carrera. Con la coloración del Gran Canal –enmarcada dentro las tempranas
manifestaciones de la performance y del conceptualismo–, el artista argentino reflexionó
sobre el rol de la pintura y las alternativas estéticas de la vanguardia, que abogaba por la fusión
 del arte con la vida.

bibliografía: Arte y política en los ´60, catálogo de la muestra curada por Alberto Giudici,
realizada en el Palais de Glace

http://www.bellasartes.gob.ar/exhibiciones/venecia-en-clave-verde

La pintura y yo por Cristina Otamendi

Comencé a pintar hace ya mucho tiempo. A los 19 años, paralelamente con mi carrera de escenógrafa, me sumé al taller de Néstor Berllés en Buenos Aires y luego al de Ceferino Rivero. Estos dos maestros me transmitieron su manera de ver y de sentir, y marcaron mi camino.

Descubrir el color y el paisaje, pintar al aire libre, siempre del natural, era un desafio que todavía mantengo. En ese despertar pinté con el entusiasmo y la alegria de quien encuentra en la vida su forma de expresarse. Van Gogh, Cézanne,Turner fueron mis compañeros de viaje.

A lo largo de tantos años y tantas vivencias acumuladas, fui incorporando nuevas influencias y nuevas búsquedas. Mi maternidad, sumada a la experiencia de vivir fuera de Buenos Aires, también moldearon mi pintura. Vivimos más de 30 años en Neuquén, y el paisaje tan claro y tan fuerte se impuso.

En esa etapa comienzo una serie de pinturas donde la textura y el color son protagonistas. Las imágenes que surgen son insinuadas, y es el que las mira quien las carga de sentido.

   

Comienzan a aparecer cortezas, sogas, lienzos que se funden en la textura. De alli surgió otra etapa en la que los objetos encontrados, y luego los personajes articulados, cuentan diferentes historias. El color, siempre presente, ahora sostenido por los óxidos naturales. 

Es en esa época que realizo diversas exposiciones individuales y colectivas, fundamentalmente en Buenos Aires, Neuquén y Barcelona.

Desde hace unos años vivo en Bariloche, Río Negro, rodeada de bosques, montañas y lagos. Ese entorno aparece en mis pinturas y es el bosque mi tema recurrente en este momento. El bosque donde convive la vida y la muerte. Maravillosos árboles secos junto a retoños.

Ese escenario intricado con luces y sombras me remite a la vida y al paso del tiempo. En esas redes invisibles que vamos tejiendo con las personas en nuestro transcurrir.

Por eso la línea que juega, trepa y se enreda hizo su aparición en este momento. 

Sigue el color también emocionándome en el paisaje, la armonía de la naturaleza. Y sigo buscando, buscándome en cada etapa, reconociendo simplemente que pintar es mi manera de vivir.

 

texto e imágenes: (c) Cristina Otamendi

Contacto: crisota1@yahoo.com.ar

CV MARÍA CRISTINA OTAMENDI

Nació en Buenos Aires. Escenógrafa recibida en la Universidad del Salvador. Caracterizadora Teatral en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón. Concurrió a los talleres de Néstor Berllés y Rivero Rodrigo.  En 1984 se radicó en Neuquén donde desarrolló una intensa actividad plástica y docente, participando en muestras individuales y colectivas en el país y en el exterior, así como también en salones nacionales y regionales en la disciplina pintura.  Actualmente reside en Bariloche.

Algunas de las muestras más destacadas de los últimos años son:

Bosques Habitados, muestra de acuarelas en Café Vertiente, Bariloche, 2016.Café del Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquén, 2014.

Expo Huellas Digitales, Sala Saraco Neuquén 2013.

Arte Clásica y Contemporánea, Costa Salguero, Buenos Aires, 2006, 2008, 2009.

Estudi Tenas 1694 (como artista permanente), Canet de Mar, Barcelona, España, 2004, 2005, 2006, 2007, 2008.

VI, VII y VIII Exposición y Venta de Arte Contemporáneo Argentino en el Palacio San Martín, Buenos Aires, 2003, 2004, 2005.

Cinco Pintoras Patagónicas, Casa del Lago, Bariloche, Río Negro, 2005.

Primera Muestra de Artistas Plásticos, Universidad del Comahue, 2004.

Galería Art Nostrum, Besalú, Girona, España, 2004.

Galería Cartó, Barcelona, España, 2004.

Museo Nacional de Bellas Artes, Salón de Pintores Patagónicos Casino Crown, Neuquén 2004.

Muestra individual Colegio de Abogados de Neuquén, 2002.

Arte Contemporáneo Argentino en Nueva York, Puffin Room, Soho, Nueva York, EE.UU., 2001.

Muestra individual Sala Municipal de Exposiciones Emilio Saraco, Neuquén, 2001.

Muestra individual Galería Lagard, Buenos Aires, 2000.

Distinciones

Tercera Mención XX Salón de Pintura, Ciudad de General Pico, 2010.

Tercer Premio III Salón Patagónico de Pintura ciudad de Zapala, 2007.

Quinta mención en pintura Concurso “Homenaje a mi ciudad”, Neuquén, 2004.

Mención Salón Pequeño Formato de la Sociedad Argentina de Artistas Plásticos (SAAP), Buenos Aires, 2003.

Mención Especial Sexto Salón Municipal Esquel de Artes Plásticas, Chubut, 2003.

Primera Mención Pequeño Formato SAAP, Buenos Aires, 2001.

Cuarto Premio de Pintura Salón Patagónico – Banco Provincia del Neuquén, 1990.

Muestra A Imagem e o Haicai en São Bernardo do Campo, Brasil

(San Pablo)

A partir del 23 de junio a las 14 se presentará en la Pinacoteca de  

São Bernardo do Campo la muestra A Imagem e o Haicai, donde participarán obras de artistas plásticos inspirados en haikús seleccionados, generando una nueva poética: la imagen y el haikú es como una sola obra. 

fuente: Beatriz Helena Ramos Amaral http://www.beatrizhramaral.com.br/