Arte latinoamericano 1945-1990 en el Malba

Wanda Pimentel

Annemarie Heinrich

Lucio Fontana

Rogelio Polesello

Oscar Bony

Hélio Oiticica

Horacio Coppola

Ernesto Deira

Ricardo Garabito

Anatole Saderman

Abraham Palatnik

Gyula Kosice

Lucio Fontana

(Buenos Aires)

En la Sala 2 (primer piso) el Malba expone una nueva puesta de su colección permanente de arte latinoamericano. La exhibición estará hasta el 24 de septiembre de este año.
 El nuevo recorrido comienza en 1945 con manifestaciones del arte concreto y no figurativo de la época, hasta llegar a las tendencias pictóricas y conceptuales de la década del 90. Se incluyen más de 120 obras, entre pinturas, dibujos, esculturas, objetos, instalaciones y videos.
El nuevo guión curatorial -desarrollado por Marcelo Pacheco, curador en Jefe de Malba parte de las primeras tendencias no figurativas y del arte concreto de los años 40 en la región. Continúa con el informalismo y el arte óptico y cinético, luego con las propuestas de la Nueva Figuración, el conceptualismo y el minimalismo de los años 60 y 70, hasta llegar al regreso a la de la pintura de los años 80 y las propuestas más contemporáneas de los 90’.
La presentación de la colección permanente varía de acuerdo a la dinámica del Programa Anual de Adquisiciones y a las generosas donaciones y comodatos confiados al museo. En esta ocasión, el grupo de obras más emblemáticas de la colección de Malba se expondrá en conjunto por primera vez en Estados Unidos en el Museum of Fine Arts, Houston (MFAH) de abril a octubre de 2012, como parte del convenio de colaboración entre ambas instituciones. Por esta razón, el museo reorganizó la exposición del patrimonio con esta nueva propuesta, que revela otras piezas del acervo, además de importantes obras recibidas en comodato de colecciones particulares.

Al recorrido de la colección se integran obras en comodato, como es ya una práctica habitual en el museo. En esta exposición se destacan Concetto Spaziale (1962), de Lucio Fontana y Trama con lentes cóncavos (1969) de Rogelio Polesello, pertenecientes a la colección personal de Eduardo F. Costantini; y las obras Maniquíes vivientes o Las modelos (1975) de Antonio Berni -que no está exhibido al público desde hace varios años-, y Sin título (ca. 1960), de Antonio Seguí, ambos de una colección privada.

Núcleos temáticos y artistas representados


La exposición se divide en tres núcleos temáticos: Fotografía moderna, variantes del arte concreto, arte óptico y cinético; Informalismo y Espacialismo, Nueva figuración, instalaciones, ambientaciones y videos; y Arte pop, conceptualismo, minimalismo y el regreso a la pintura.

I - Fotografía moderna, variantes del arte concreto, arte óptico y cinético

A comienzos del siglo XX la fotografía y las tendencias abstractas y no figurativas en las artes plásticas se presentaron, a nivel internacional, como alternativas a la imitación de la realidad y al ilusionismo de la pintura cultivado en los siglos anteriores, y de esta manera comenzaron a cuestionar el concepto del cuadro como “ventana del mundo”.

Mientras el medio fotográfico se consolidaba reelaborando los géneros pictóricos –retratos, paisajes y naturalezas muertas-, y documentaba el dinamismo de la vida moderna y el crecimiento urbano, la fotografía como disciplina comenzaba a integrarse al proceso de renovación artística. Las instantáneas de Horacio Coppola, Grete Stern, Annemarie Heinrich y Anatole Saderman documentan los cambios de la vida moderna. A mediados de los 40, Buenos Aires se convirtió en uno de los centros más activos del arte concreto y sus variaciones. Madí, Asociación Arte Concreto Invención y Perceptismo son los tres grupos que plantearon la realización de sus obras con los elementos puros del lenguaje visual: formas, colores, líneas y planos. También reemplazaron el marco tradicional de la pintura por contornos irregulares y recortados; inventaron “esculturas” articuladas y transformables y “pinturas-objeto”, volúmenes y móviles y recurrieron a materiales industriales como esmaltes, vidrio y baquelita, entre tantos otros.
Artistas rioplatenses como Juan Melé, Rhod Rothfuss, Enio Iommi, Gyula Kosice y Carmelo Arden Quin generan un arte ni figurativo ni abstracto: concreto. En Brasil la respuesta neoconcreta en las obras de Lygia Clark y Hélio Oiticica, entre otros, acercan la brecha entre el arte y la vida.
En los años 50, en París, pero con una mayoría de artistas latinoamericanos, surgieron el arte óptico y el arte cinético. Artistas como Julio Le Parc, Ary Brizzi, Gregorio Vardánega, Martha Boto y Alejandro Otero proponían obras que permitían movimiento virtual o real, en las que el espectador pudiera participar del proceso temporal y de una experiencia estética transformadora. Algunas obras exigían desplazarse para producir sensación visual de movimiento, pulsar botones, tocar palancas o girar manivelas para poner en funcionamiento móviles, máquinas, o cajas con efectos sorpresa.

II- Informalismo y Espacialismo; Nueva figuración, instalaciones, ambientaciones y videos

A fines de la década del 50 triunfaba internacionalmente el movimiento pictórico informalista. A diferencia del arte concreto, el informalismo retomaba una abstracción subjetiva, caracterizada por la impronta del gesto, el uso de la materia sobre la superficie de la pintura en azarosos chorreados, brochazos, salpicados, y la aplicación de vidrios, telas, papeles, arena y pigmentos para crear texturas y relieves reales sobre los soportes. Características de este período son las obras de Kenneth Kemble, Franz Kracjberg y Clorindo Testa.
En la década siguiente, la Nueva figuración propuso una reconversión de la pintura figurativa desde la reaparición de la figura humana en medio del entramado abstracto de lo pictórico y del caos de la materia heredados del informalismo. Las pinturas del histórico grupo conformado por Jorge de la Vega, Rómulo Macció, Ernesto Deira y Luis Felipe Noé, están reunidas en este núcleo singular.
Entre 1949 y 1959 Lucio Fontana propuso, con una poética personal, una serie de agujeros y tajos sobre las telas, creando el Espacialismo. El soporte quedó atravesado por el gesto del artista, inaugurando un sentido diferente para la obra de arte. Se marcaba el fin del cuadro construido por la narrativa moderna.
Los años 60 constituyen en las artes visuales el cierre de la modernidad y el inicio del arte contemporáneo. La crítica y los artistas hablan de “la muerte de la pintura” y del “fin del arte”. Con el cambio de época la pintura y la escultura dejan de reinar sobre las “bellas artes”. Surgen disciplinas, medios y soportes nuevos: objetos, construcciones, performances, ensamblados, happenings, instalaciones, videos, ambientaciones, intervenciones y recorridos. Las obras dejan de parecer “obras de arte”: los artistas pueden prescindir del virtuosismo en la imitación de la realidad y trabajan operando sobre dicha realidad, sobre elementos cotidianos, industriales, desechos, palabras y textos; realizan acciones urbanas o en la naturaleza, registros fotográficos y fílmicos, proponen experiencias corporales y sensoriales para el espectador y hasta buscan producir efectos terapéuticos. Obras de los artistas Rogelio Polesello y Oscar Bony, son ejemplos clave de estas tendencias.

III- Arte pop, conceptualismo, minimalismo y el regreso a la pintura

Las décadas del 60 y 70 se identifican por las tendencias del arte pop, el arte conceptual, el hiperrealismo y el minimalismo. Las propuestas visuales surgen a partir de la observación alerta y crítica del mundo común, de lo doméstico o popular, y en especial, de la sociedad de consumo. Las obras conceptuales y minimalistas pueden tener cualquier materialidad, desde inmateriales ideas y conceptos en proceso hasta las grandes estructuras industriales y “recorribles” del minimalismo, dos variantes que coinciden en la pérdida de la huella del artista y que más que producir placer en la contemplación, estimulan la generación de un pensamiento.
Por otra parte, las obras de arte pop y del hiperrealismo superan el realismo fotográfico desde una postura de novedosa ironía, una suerte de “realismo exagerado”, con una iconografía muy reconocible, extraída de la vida cotidiana. Artistas como Wanda Pimentel, Antonio Berni, Luis Fernando Benedit y Jorge de la Vega representan a la década con sus manifestaciones pictóricas, mientras las instalaciones de Oscar Bony, Victor Grippo, y Alejandro Puente se organizan en el espacio.

Desde principios de los años 80, la discusión sobre temas como la desmaterialización de la obra de arte y las nuevas relaciones entre arte y política se radicaliza y, el regreso a la pintura como tendencia internacional impacta sobre la escena artística. La Transvanguardia italiana y el BadPainting (Mala pintura) en los Estados Unidos, entre otros, ponen en circulación grandes telas cubiertas de rostros e imágenes pictóricas que combinan códigos del cine, el teatro, la literatura, la música, la danza, los grafittis urbanos y los estudios de género. La escena latinoamericana muestra sus propias variantes, una pintura ligada, por momentos a las neovanguardias del internacionalismo, pero siempre en tensión y en compromiso con sus marcos de referencia tanto culturales como históricos y sociales. Las pinturas de Guillermo Kuitca, Liliana Porter y Ricardo Garabito están en sintonía con este momento de retorno a lo pictórico.

La colección permanente cuenta con el apoyo de Bloomberg

http://www.malba.org.ar/

Brailles y Relecturas de la Biblia - Muestra de León Ferrari en el Malba

León Ferrari
La expulsión, 1988
Collage sobre papel
35,4 x 78,4 cm.
Fundación Augusto y León Ferrari - Arte y
Acervo
Fuentes iconográficas identificadas:
reproducción de Expulsión del paraíso, de
Miguel Ángel (Capilla Sixtina), e imagen
extraída de L’Érotisme chinois, de Marc de
Smedt, Ed. Solar, 1984.

León Ferrari
Sin título, 1994 [Ciccolina]
Collage sobre papel
41,6 x 22,3 cm.
Fundación Augusto y León Ferrari - Arte y
Acervo
Fuentes iconográficas identificadas:
reproducción de una fotografía de Ilona Staller
(Ciccolina) tomada por Riccardo Schicchi y
detalle de El diluvio, de Gustave Doré.

(Buenos Aires)

Se inauguró en el Malba la exposición de León Ferrari "Brailles y Relecturas de la Biblia" en el Malba.

La muestra estará abierta al público hasta el 2 de julio en la sala 3, primer piso.
Curada por Florencia Battiti  "Brailles y Relecturas de la Biblia, una exposición individual del artista argentino León Ferrari (Buenos Aires,1920), se integra con una selección de 70 obras de sus “Brailles” y “Relecturas de la Biblia”, dos series realizadas por Ferrari a lo largo de tres décadas y hasta ahora sólo parcialmente conocidas.

La muestra se presenta en diálogo con Bye Bye American Pie, una exposición que, al igual que las obras de Ferrari, arroja una mirada crítica sobre las hegemonías culturales y políticas. “La producción de Ferrari se caracteriza por la irreverencia con la que aborda el acto creativo y el compromiso ético que articula a través de su cuerpo de obra”, explica Florencia Battiti, curadora de la exposición.

En 2004 Malba presentó en la terraza del museo León Ferrari. Artefactos para dibujar sonidos con un conjunto de sus instrumentos musicales, muestra que se realizó en simultáneo con la retrospectiva exhibida en el Centro Cultural Recoleta y de la cual Malba formó parte como institución co-productora del catálogo.

Junto con Brailles y Relecturas de la Biblia, Malba editó un catálogo de 164 páginas, bilingüe español e inglés con un ensayo del crítico literario y escritor Daniel Link titulado “León Ferrari: la experiencia exterior” y la reproducción color de todas las obras representadas en la muestra.

“Los tópicos de la iconoclasia, en la que el ‘escándalo’ encuentra sus fundamentos (adhesión o rechazo), han puesto a Ferrari en el aparente lugar del destructor de imágenes, cuando su obra apunta precisamente a lo contrario: a la producción de imágenes, al pensamiento sobre la imagen, a la transformación de la imagen (en sus fundamentos teóricos, en sus efectos políticos); nunca, jamás, a su olvido”, reflexiona Daniel Link.

Brailles y Relecturas de la Biblia

La serie de “Relecturas de la Biblia” iniciada por León Ferrari a mediados de los años 80 -cuando aún estaba exiliado en San Pablo- está compuesta por collages en los que el artista yuxtapone imágenes provenientes de la iconografía religiosa con otras de la erótica oriental o de los medios masivos de comunicación. El efecto de la política de montaje que el artista pone en acción en este tipo de obras es el de desenmascarar -por medio del encuentro de dos realidades ajenas en el tiempo histórico- los vínculos entre religiosidad y violencia que subyacen en el discurso bíblico. Para Ferrari “la Biblia es una antología de crueldades” y varias de las imágenes de sus collages remiten a la profunda diferencia que existe entre la concepción cristiana del pecado y la cosmovisión oriental del erotismo.

En los “Brailles”, serie iniciada a fines de los años 90, Ferrari trabaja sobre reproducciones de imágenes religiosas, eróticas o provenientes de la historia del arte (pudiendo en ocasiones ser las mismas que usara en la serie de “Relecturas de la  Biblia”) sobre las que escribe textos en braille que también toma de la Biblia o de escritores como Jorge Luis Borges. Un ejemplo es la obra con la que obtuvo el Gran Premio del Salón de Mar del Plata en 1997: Tarde que socavó nuestro amor, poema de Borges sobre una foto de Man Ray. Al imprimir un texto en lenguaje braille sobre la imagen de un cuerpo desnudo o un instrumento de tortura, Ferrari propone al espectador de forma explícita que tome contacto físico con la obra (rozando sus dedos sobre la reproducción) colocándolo ante la paradoja de “tocar” una obra de arte (acción que suele estar prohibida en los museos) y de “acariciar” imágenes de
 alto voltaje erótico.

En este caso el montaje se produce yuxtaponiendo texto e imagen para nuevamente lograr un efecto que desplaza los sentidos canónicos de las imágenes hacia otras nuevas significaciones. “A partir de esta práctica, se organiza el encuentro inesperado entre imágenes (o entre imágenes y textos) que representan realidades dispares y distantes con el fin de desplazar sus sentidos canónicos y generar nuevas significaciones”, asegura Battiti.

En palabras de Link: “Las obras reunidas en esta exhibición (…) no protestan por los males del mundo, sino que brindan testimonio de un cierto temblor en esos bordes o fisuras en los que la Ley se declara ausente, porque la cultura misma se ha desbaratado al chocar con otra placa que le ofrece resistencia (Oriente y Occidente, lo visual y lo táctil, etc.). Por lo mismo, su horizonte de reconocimiento no se agota en el alucinado mundito del arte. Hacen del Mundo y de las imágenes del Mundo su campo de experiencia"


León Ferrari (Buenos Aires, 1920). Inició su producción artística en Roma como escultor autodidacta, con piezas en terracota. De regreso a Buenos Aires, trabajó en cerámica, yeso, cemento, madera, alambres de acero inoxidable, collages y dibujos. Desde 1962 comenzó a introducir estrategias conceptuales en su obra al vincular el dibujo y la escritura. También retomó las esculturas metálicas y experimentó con fotocopias, arte postal, heliografías, videotexto, instrumentos musicales, grabado, collage y ensamblaje. Todos los recursos le sirvieron para ejercer una fuerte crítica al poder político y religioso. En 1965 realizó su obra más emblemática, La civilización occidental y cristiana, una pieza fundamental del arte político contemporáneo. En los últimos años su producción alcanzó gran visibilidad internacional. En 2007 expuso en la 52ª Bienal de Venecia, en la que obtuvo el León de Oro. Vive y trabaja en Buenos Aires.

Florencia Battiti (Buenos Aires, 1965). Es Licenciada en Artes por la Facultad de Filosofía y Letras (UBA). Obtuvo un Postgrado en Gestión y Comunicación Cultural, FLACSO, Argentina (2003). Es Investigadora del Instituto de Teoría e Historia del Arte “Julio E. Payró” y docente universitaria de arte argentino contemporáneo. Desde 2000 se desempeña como Coordinadora Artística del Parque de la Memoria dentro del ámbito del Gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Ha realizado tareas de investigación, producción y curaduría de exposiciones de artes visuales en el país y en el exterior. Recientemente se desempeñó como curadora adjunta por Argentina para la I Bienal Internacional del Fin de Mundo, Tierra del Fuego (2007) y como curadora de la exposición de artistas invitados para la IVBienal Internacional de Arte Textil Contemporáneo, World Textile Art, Buenos Aires(2009). Asimismo fue curadora del proyecto Nature Forecast, exhibido en la Galeria Petronas en Kuala Lumpur, Malasia (2008) y de la exposición Arte contemporáneo de Santa Fe, dentro del programa Argentina Pinta Bien (2011). Es miembro de la Asociación Argentina de Críticos de Arte (AACA) y de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA). Integra el Consejo Editorial de Public Art Dialogue, publicación especializada en arte público, editada por Routledge, Taylor & Francis Group.

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Bye Bye American Pie se inauguró ayer en el Malba



Nan Goldin

French Chris at the drive-in, New Jersey, 1979

[Chris francés en el drive-in, Nueva Jersey]

Impresión en Cibachrome

76 x 102 cm.

© Nan Goldin, cortesía de la galería Matthew Marks, New York.

Jean-Michel Basquiat

Untitled, 1987

[Sin título]

Acrílico, lápiz graso, grafito, lápiz de color y collage de fotocopias sobre papel montado sobre tela

229 x 274 cm.

Colección particular

© 2012 Jean-Michel Basquiat/ADAGP, París / SAVA, Buenos Aires



Barbara Kruger

Untitled (Our prices are insane!), 1987

[Sin título (¡Nuestros precios son de locura!)]

Fotografía sobre vinilo

250,2 x 247,7 cm.

The Sender Collection, New York, NY

© Barbara Kruger, cortesía de la galería Mary Boone, New York

(Buenos Aires)


La muestra Bye Bye American Pie se inauguró ayer en el Malba. Previo a la inaguración, el curador de la muestra y curador internacional del museo Phillip Larratt-Smith brindó una conferencia en castellano en el auditorio, luego de lo cual se pudo recorrer la exposición y detenerse en cada núcleo ordenado por artista.
Estas son  algunas de las cosas que dijo Larratt-Smith al presentar la exposición:

"El conjunto de los artistas  que han sido seleccionados, ofrece un panorama de los últimos cuarenta años de la historia de los Estados Unidos".

"El recorte curatorial refleja el crecimiento de la pulsión de muerte dentro de la cultura de los Estados Unidos. Todos los artistas tienen relación con esta pulsíon. Es por eso que algunos de los artistas son más expresionistas y otros montan una clase de crítica contracultural".

"Por ejemplo, en la obra de Bárbara Kruger vemos yuxtaposiciones de texto e imagen de los años en la URSS. Larry Clark hace una documentación de su propia acting-out de la que sus amigos participaron. Lo importante es su manera de decir que ha ocurrido una crisis en el yo, en la cultura americana".

"En la cultura, como totalidad, han ocurrido cosas: fragmentación, caos social, el fracaso del sistema político y eso se ve en las obras. La muestra se ocupa de un movimiento contracultural en Norteamérica".


Bye Bye American Pie, una selección de más de 110 obras de siete destacados artistas estadounidenses: Jean-Michel Basquiat, Larry Clark, Nan Goldin, Jenny Holzer, Barbara Kruger, Paul McCarthy y Cady Nolan, que por primera vez se exhiben en forma conjunta en Buenos Aires.
Curada por Philip Larratt-Smith y concebida como continuación de su exposición anterior en Malba, Andy Warhol, Mr. America (2009-2010), Bye Bye American Pie explora las transformaciones de la cultura estadounidense desde los años setenta hasta el presente a través de la producción de seis de los artistas más importantes de los Estados Unidos de los últimos 40 años. Esta investigación reúne piezas claves de cada artista, provenientes de importantes colecciones públicas y privadas internacionales. Se incluyen pinturas y obras en papel de gran formato de Jean-Michel Basquiat, el mejor de los pintores
norteamericanos de los años 80; la serie Tulsa (1963-1971) de Larry Clark que rompió la definición de lo aceptable en la historia de la fotografía; y la célebre Ballad of Sexual Dependency (La balada de la dependencia sexual, 1978-1996), de Nan Goldin. También las yuxtaposiciones de texto e imagen de Barbara Kurger que adaptan las estrategias de la propaganda política a la ideología consumista; las pinturas serigrafiadas y obras de LED de Jenny Holzer; y la impactante escultura  mecánica Train (2003–2009) de Paul McCarthy.La selección de obras responde tanto a la sensibilidad artística como a las estrategias formales de los artistas en diversos medios. “Así, el documentalismo duro de las fotografías de Clark y el tono de diario íntimo de las presentaciones de diapositivas de Goldin se alterna con la crítica implícita en las “redaction paintings” de Holzer y la yuxtaposición de texto e imagen en la obra de Kruger. La asimilación de Basquiat de códigos de la cultura negra urbana y formas vernáculas como el grafitti con la tradición de la gran pintura europea dialoga con la puesta en escena que lleva a cabo McCarthy de la política cultural en el plano del ello”, explica Larratt-Smith.

La exposición toma su nombre de la canción American Pie de Don McLean sobre la pérdida de la inocencia de la generación de los años 60. La exhibición conjunta de este grupo de artistas permite ofrecer un panorama de una tendencia particular de la historia cultural de los Estados Unidos, surgida cuando el apogeo de la civilización estadounidense -que Warhol celebró tan brillantemente- dio paso a la crítica y a la deconstrucción, y cuando una única cultura dominante fortalecida por la televisión y el cine de Hollywood se fragmentó en múltiples subculturas. “La producción de estos artistas profetiza la decadencia gradual de los Estados Unidos, no solo en su hegemonía económica y política, sino también como cultura y como ideal”, resalta el curador.
Acompaña la exposición un volumen crítico exhaustivo que incluye el ensayo “El malestar en la cultura” del curador Philip Larratt-Smith, y colaboraciones preparadas especialmente para la muestra del novelista y crítico cultural estadounidense Gary Indiana (“La caída de la casa del Ratón Mickey”) y del escritor y filósofo británico John Gray ("El sueño electrográfico"). Los ensayos son acompañados por una línea de tiempo visual con imágenes del cine, la política y la historia estadounidense, compilado especialmente por el curador. El catálogo incluye también una sección completa con la reproducción de las obras y textos breves sobre cada uno de los artistas en relacion con la tesis curatorial.

Curador internacional

Bye Bye American Pie es la exposición inaugural de Larratt-Smith desde que se incorporó al Departamento de Curaduría de Malba como curador del programa internacional en septiembre 2011. En Buenos Aires, Larratt-Smith organizó y curó las muestras Andy Warhol, Mr. America (2009-2010) en Malba y Louise Bourgeois: El retorno de lo reprimido en la Fundación Proa (2011). Fue también curador de importantes exposiciones en Gran Bretaña (Joan Mitchell, Edimburgo, Escocia, 2010) y en Medio Oriente (Louise Bourgeois: Conscious and Unconscious, Doha, Qatar). En Malba curará muestras de destacados artistas internacionales y colaborará con curadores invitados en importantes proyectos del programa internacional del museo.

“Philip Larratt-Smith ha curado muestras capitales de grandes artistas de posguerra y contemporáneos en toda Latinoamérica, que supieron combinar la relevancia a nivel local con la originalidad y la perspectiva global. Su designación como curador del museo reafirma el compromiso de Malba de fortalecer y ampliar su programa internacional, a través de muestras que signifiquen una contribución importante al discurso sobre el arte contemporáneo”, afirma Eduardo F. Costantini, Presidente de Malba.


Philip Larratt-Smith (Toronto, Canadá 1979). Es escritor y curador independiente. Vive y trabaja entre Nueva York y Londres. Fue el curador de Louise Bourgeois: el retorno de lo reprimido (Fundación Proa, Buenos Aires, Argentina; Instituto Tomie Ohtake, San Paulo, Brasil; Museu do Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brasil (todos en 2011); y el Freud Museum, Londres, Inglaterra (marzo 2012); Larry Clark (Fototeca de Cuba, La Habana, Cuba, 2011); Joan Mitchell (Inverleith House, Edinburgo, Escocia, 2010); Andy Warhol, Mr. America (Banco de la República, Bogotá, Colombia; Malba – Fundación Costantini, Buenos Aires, Argentina; y Pinacoteca de São Paulo, Brasil, 2009–2010); Louise Bourgeois: Nature Study (Inverleith House, Edinburgo, Escocia, 2008); Robert Mapplethorpe: Sagrado y Profano (Fototeca de Cuba, La Habana, Cuba, 2006); y Louise Bourgeois: Uno y Otros (Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam, La Habana, Cuba, 2005). Ha escrito sobre la obra de Tracey Emin, Jenny Holzer, Guillermo Kuitca, Milton Resnick, Irán do Espírito Santo y Roni Horn, entre otros. Nació en Toronto, Canadá, en 1979. En 2003 terminó sus estudios de B.A. in Classics en la Universidad de Harvard. Trabajó como archivista literario en el estudio de Louise Bourgeois y prepara en la actualidad la edición completa de sus escritos psicoanalíticos.

Los artistas
 
por Philip Larratt-Smith


Jean-Michel Basquiat (Brooklyn, Nueva York, 1960-1988)

Basquiat inyectó en las tradiciones de la cultivada pintura europea los modismos de

la cultura negra urbana y las formas vernáculas de la calle. Empezó su carrera

como artista del graffiti que hacía dibujos crípticos en el Soho con el rótulo “SAMO”

(abreviatura de “same old shit”, “la misma mierda de siempre”). En el mundo

predominantemente blanco del arte de principios de la década de 1980, su

exploración de la experiencia negra fue celebrada. Basquiat surgió como la primera

superestrella negra en un momento en el que el mercado del arte se ampliaba de

manera exponencial. Como su amigo Andy Warhol, quien hizo una serie de pinturas

en colaboración, Basquiat construyó y cultivó un personaje público que garantizaba

su celebridad. Sus extravagancias contribuyeron a cimentar tanto su propia

notoriedad como la de su obra. Su muerte temprana en 1988 -a causa de una

sobredosis- le garantizó el estatus de una leyenda contemporánea.

La cualidad de la línea de Basquiat es directa e inmediata, maníaca e hiperalerta,

igualmente capaz de captar la cruda energía de la vida callejera de Nueva York y de

imitar la cualidad improvisadora del jazz, que avanza transportada sobre una

corriente de anfetaminas.

En sala: Se exhiben ocho obras, pinturas y obras sobre papel de mediano y

gran formato.

Larry Clark (Tulsa, Oklahoma, 1943)

Es uno de los fotógrafos y cineastas estadounidenses más importantes del período

de posguerra. La tensión distintiva de su obra emana de su dura cualidad

documental y de su especificidad patológica.

Su serie “Tulsa” capta el lado oscuro de la vida rural en Estados Unidos. Compuesta

por cincuenta fotos en blanco y negro tomadas entre 1963 y 1971, la serie deja al

descubierto el submundo de las drogas duras de su ciudad natal. Clark no es

simplemente un voyeur, sino un participante que registra su propio acting out. Sus

fotografías registran la inocente búsqueda del principio del placer al servicio del

ello.

En sala: Tulsa, 1963-1971. Portfolio de 50 fotografías en blanco y negro.

Nan Goldin (Washington, D.C., 1953)

Nan Goldin es conocida por sus fotografías y slides tipo diario personal que

documentan un momento único de la historia de la subcultura del centro de Nueva

York, reimaginando el Lower East Side como una segunda República de Weimar. Su

cámara capta el acting out de toda una generación, de la cual ella forma parte.

Su célebre serie de slides The Ballad of Sexual Dependency (La balada de la

dependencia sexual) (1978-1996) hace las veces de un monumento

conmemorativo. Funciona como un constante acto de duelo, tanto por los objetos

amorosos que ha perdido y por los integrantes de su tribu que han muerto. Goldin

es la coleccionista de almas —la hermana del alma— de su generación. El aspecto

indéxico de sus instantáneas les confiere el estatus de reliquias: son documentos

del encuentro con las personas fotografiadas, la prueba de que alguna vez

existieron. Para Goldin, el acto mismo de fotografiar es una manera de capturar y

registrar a alguien para siempre.

En sala: The Ballad of Sexual Dependency (La balada de la dependencia

sexual), 1978-1996. Diapositivas 35mm. transferidas a video con sonido,

además de una selección de 16 fotografías realizadas entre 1978 y 1993.

Jenny Holzer (Gallipolis, Ohio, 1950)

Jenny Holzer ha creado un corpus de obra que funciona como crítica y subvierte las

relaciones de poder dentro de las estructuras de poder sociales, políticas y

familiares, a través del uso ambiguo del lenguaje, empleando una variedad de

medios que incluyen proyecciones, instalaciones con luces LED, lápidas, bancos de

mármol inscripto y soportes más efímeros como remeras y pósters. El lenguaje y la

luz le han permitido a Holzer conservar el rigor formal y la integridad conceptual del

minimalismo y el arte conceptual evocando al mismo tiempo las preocupaciones del

cuerpo vivido. Con el lenguaje Holzer ha podido abordar temas relacionados con la

política, la sociología, la psicología, la biología, la sexualidad y la clase social. En

sus más recientes pinturas escritas, los informes gubernamentales desclasificados

sobre Guantánamo y Abu Ghraib, y los planes de invasión de la guerra de Irak,

fueron serigrafiados sobre fondos Pop brillantes o de color pastel, dando como

resultado una crispada e intensa tensión visual. La crítica de la cultura de Holzer se

basa en la dicotomía entre lo verdadero y lo falso, el bien y el mal.

En sala: Serie Living (Vivir), 1981, compuesta por 18 letreros pintados a

mano sobre metal; letrero de LED Gold Vein, 2002; y las pinturas escritas

Examination Report DOD 003183-DOD, 2005, Phase II Action…purple,

2007 y Phase IV Post-Hostilities pewter, 2007.

Barbara Kruger (Newark, New Jersey, 1945)

Con sus fascinantes y muchas veces disyuntivas yuxtaposiciones de texto e

imagen, Kruger ha adaptado las estrategias de la propaganda política clásica a la

ideología consumista dominante del Estados Unidos de Reagan. Desde sus inicios

como editora fotográfica de una publicación de Condé Nast, las primeras obras de

Kruger fueron pequeños collages. Estos acabaron por ampliarse en las grandes

fotos serigrafiadas sobre vinilo en rojo y negro que la hicieron conocida. Referidos

en igual medida al constructivismo soviético y a la publicidad de Madison Avenue,

los montajes de Kruger son maliciosos, ingeniosos, perturbadores y polémicos.

La fuerza de su obra se basa en las tensiones entre las imágenes apropiadas de los

collages y las frases mordaces que cuestionan nuestras suposiciones sobre el

poder, el género, la sexualidad y el dinero.

En sala: Ocho piezas, fotografías y serigrafías sobre vinilo.

Paul McCarthy (Salt Lake City, 1945)

Paul McCarthy deconstruye los relatos y mecanismos de la cultura pop, de

Hollywood y de la política de Estados Unidos, reconstruyéndolos por medio de la

performance, el dibujo, la escultura y la instalación. Influido por los happenings, el

cine, la danza, el arte performático y el rock, al principio McCarthy usó su propio

cuerpo para hacer obras que regresaban a un sentido más arcaico o primordial de

lo corporal. Prosiguió colaborando con los actores en las performances, y más tarde

evolucionó hacia la construcción de entornos de gran escala y la producción de

figuras mecánicas. Su recreación consciente de los mitos culturales pop

-Blancanieves, Santa Claus y Heidi- descorre el telón para revelar los impulsos y

condicionamientos psicológicos más profundos bajo la superficie de estos

personajes fabricados. Train fusiona el impulso sexual y el impulso de muerte en

una escultura mecánica a la vez cómica y horrorosa.

En sala: Escultura Train, Mechanical, 2003 – 2009.

Cady Noland (Washington D.C., 1956)

Cady Noland desafía cara a cara el sueño americano. Sus recortes serigrafiados en

aluminio y sus apretados assemblages registran una historia paralela y subterránea

que contrasta con la versión oficial de los hechos y la subvierte. Noland sopesa el

impacto de los quiebres traumáticos de la historia estadounidense: el asesinato del

asesino de Kennedy, Lee Harvey Oswald, los crímenes de la familia Manson, la saga

de Patty Hearst.

Las instalaciones de Noland introducen en el cubo blanco el bajo mundo de los

Estados Unidos, los restos de la cultura y su white trash: latas sucias de Budweiser,

pelotas de fútbol americano pinchadas, banderas estadounidenses sintéticas,

llantas de goma, recortes de madera, cajones de leche plásticos. Sus instalaciones

son inquietantes y opacas, y su uso del espacio es tan patológico como poco

comunicativo.

Noland cultiva el estilo paranoico en el arte norteamericano. Recrea formas

tradicionales de castigo –la llanta-columpio que se convierte en una horca, las

medias envueltas en la bandera de los Estados Unidos–. La incansable fijación de

Noland con episodios violentos y dolorosos de la historia del país revela una

sobreinversión libidinal por los rituales de condena y disciplinamiento.

En sala: La instalación Chicken Awning Frame, 1990; tres serigrafías sobre

aluminio SLA Group Shot #3, 1990; Manson Girls ‘Sit-In’ Cut-Out, 1993-

1994; Squeaky shouting at officer, 1993-1994; y la madera Spaghetti

Cowboy Template I, 1990.

Se inauguraron " "Antonio Asís, un universo vibrante" y "Juan Melé, pensamiento constructivo" en el MUNTREF

 



(Buenos Aires)

Este mediodía, se inauguraron  en el MUNTREF ubicado en la sede de la Universidad Nacional de Tres de Febrero en Caseros, Provincia de Buenos Aires,  las muestras" Antonio Asís, un universo vibrante" y "Juan Melé, pensamiento constructivo". Con la presencia de los dos artistas, invitados especiales, críticos, periodistas, el rector de la Universidad de Tres de Febrero Aníbal Jozami destacó la trayectoria de Melé y de Asís. De Juan Melé dijo: es uno de los fundadores del arte concreto en la Argentina, movimiento que irrumpió en Buenos Aires con carácter vanguardista, en la década del `40, es decir diez años antes que en otros países del continente como Brasil. Por otra parte, Antonio Asís, radicado en Europa, y reconocido internacionalmente, presenta en esta muestra una retrospectiva de su obra. Aníbal Jozami destacó también la presencia de la curadora de la muestra de Melé,  Nelly Perazzo y también el trabajo de Diana Wechlesler junto con un grupo de alumnas de la Maestría en curaduría esa Universidad que curaron la obra de Asís.

Acerca de Antonio Asís

"Proveniente de una de las tantas familias libanesas que eligieron la Argentina como ámbito de realización y de integración, Antonio Asis, por circunstancias de la vida luego de graduarse en Bellas Artes, recorrió el camino inverso y se estableció en el París mítico de fines de los años 50. Realizó infinidad de trabajos diversos hasta que pudo dedicarse de lleno a su arte. Llegó así a ser uno de los más destacados entre los artistas argentinos residentes en esa ciudad. Sus ideas y trabajos fueron retomados por muchos otros mientras él continuaba experimentando en la soledad de su taller.
Hoy, su carácter innovador, y su “universo dinámico”, es reconocido internacionalmente y ocupa un lugar de privilegio entre los artistas geométricos y cinéticos. Nos honra como Universidad ser quien realice su primer retrospectiva en territorio argentino.
También nos enorgullece iniciar, con esta muestra, el décimo año de actividades del Muntref y continuar llevando las mejores expresiones de arte al conurbano bonaerense, a fin de ponerlas al alcance de las mayorías.
Continuando con el programa curatorial de investigación, esta muestra fue organizada por un equipo de la Maestría en Curaduría en Artes Visuales dirigido por Diana B. Wechsler".

Aníbal Y. Jozami
Rector

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Acerca de Juan Melé


Juan Melé  es un artista con una vastísima obra que ha tenido reconocimiento nacional e internacional; presentarlo en el Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero representa un nuevo hito de nuestra programación difundiendo los principales valores de nuestra cultura.

El nombre de esta muestra, “Juan Melé, una vocación constructiva”, sintetiza la vocación de un artista que ha sabido ocupar un lugar dentro del proceso del arte concreto y la geometría en nuestro país, participando con igual nivel de creatividad y calidad en diferentes corrientes.
La trayectoria de Juan Melé se inicia en la segunda mitad de los años cuarenta con su inserción entre los artistas concretos y madí que estaban surgiendo en esa época. El proceso creativo de estos movimientos ubicó a nuestro país, en ese momento, en una situación de vanguardia de nivel internacional. Basta confrontar las fechas de las principales obras del concretismo argentino para verificar que surgieron mucho antes que sus homólogos de otros países.
Las búsquedas personales en el ámbito de la creación del artista que presentamos hoy y las que realizó en las décadas siguientes lo sitúan en la actualidad como un actor y testigo relevante de los debates estéticos de la segunda mitad del siglo XX, tanto en Buenos Aires como en París y Nueva York.
Queremos resaltar también el esforzado e impecable trabajo de la académica Nelly Perazzo, cuya curaduría resalta aún más el valor de las obras.

Aníbal J. Jozami


Rector





La exposición Bye Bye American Pie se verá en Buenos Aires en marzo

(Buenos Aires)

Entre el 30 de marzo y el 4 de junio próximos se verá en el Malba la exposición Bye Bye American Pie, curada por Philip Larratt-Smith.
Malba – Fundación Costantini inaugura su calendario de exposiciones 2012 con la exposición Bye Bye American Pie, una selección de más de 110 obras de seis destacados artistas estadounidenses: Jean-Michel Basquiat, Larry Clark, Nan Goldin, Jenny Holzer, Barbara Kruger y Paul McCarthy, que por primera vez se
exhiben en forma conjunta en Buenos Aires.
Curada por Philip Larratt-Smith y concebida como continuación de su exposición anterior en Malba, Andy Warhol, Mr. America (2009-2010), Bye Bye American Pie explora las transformaciones de la cultura estadounidense desde los años setenta hasta el presente a través de la producción de seis de los artistas más importantes de los Estados Unidos de los últimos 40 años. Esta investigación reúne piezas claves de cada artista, en diversos soportes: pinturas, fotografías, instalaciones y obras sobre papel, provenientes de importantes colecciones públicas y privadas internacionales.
La selección de obras responde tanto a la sensibilidad artística como a las estrategias formales de los artistas en diversos medios. “Así, el documentalismo duro de las fotografías de Clark y el tono de diario íntimo de las presentaciones de diapositivas de Goldin se alterna con la crítica implícita en las “redaction paintings”
 de Holzer y la yuxtaposición de texto e imagen en la obra de Kruger. La asimilación de Basquiat de códigos de la cultura negra urbana y formas vernáculas como el grafitti con la tradición de la gran pintura europea dialoga con la puesta en escena que lleva a cabo McCarthy de la política cultural en el plano del ello”, explica Larratt-Smith.
La exposición toma su nombre de la canción American Pie de Don McLean sobre la pérdida de la inocencia de la generación de los años 60. La exhibición conjunta de este grupo de artistas permite ofrecer un panorama de una tendencia particular de la historia cultural de los Estados Unidos, surgida cuando el apogeo de la civilización estadounidense -que Warhol celebró tan brillantemente- dio paso a la crítica y a la deconstrucción, y cuando una única cultura dominante fortalecida por la televisión y el cine de Hollywood se fragmentó en múltiples subculturas. “La producción de estos artistas profetiza la decadencia gradual de los Estados Unidos, no solo en su hegemonía económica y política, sino también como cultura y como ideal”, afirma el curador.
Acompañará la exposición un volumen crítico exhaustivo que incluirá el ensayo “El malestar en la cultura” del curador Philip Larratt-Smith, y colaboraciones preparadas especialmente para la muestra del novelista y crítico cultural estadounidense Gary Indiana (“La caída de la casa del Ratón Mickey”) y "El sueño electrográfico" del filósofo británico John Gray. El catálogo incluirá también una selección de ilustraciones de las obras y una cronología de cada uno de los artistas.

Curador internacional

Bye Bye American Pie será la exposición inaugural de Larratt-Smith desde que se incorporó al Departamento de Curaduría de Malba como curador del programa internacional en septiembre 2011. En Buenos Aires, Larratt-Smith organizó y curó las muestras Andy Warhol, Mr. America (2009-2010) en Malba y Louise Bourgeois: El retorno de lo reprimido en la Fundación Proa (2011). Fue también curador de importantes exposiciones en Gran Bretaña (Joan Mitchell, Edimburgo, Escocia, 2010) y en Medio Oriente (Louise Bourgeois: Conscious and Unconscious, Doha, Qatar). En Malba curará muestras de destacados artistas internacionales y colaborará con curadores invitados en importantes proyectos del programa internacional del museo.

“Philip Larratt-Smith ha curado muestras capitales de grandes artistas de posguerra y contemporáneos en toda Latinoamérica, que supieron combinar la elevancia a nivel local con la originalidad y la perspectiva global. Su designación como curador del museo reafirma el compromiso de Malba de fortalecer y ampliar su programa internacional, a través de muestras que signifiquen una contribución importante al discurso sobre el arte contemporáneo”, afirma Eduardo F. Costantini, Presidente de Malba.

Acerca de Philip Larratt-Smith
Philip Larratt-Smith (Toronto, Canadá 1979). Es escritor y curador independiente. Vive y
trabaja entre Nueva York y Londres. Fue el curador de Louise Bourgeois: el retorno de lo
reprimido (Fundación Proa, Buenos Aires, Argentina; Instituto Tomie Ohtake, San Paulo,
Brasil; Museu do Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brasil (todos en 2011); y el Freud Museum,
Londres, Inglaterra (marzo 2012); Larry Clark (Fototeca de Cuba, La Habana, Cuba, 2011);
Joan Mitchell (Inverleith House, Edinburgo, Escocia, 2010); Andy Warhol, Mr. America
(Banco de la República, Bogotá, Colombia; Malba – Fundación Costantini, Buenos Aires,
Argentina; y Pinacoteca de São Paulo, Brasil, 2009–2010); Louise Bourgeois: Nature Study
(Inverleith House, Edinburgo, Escocia, 2008); Robert Mapplethorpe: Sagrado y Profano
(Fototeca de Cuba, La Habana, Cuba, 2006); y Louise Bourgeois: Uno y Otros (Centro de
Arte Contemporáneo Wifredo Lam, La Habana, Cuba, 2005). Ha escrito sobre la obra de
Tracey Emin, Jenny Holzer, Milton Resnick, Irán do Espírito Santo y Roni Horn, entre otros.
Nació en Toronto, Canadá, en 1979. En 2003 terminó sus estudios de B.A. in Classics en la
Universidad de Harvard. Trabajó como archivista literario en el estudio de Louise Bourgeois y
prepara en la actualidad la edición completa de sus escritos psicoanalíticos.

Muestra: Objetos guardados - Patrimonio del Museo Nacional de Arte Oriental

(Buenos Aires)

Entre el 2 de marzo y el 22 de abril se presentará la muestra Objetos guardados -Patrimonio del Museo Nacional de Arte Oriental.
El Museo Nacional de Arte Decorativo inicia su programa de exposiciones 2012 con la exhibición de objetos pertenecientes al patrimonio -hasta ahora inaccesible al público- del MNAO.
Se presentan ciento cincuenta objetos procedentes de diversas regiones de Asia, con predominio de objetos provenientes de Japón, China, India, con presencia de arte decorativo de Corea, Indonesia y Turquía, así como de Persia -actual Irán-, Siam -que comprendía los territorios de lo que es hoy Tailandia, Camboya y Laos-, Birmania -actual Myanmar- y Tibet.
Con un patrimonio heterogéneo tanto en origen como en épocas -abarca desde el siglo III al XX- así como en funciones, formas, materiales y técnicas se estableció un criterio que facilitara la interpretación de este conjunto. La organización elegida privilegia en primer lugar los materiales de las piezas: cerámica, bronces y otros metales, piedras, marfiles, maderas, esmaltes, textiles, papeles, etc. El segundo criterio fue agruparlos por lugares y culturas de origen y en tercer lugar por analogías funcionales. Pero tiene, a la vez, flexibilidad en aras de la armonía visual del patrimonio exhibido y la libertad de asociación del visitante.
Se destacan el monumental gabinete-armario japonés, el complejo altar sintoísta de cuatro rumbos y el butsudan - altar doméstico budista- los tres del siglo XIX. Entre los más antiguos se destaca el vaso chino esmaltado del siglo III, las tallas de piedra indias del siglo X y un par de yelmos persas y miniaturas del libro de Shah Nahmed. También se pueden apreciar inros, netsukes y perfumeros diminutos, y una pareja de wayang golek, marionetas populares típicas de Indonesia.
El MNAO, que permanece cerrado al público desde hace diez años, debería contar con una sede propia y funcionalmente adecuada en la que pudiera acrecentar y exhibir sus colecciones para ser apreciadas, sin duda, por el numeroso público visitante.

Visitas guiadas realizadas por Guías del MNAD

Martes, jueves, sábados y domingos 17,30 hs.


Museo Nacional de Arte Decorativo Museo Nacional de Arte Oriental

Av. del Libertador 1902

Ciudad Autónoma de Buenos Aires


mnao@mnao.gov.ar

Tel. 4801-8248 Tel. 4801-5988




http://www.mnad.org/

Muestra de Ignacio Zuloaga en ONE Punta del Este

(Buenos Aires)


Una muestra exclusiva del artista Ignacio Zuloaga se presentó el 18 de enero en Punta del Este en ONE, integrando el arte a su emprendimiento,
En el vernissage estuvieron Veronica Weiss y Ricardo Weiss ademas de empresarios y celebrities. Un espacio único donde se combino la elegancia del emprendimiento y la magnitud y belleza de las obras de un gran maestro.
La producción general estuvo a cargo de Grace Grisolia y Verónica Quintana.
La muestra se podrá visitar hasta fines de Enero en el showroom de ONE, en la Avenida Roosevelt y la Playa Brava.
Contacto e informes por obras:


Grace Grisolia
gracegrisolia@gmail.com


Buenos Aires:  +54911 3227 5976 

Punta del Este:  +598 9668 0870 








































Trayectoria del artista

http://www.zuloagaatelier.com/












Muestras


1990 Taller en Casa Zuloaga, Bvar. España 2228, Montevideo, Uruguay

1993 Galería Montevideo, Quesada
Mezza Fine Arts Gallery, Miami , USA
1994 Museo de Arte Americano, Maldonado, Uruguay
1997 Country Club, Punta del Este, Uruguay


Sala Vaz Ferreira, MEC

2001 Atelier Zuloaga, Punta del Este, La Barra, Ruta 10 Km. 159

Muestra Colectiva “Uruguay País de Artistas” en Porto Alegre, Bahía, Río de Janeiro,

San Pablo y Brasilia

2001 - 2002 Muestra Colectiva “Interacidades” itinerante en los países del MERCOSUR

2002 - 2004 Atelier en la península, Punta del Este

2004 Feria de Arte y Antigüedades en “Hebraica” San Pablo, Brasil

Galería Bita Art Lofts, San Pablo, Brasil

Espacio Cultural El Tranvía, San Pablo, Brasil


Galeria Bolsa de Arte, Porto Alegre, Brasil
V Exposición de Artes Plásticas Brasil/Uruguay, en Homenaje a Carlos Páez Vilaró,
Memorial de América Latina, San Pablo, Brasil
Feria de Arte, Apeu, Punta Carretas, Montevideo, Uruguay
Arteuy Fine Arts Gallery, Montevideo , Uruguay

2005 Muestra en el Atelier Zuloaga, La Barra, Punta del Este
Muestra Aniversario de la Independencia de Uruguay El Tranvía Cultural, San Pablo, Brasil
Muestra individual, presentada por Edgar y Roberta Von Scholosssberg, en RVS Fine Arts
Gallery South Hampton, Nueva York, USA
Muestra Discount Bank, Montevideo , Uruguay
2006 Espacio Cultural El Tranvía, San Pablo, Brasil
Espacio Cultural El Tranvía, San Pablo, Brasil

2007 Muestra “Focus” Espacio Cultural El Tranvía, San Pablo, Brasil (Declarada de interés
general por la Intendencia Municipal de Maldonado)
Muestra en el Consulado Uruguayo, San Pablo, Brasil
Muestra Reserva Cultural, San Pablo, Brasil
Muestra Abu Dhabi y Dubai, Emiratos Arabes Unidos2008 Muestra New Generation Ibero Art, Emiratos Palace Hotel, Abu Dhabi, Emiratos Arabes Unidos
2009 Muestra en sede central Amex, Punta del Este, Uruguay
Arte Rosario, Abiad Producciones, Santa Fe, Argentina
2010 Muestra Discount Bank, Punta del Este, Uruguay
Realización de murales, Cannes, Francia